September 19, 2021

Homepage

Mengulas 2 Grup Band Bluegrass Asal Kanada
Musik

Mengulas 2 Grup Band Bluegrass Asal Kanada

Mengulas 2 Grup Band Bluegrass Asal Kanada – Bearfoot adalah band post-bluegrass yang dibentuk di Alaska pada tahun 1999 sebagai Bearfoot Bluegrass. Mereka kemudian mengubah nama mereka menjadi Bearfoot karena musik mereka berevolusi untuk memasukkan americana, post-bluegrass, dan pop berbasis instrumen string.

Mengulas 2 Grup Band Bluegrass Asal Kanada

valeriesmithonline – Mereka telah menulis banyak lagu, termasuk (juga, penulisan) epik Alaska Fishtrap Joe, berdasarkan salah satu perjuangan sejarah di Alaska (antara penduduk setempat dan kerajaan ikan Seattle atas perangkap ikan) dan penemuan kerangka tua dekat Cordova oleh dua anak laki-laki, salah satunya (Mike Mickelson) kemudian menjadi anggota pendiri band Bearfoot Bluegrass.

Baca Juga : Balsam Range, Grup Musik Bluegrass Serta Akustik

Sejarah Bearfoot

Sebelum ada Bearfoot Bluegrass, sebagian besar starting line-up bertemu di Alaska Folk Arts Camp di Anchorage, Alaska. Angela Oudean (vokal, biola), Jason Norris (vokal, mandolin), Kate Hamre (bass akustik), dan Annalisa Woodlee (vokal, biola) berasal dari Anchorage, dan Mike Mickleson (irama dan gitar utama) dari Cordova, Alaska. Ibu Mike, Belle Mickelson, memutuskan untuk memulai kamp musik di Cordova untuk mendorong putranya berlatih dan bermain.

Yang lain bergabung dengan Mike di sana, dan ketika Belle memutuskan untuk membuat band kamp, ​​4H Fiddle and Dance Camp, juga dikenal sebagai Bluegrass dan Old-Time Music and Dance Camp, lima pemain ini ditambah Malani O’ Toole (vokal, biola, gitar) datang bersama sebagai Bearfoot Bluegrass pada tahun 1999. Band ini mulai berkeliling negara bagian mengajar dan mendorong musik di komunitas pedesaan kecil. Pada bulan Februari 2001 mereka merekam album pertama mereka Only Time Knows, dan kemudian membuat sejarah pada bulan Juni dengan menjadi band Alaska pertama yang memenangkan Telluride Bluegrass festival, bergabung dengan jajaran artis terkemuka seperti Nickel Creek dan The Cewek Dixie.

Untuk album kedua mereka, Back Home, mereka mendekati Todd Phillips pada tahun 2003 dan memintanya untuk memproduserinya. Todd membantu mengajari band teknik yang lebih maju, pengaturan waktu, ritme, dan dia mengerjakan nyanyian dan frasa, berkonsentrasi pada detail. Dia membantu mengubah band dari pemula berbakat menjadi musisi terampil.

Ketika musik band berkembang untuk memasukkan musik di luar bluegrass, mereka mengubah nama mereka dari “Bearfoot Bluegrass” menjadi hanya “Bearfoot”, bermaksud untuk mencerminkan pendekatan americana musik mereka, dan mereka menjadi post-bluegrass. Di bawah judul ini, mereka merilis album Follow Me pada tahun 2006. The Alaska bergabung dengan California Odessa Jorgensen (biola, vokal) pada akhir 2008, setelah Annalisa Tornfelt meninggalkan band untuk menghabiskan lebih banyak waktu dengan keluarganya. Band ini terus dicintai secara luas karena tiga vokalis wanitanya yang kuat.

Pada tahun 2009, Bearfoot menandatangani kontrak dengan Compass Records, dan menghasilkan album Doors and Windows yang sangat diakui. Bearfoot, tetap setia pada akarnya, pada tahun 2009 melakukan tur ke Alaska dua kali dengan jumlah pengunjung yang mengesankan pada bulan Juni dan sekali lagi pada bulan November. Kedua kalinya, untuk menyenangkan banyak orang, mereka melakukan tur dengan sepatu bot putus-putus dengan gaya Alaska klasik, semua kecuali Jorgensen, yang pada penampilan mereka di Talkeetna menyuarakan kekecewaannya karena tidak diberitahu tentang kode berpakaian yang tidak lazim ini.

Secara umum, Bearfoot telah menikmati pengikut setia di antara orang Alaska yang memandang mereka sebagai “pahlawan kota kecil”. Pada tahun 2010 Kate Hamre meninggalkan band, dengan sesama anggota band Mike Mickelson mengatakan bahwa dia merasa bahwa “sepuluh tahun sudah cukup”. Dia digantikan oleh Sam Grisman, putra ikon tahun 1960-an David Grisman. Pada awal 2011, Mike Mickelson, satu-satunya anggota band yang masih tinggal di Alaska. Grisman dan Odessa Jorgensen juga berangkat pada waktu yang hampir bersamaan.

Sebuah band yang sangat banyak direkonstruksi kemudian pindah basis ke Nashville, Tennessee, dan dengan anggota baru Nora Jane Struthers, P. J. George, dan Todd Grebe, memproduseri album American Story pada tahun 2011. Nora Jane Struthers berhenti pada 2012 dan band menyebutnya berhenti dengan pertunjukan terakhir di Bozeman, MT, pada Februari 2013.

The Beef Seeds

The Beef Seeds adalah band musik country dan bluegrass Inggris yang merupakan proyek kolaborasi artis dengan Ryde/. Media Digital berfokus pada platform digital yang telah mencapai status dunia dan pengakuan media global. Band ini berasal dari Newport, South Wales, dibentuk pada awal 2013, dan merekam dan menerbitkan video sampul di saluran YouTube-nya. Line-up band ini terdiri dari Peet “Bongo Peet” Morgan, Becky “Miss Becky” Johnson, Scott “Showman” Bowman, dan Adam Beale.

Semua band tinggal bersama di rumah yang sama dengan anjing mereka Ninja, persilangan Staffordshire Bull Terrier-Chihuahua yang juga merupakan maskot band membuat penampilan reguler di video. Instrumen yang digunakan dalam lagu mereka termasuk Guitar, Mandolin, Banjo, Double bass, Harmonika, Washboard, dan Double washboard, yang diciptakan sendiri oleh vokalis band Peet Morgan. Sampul bluegrass The Beef Seeds dari “Royals” oleh Lorde menerima pujian dari MTV Italy, yang menampilkan video di situs web mereka dan dari beberapa stasiun radio AS termasuk stasiun radio San Francisco 97.3-FM (KLLC ) dan dari situs berita Australia Daily Life, yang menggambarkannya sebagai “sentuhan” dan “sarat harmoni.”

Pada awal 2014, disebutkan di portal utama Brasil dan penyedia layanan Internet Globo.com. Berbagai video Beef Seeds yang dipublikasikan di situs YouTube mereka secara kolektif telah ditonton lebih dari dua juta kali. The Beef Seeds berencana melakukan tur ke Amerika Serikat pada tahun 2014. Khususnya, versi The Beef Seeds dari klasik Natal The Pogues, “Fairytale of New York,” yang dengan tepat mereka beri nama “Fairytale of Newport” (sebagai tip topi ke kota mereka sendiri Newport di South Wales), telah menjadi perayaan hit online. Video musik mengikuti band dan maskot resmi mereka, Ninja, di sekitar pusat kota Newport.

Pada tanggal 22 Oktober 2013, RyanSecrest.com mengumumkan kontes untuk menentukan versi cover favorit penggemar musik dari single hit DJ Swedia Avicii, “Wake Me Up.” Sebanyak lima belas versi sampul lagu ini, termasuk The Beef Versi benih, disertakan untuk pemungutan suara oleh pembaca situs. Pada 17 Desember 2013, Ryansecrest.com mengumumkan bahwa kontes telah dimenangkan oleh The Beef Seeds.

“Fairytale of New York” adalah lagu yang ditulis oleh Jem Finer dan Shane MacGowan dan direkam oleh band mereka The Pogues, menampilkan penyanyi-penulis lagu Kirsty MacColl pada vokal. Lagu ini adalah balada bergaya rakyat Irlandia dan ditulis sebagai duet, dengan penyanyi Pogues MacGowan mengambil peran sebagai karakter pria dan MacColl sebagai karakter wanita. Lagu ini awalnya dirilis sebagai single pada 23 November 1987 dan kemudian ditampilkan di album Pogues 1988 If I Should Fall from Grace with God.

Baca Juga : Mengenal 3 Artis Pop Dari Kanada Yang Sangat Terkenal

Awalnya dimulai pada tahun 1985, lagu tersebut memiliki sejarah perkembangan dua tahun yang bermasalah, mengalami penulisan ulang dan upaya rekaman yang dibatalkan, dan kehilangan vokalis wanita aslinya di sepanjang jalan, sebelum akhirnya selesai pada Agustus 1987. Meskipun single tersebut belum pernah dirilis di Inggris Raya. Natal nomor satu, tetap di nomor dua pada rilis aslinya pada tahun 1987 oleh sampul Pet Shop Boys “Always on My Mind”, telah terbukti sangat populer dengan kritikus musik dan publik: hingga saat ini lagu tersebut telah mencapai UK Top 20 pada 17 kesempatan terpisah sejak rilis aslinya pada tahun 1987, termasuk setiap tahun pada Natal sejak 2005.

Pada September 2017 telah terjual 1.217.112 eksemplar di Inggris, dengan tambahan 249.626 penjualan setara streaming, dengan total 1.466.738 penjualan gabungan. Pada bulan Desember 2020, lagu tersebut disertifikasi empat kali lipat platinum di Inggris untuk 2.400.000 penjualan gabungan. Di Inggris Raya, “Fairytale of New York” adalah lagu Natal yang paling banyak diputar di abad ke-21. Lagu ini sering disebut sebagai lagu Natal terbaik sepanjang masa di berbagai jajak pendapat terkait televisi, radio dan majalah di Inggris dan Irlandia. termasuk acara khusus televisi Inggris di ITV pada Desember 2012 di mana lagu tersebut terpilih sebagai Favorit Bangsa Lagu Natal.

Balsam Range, Grup Musik Bluegrass Serta Akustik
Musik

Balsam Range, Grup Musik Bluegrass Serta Akustik

Balsam Range, Grup Musik Bluegrass Serta Akustik – Balsam Range adalah grup musik bluegrass dan akustik yang didirikan pada tahun 2007. Kelima anggotanya semuanya berasal dari Haywood County di bagian barat North Carolina. Mereka adalah penerima IBMA Entertainer of the Year 2014 dan 2018. Penghargaan lain mereka termasuk IBMA Vocal Group of the Year (2014, 2015), Song of the Year (2011, 2015), dan Album of the Year (2013, 2017).

Balsam Range, Grup Musik Bluegrass Serta Akustik

valeriesmithonline – Balsam Range terdiri dari lima anggota aslinya: pada biola dan vokal utama, Buddy Melton. pada mandolin dan vokal, Darren Nicholson. pada bass upright, gitar resonator, dan vokal, Tim Surrett. pada gitar dan vokal, Caleb Smith. dan di banjo, Dr. Marc Pruett.

Baca Juga : Mengenal The Accidentals, Band Bluegrass Dari Traverse

Anggota Balsam Range

Buddy Melton (biola, vokal) mengambil biola di perguruan tinggi, dan juga mahir pada bass. Dia tampil dengan Jubal Foster sebelum bergabung dengan Balsam Range. Buddy juga tampil bersama David Holt dan Doc Watson. Melton memenangkan kehormatan “Vokalis Pria Tahun Ini” di Penghargaan Musik Bluegrass Internasional 2014 dan 2018. Darren Nicholson (mandolin, vokal) telah tampil berkali-kali di panggung Grand Ole Opry, dan telah melakukan tur dengan The Crowe Brothers dan Alecia Nugent di antara banyak artis lainnya. Dia adalah nominasi Grammy dan beberapa pemenang penghargaan IBMA.

Dia telah merilis tiga album solo, termasuk Things Left Undone 2014 (menampilkan John Driskell Hopkins dan Rhonda Vincent serta banyak lainnya) dan Fret a Spell 2018, kumpulan rekaman bluegrass instrumental. Tim Surrett (bass dan dobro) telah tampil bersama grup gospel The Kingsmen Quartet, memenangkan banyak penghargaan untuk “Musisi Injil Tahun Ini”. Dia juga memiliki tempat di Southern Gospel Hall of Fame. Surrett juga tampil dengan Tony Rice, Ralph Stanley, Brad Paisley dan Vince Gill. Pada tahun 2014, Surrett memenangkan penghargaan “Mentor of the Year” di IBMAs untuk inspirasi dan karyanya dengan seniman muda.

Caleb Smith (gitar, vokal) tampil sebagai anggota pendiri grup gospel Harvest dan juga memenangkan “Male Vocalist of the Year” dan “Guitar Player of the Year” untuk Power Grass Music Awards. Dia juga seorang luthier ulung, membangun Smith Custom Guitars untuk klien seperti Zac Brown, Bryan Sutton, dan banyak lagi. Dr. Marc Pruett (banjo) adalah pemetik banjo pemenang Grammy yang telah bermain di 4 album dengan Ricky Skaggs termasuk rekaman pertamanya pada tahun 1974 dan pemenang penghargaan Grammy 1997 Bluegrass Rules. Dia juga memimpin Marc Pruett Band selama 10 tahun. Musiknya digunakan selama lebih dari belasan tahun dalam drama luar ruangan yang sangat terkenal Unto These Hills di Cherokee, NC. Dr Pruett dianugerahi gelar doktor kehormatan dari Western Carolina University pada tahun 2010 untuk kontribusinya pada musik bluegrass.

Pendiri dan tahun-tahun awal

“Awalnya kami hanya berkumpul, lima orang dari daerah yang sama yang hanya ingin bermain musik bersama hanya untuk bersenang-senang,” kata Buddy Melton dalam wawancara 2018. “Kami hanya tinggal di kota yang sama dan kebetulan berteman baik, jadi itu adalah skenario yang ideal.” Melton dan Dr. Marc Pruett baru-baru ini tampil bersama sebagai anggota Whitewater Bluegrass Company, dan anggota band baru-baru ini merekam pada setiap upaya solo oleh Melton, Nicholson, dan Surrett. Ketika band muda berkumpul untuk merekam album pertama mereka, mereka belum memiliki nama.

Inspirasi untuk nama band datang dari Great Balsam Range, pegunungan yang mengelilingi daerah asal mereka. “Kami pikir agak megah memiliki ‘hebat’ di sana, jadi kami melepasnya dan menyebut kami Balsam Range,” kata Melton. Dari sesi rekaman awal ini datanglah Marching Home, album debut Balsam Range, dirilis pada bulan Oktober 2007. Album ini termasuk penampilan tamu dari Joe Diffie, Doyle Lawson, Jim Van Cleve, Tony Rice, dan Jerry Salley, dan menampilkan “Blue Mountain”, yang tetap menjadi lagu band yang paling banyak diminta.

Album dan pencapaian

Balsam Range menindaklanjuti Marching Home dengan Last Train to Kitty Hawk pada 2009, dengan judul lagu mencapai #1 di National Bluegrass Survey Bluegrass Unlimited pada September tahun itu. Trains I Missed, judul lagu dari album ketiga mereka, diperoleh Balsam Range IBMA Award pertama mereka, Song of the Year, pada tahun 2011. Dinamakan untuk kampung halaman mereka di Canton, North Carolina, yang menampung pabrik kertas, Papertown menghabiskan lima bulan berturut-turut di tempat nomor satu di grafik Survei Bluegrass Nasional Bluegrass Unlimited. Proyek ini mengumpulkan tujuh nominasi IBMA untuk Balsam Range pada tahun 2013, dan mereka mendapatkan penghargaan Album of the Year.

Sejak 2012, band ini sering menjadi kolaborator dengan John Driskell Hopkins, anggota pendiri Zac Brown Band. Hopkins mendengar Balsam Range di radio bluegrass pada tahun 2011 dan sangat terkesan, dia segera membeli semua musik mereka. Setelah membuat hubungan pribadi dan musik langsung pada pertemuan, mereka memutuskan untuk bergabung dan merekam album. Pada bulan September 2012, Daylight selesai, dan secara resmi dirilis Januari 2013. Balsam Range merekam dan merilis album live terbatas, Live at the Altamont, pada tahun yang sama. Rekaman ini hanya tersedia untuk anggota Balsam Nation, klub penggemar grup tersebut.

Five 2014 mengumpulkan penghargaan lain untuk band ini. singel pendahulunya Moon Over Memphis dinobatkan sebagai Song of the Year pada penghargaan International Bluegrass Music Association 2015, di mana band ini juga membawa pulang trofi Vocal Group of the Year. Album Balsam Range berikutnya, Mountain Voodoo, dirilis pada 2016, dinobatkan sebagai Album Terbaik Tahun Ini pada penghargaan Asosiasi Musik Bluegrass Internasional 2017. Melalui pekerjaan mereka dengan Hopkins, band ini berkenalan dengan Atlanta Pops Orchestra, yang memberikan iringan orkestra untuk dua album Balsam Range berikutnya: It’s Christmas Time, EP liburan 2017, dan Mountain Overture, album lengkap yang menampilkan versi baru dari album terbaik Balsam Range. -lagu yang disukai.

Baca Juga : Krauss, Morris, Stonemans Terpilih Menjadi Bluegrass Hall of Fame

Aeonic, dirilis pada 4 Januari 2019, memulai debutnya di #1 di Billboard Bluegrass Chart. Album ini tetap berada di chart selama 5 minggu berturut-turut, juga muncul di Heatseekers Chart Billboard, Americana/Folk Chart dan Current Country Chart. Aeonic ditampilkan di Wall Street Journal, Rolling Stone Country, Billboard Magazine, dan banyak lagi. Juga pada tahun 2019, Balsam Range merilis The Gospel Collection, sebuah kompilasi rekaman Injil dari proyek-proyek sebelumnya.

Festival Seni Musik

Pada bulan Desember 2016, band ini memperkenalkan Balsam Range Art of Music Festival, sebuah acara dua hari yang diadakan di Lake Junaluska, North Carolina, di daerah asal grup tersebut. Festival, dibuat dengan tujuan mengundang penggemar Balsam Range dari seluruh dunia untuk mengunjungi rumah mereka di Western North Carolina, sekarang menghasilkan lebih dari $400.000 per tahun dalam dampak pendapatan untuk Haywood County. Festival ini menampilkan pertunjukan oleh Hopkins, Atlanta Pops Orchestra, Darrell Scott, Shenandoah, Chloe Agnew, dan banyak lagi.

Mengenal The Accidentals, Band Bluegrass Dari Traverse
Musik

Mengenal The Accidentals, Band Bluegrass Dari Traverse

Mengenal The Accidentals, Band Bluegrass Dari Traverse – The Accidentals adalah sebuah band Amerika, dibentuk di Traverse City, Michigan pada tahun 2012 oleh Sav Buist dan Katie Larson. Grup ini menampilkan perpaduan eklektik dari indie folk, pop, bluegrass, rock, klasik, dan genre lainnya. Mereka telah merilis tiga album full-length, satu EP, dan dua album live. Sementara Tangled Red and Blue dapat digambarkan sebagai rilisan folk kontemporer, gaya musik yang paling konsisten dikaitkan dengan The Accidentals setelah Bittersweet adalah “genre-bending”.

Mengenal The Accidentals, Band Bluegrass Dari Traverse

valeriesmithonline – Orkestra dorks yang dideskripsikan sendiri, atau “orc dorks”, grup ini merangkul suara dan gaya musiknya yang kompleks. “Anda tidak bisa benar-benar menempatkan kami dalam satu genre,” menurut Buist. Jim Linderman dari blog Dull Tool dan Dim Bulb menyebut mereka sebagai “selera eksentrik,” menambahkan: “Mereka mengemas ruang pertunjukan dengan campuran multi-generasi.” Pada tahun 2015 band ini menggali blues, rock and roll dan hip musikalitas -hop, seperti yang dapat didengar dalam lagu-lagu seperti “Trouble” dan “Parking Lot,” serta dalam kolaborasi dengan artis seperti Rick Chyme. Pada tahun 2019, band ini menggambarkan suara mereka sebagai “pop rock yang dipengaruhi rakyat”.

Baca Juga : Gitar Folk, Jenis Gitar Yang Selalu Mengiringi Musik Valerie Smith 

Tumbuh dalam keluarga musik, termasuk pianis profesional untuk ayah dan vokalis untuk ibu, pengaruh Larson dan Buist memantul antara jazz, country, klasik, bluegrass, rock alternatif dan yang tidak jelas. Daftar pengaruh “seluruh tempat” yang dideskripsikan sendiri oleh grup pada tahun 2015 termasuk Andrew Bird, Stéphane Grappelli, Arcade Fire, Death Cab for Cutie, Pixies, Yeah Yeah Yeahs, Doris Day, The Beatles, St. Vincent, Django Reinhardt, Sufjan Stevens, Kolektif Biji Apel, dan The National. Dalam sesi Coffeehouse Conversations dengan WYEP-FM pada tahun 2015, Buist dan Larson ditanya siapa pilihan teratas mereka dari artis mana pun yang mungkin bisa mereka ajak berkolaborasi.

Selama sesi ini, Buist memilih Ben Folds dan Larson memilih Jack White. Duo ini menyebutkan lebih banyak pengaruh selama Percakapan Coffeehouse, termasuk Chris Thile dan Punch Brothers, Belle & Sebastian, Radiohead, dan White Stripes. Dalam fitur “20 Pertanyaan” dengan PopMatters pada tahun 2017, grup tersebut menyebutkan pengaruh tambahan sebagai inspirasi teratas untuk kerajinan mereka, seperti Kimya Dawson, Patti Smith, Caroline Shaw, David Bowie, Freddie Mercury, dan Brian May.

Sejarah The Accidentals

Larson dan Buist bertemu sebagai musisi muda pada tahun 2011 di sekolah menengah umum mereka di Traverse City, Michigan. Larson, saat itu berusia 15 tahun, adalah pemain cello mahasiswa baru, dan Buist, saat itu berusia 16 tahun, adalah mahasiswa tahun kedua yang bermain biola, dan mereka bekerja sama untuk proyek orkestra kelas. Pada tahun 2012, mereka mengikuti audisi dan memenangkan tempat di jurusan penyanyi-penulis lagu pertama di sekolah menengah Pusat Seni Interlochen yang terkenal, di mana mereka secara resmi menciptakan The Accidentals.

Dalam sebuah wawancara dengan Post Independent, Larson menggambarkan pembentukan band:

Kami tidak benar-benar mulai berinteraksi satu sama lain sampai saya berusia 15 tahun dan Savannah berusia 16 tahun. Instruktur orkestra kami meminta sukarelawan untuk memainkan sebuah acara. Savannah dan saya adalah dua orang yang mengangkat tangan kami.

Larson telah mengunjungi rumah Buist untuk mendiskusikan proyek mereka yang akan datang, selama waktu itu Larson memainkan sebuah lagu dengan gitar Buist yang belum pernah dia mainkan untuk siapa pun sebelum pertemuan mereka. Sejak saat itu, mereka berada di sebuah band.

Dari asal usul nama band, band ini telah menyatakan dalam wawancara radio bahwa mereka telah memutuskan “The Accidentals” karena not yang tidak disengaja dalam musik, yang dilambangkan dengan nada yang bukan merupakan anggota skala atau mode yang ditentukan oleh tanda tangan kunci yang paling baru diterapkan, dan kualitas kebetulan di balik hubungannya dengan pertemuan mereka satu sama lain secara kebetulan.

Pada 21 Mei 2012, Accidentals merilis album full-length debut mereka yang diproduksi sendiri, Tangled Red and Blue. Album ini menampilkan 13 lagu dengan rentang spektrum suara rakyat kontemporer dan disambut dengan penerimaan lokal yang kuat saat dirilis. Penggunaan instrumen eklektik mereka, seperti kazoo pada “The Band-Aid Song”, dan penanganan tema-tema kuat seperti seksisme, stereotip wanita, dan feminisme pada “Enlightened Sexism” dan “Jargon”, telah mengumpulkan Larson dan Buist mereka rasa pertama dari pengakuan lokal.

Di situs resmi mereka, telah dicatat bahwa, antara 2012 dan 2013, Accidentals telah menampilkan lebih dari 500 pertunjukan langsung sementara Larson dan Buist mempertahankan IPK 3,9+. Pada tanggal 9 April 2013, Accidentals membuka kampanye Kickstarter dalam upaya untuk mendanai album kedua mereka, Bittersweet, menawarkan versi album yang ditandatangani, cuplikan di balik layar, pertemuan di belakang panggung, dan lagu eksklusif berjudul ” Family Tree” untuk pendukung berbagai tingkat janji. Kurang dari satu bulan kemudian, pada 6 Mei 2013, Accidentals berhasil mendanai album tersebut.

Dirilis pada 17 Juni 2013, Bittersweet diproduksi bersama oleh Buist, Larson, dan banyak produser dari seluruh Michigan, Nashville, Tennessee, dan Bloomington, Indiana. Terutama, lagu penutup bertema perang “Blessed” diproduksi dan dicampur di Bloomington oleh Paul Mahern dari Zero Boys, yang sebelumnya bekerja dengan orang-orang seperti Willie Nelson dan John Mellencamp.

Peningkatan nilai produksi dan perkembangan penulisan lagu yang lebih kuat membawa band ini mendapat pengakuan yang lebih luas daripada karya mereka sebelumnya yang sepenuhnya diproduksi sendiri di Bittersweet, mengumpulkan perhatian dari banyak publikasi. Yahoo! Suara jurnalis Jonathan Frahm adalah salah satu yang pertama untuk mencatat band sebagai genre-benders, menyatakan bahwa “Mereka adalah band folk/jazz/bluegrass/klasik/alternatif terbaik di luar sana hari ini,” dan “salah satu band musikal yang paling inovatif. pengalaman yang mungkin dimiliki seseorang seumur hidup.”

Selama periode waktu ini, Accidentals berkolaborasi dengan beberapa artis lokal dalam pengembangan rilisan mereka sendiri, termasuk kredit teknik, produksi, dan kinerja pada Full Steam Ahead milik Olivia Mainville dan bagian string dan kredit harmoni pada single Way Down Wanderers, ” Burung Mati”. Mereka juga menyumbangkan musik untuk film independen One Simple Question dan Please Wait To Be Seated pada tahun 2013 dan 2015, masing-masing, dan menyumbangkan lima lagu dari Tangled Red dan Blue to Right Brain Brewery mini dokumenter Hops. Lagu “The Silence” dan “Golden Lantern” digunakan dalam iklan lokal masing-masing untuk Shanty Creek Resorts dan Makers Market.

Sepanjang tahun 2013 dan 2014, duo ini juga terus sibuk mendapatkan ketenaran dengan membuka artis seperti Brandi Carlile, Andrew Bird, Dar Williams, Ladysmith Black Mambazo, Sixto Rodriguez (Sugar Man), The Duhks, Bibi Martha, Rosco Bandana, dan Lauren Man. Video musik untuk lagu “Lemons in Chamomile” dan “City of Cardboard” dari Bittersweet telah dirilis di halaman YouTube resmi band ini. Video musik mereka yang paling banyak dilihat selama ini adalah penampilan akustik dari lagu folk-pop Buist “Epitaphs”.

Mengambil keuntungan dari pengumpulan tenaga di balik upaya terbaru mereka, band ini mendorong single “The Silence” ke ReverbNation menyusul serangkaian pertunjukan di Michigan dan pantai timur antara tahun 2013 dan 2014, yang akhirnya menarik perhatian musisi Marshall Crenshaw dan produser rekaman Stewart Lerman pada tahun 2015. Pada tahun 2014, band ini telah mempekerjakan Novi, multi-instrumentalis gelombang baru Michigan dan artis Treeskin Michael Dause sebagai pemain perkusi penuh waktu mereka.

Pada awal tahun 2015, Accidentals turun ke Indiegogo untuk mendanai tur nasional pertama mereka: “MEKING IT HAPPEN!” Tur A.S., yang telah berhasil didanai pada 20 Maret 2015. Band melakukan tur melalui kota-kota seperti Chicago, Illinois, Cave Creek, Arizona, San Diego, California, dan Salt Lake City, Utah, dengan tanggal tur penting di South by Southwest (SXSW) 2015 dan dengan Traverse Symphony Orchestra pada bulan Maret dan April , masing-masing.

Baca Juga : Sejarah Singkat Musik Bluegrass

Itu terjadi selama “Membuatnya terjadi!” tur bahwa band ini secara populer diterima sebagai salah satu dari tujuh aksi pelarian SXSW dari sekitar 2.200 aksi, menurut Billboard. Selama tur yang sama, Accidentals juga tampil bersama Ben Sollee di Chicago’s City Winery dan The Wailers di venue Grand Rapids di Orbit Room. Mereka juga memiliki pertunjukan utama pertama mereka di tempat musik rakyat terkenal The Ark pada 7 Juni 2015, setelah tur, serta di Electric Forest dan Blissfest iterasi 2015 masing-masing.

Pada tanggal 25 Agustus 2015, Marshall Crenshaw bergabung dengan Accidentals untuk penampilan bersama live pertama mereka selama pertunjukan terakhir Klub Musik Selasa Malam musim panas di Meijer Gardens. Pasca-pertunjukan, Crenshaw memuji Accidentals “dewasa sebelum waktunya” untuk teknik live mereka yang menarik, mengatakan dalam sebuah pernyataan kepada Local Spins, “Mereka pembunuh. Mereka pergi ke sana dengan naluri seorang pembunuh. Itu benar-benar sesuatu.”

Gitar Folk, Jenis Gitar Yang Selalu Mengiringi Musik Valerie Smith
Musik

Gitar Folk, Jenis Gitar Yang Selalu Mengiringi Musik Valerie Smith

Gitar Folk, Jenis Gitar Yang Selalu Mengiringi Musik Valerie Smith – Gitar Folk tidak lagi merupakan konsep aneh lagi dengan kebanyakan orang yang tertarik pada musik akhir-akhir ini, terutama bagi mereka yang ingin menikmati detaily “Apa itu Gitar Folk”. Alat jenis ini tidak hanya mendukung Anda mempraktikkan keterampilan musik Anda tetapi berdampak pada kemampuan musik Anda atau minat Anda maka tidak mudah memahami dengan jelas apa itu gitar akustik “, yang menghemat waktu berharga Anda dengan benar untuk mempelajari lebih banyak tentang item ini.

Gitar Folk, Jenis Gitar Yang Selalu Mengiringi Musik Valerie Smith

valeriesmithonline – Karena itu, kami ada di sini untuk berbagi dengan Anda, bagian atas, jangan lewatkan pengetahuan yang berharga tentang apa itu gitar Folk? Konten praktis dapat membantu Anda memilih beberapa informasi praktis tentang gitar Folk yang Anda butuhkan tanpa ragu-ragu di masa depan. Agar menjadi pembelanja yang bijak dengan beberapa trik praktis pembelajaran, kita dapat mengumpulkan lebih banyak petunjuk dengan mengikuti konten untuk melepaskan gitar Folk mana yang berharga pada tahun 2021.

Baca Juga : Gitar Martin, Jenis Gitar Yang Dipakai Oleh Valerie Smith

Apa itu Gitar Folk?

Untuk mengungkap apa itu gitar folk, Anda harus mengetahui dengan jelas apa itu gitar folk. Banyak penduduk menganggap musik folk sebagai gitar akustik model jari yang lembek dan lembut yang dikaitkan dengan beberapa versi instrumen akustik lainnya yang sering diikuti oleh seseorang. Sementara itu definisinya belakangan ini berubah, pemain folk kanan adalah benar-benar musisi/pemain yang memainkan beberapa lagu “tradisional”, kemudian juga mengendurkan beberapa musiknya.

(Catatan: Melodi tradisional adalah lagu-lagu yang dipindahkan dari zaman ke zaman oleh ingatan/buku harian. Beberapa lagu seperti “Tanah Ini Tanahmu” atau “Di Atas Asap Tua” ini adalah melodi yang dilambangkan hanya untuk dimainkan secara sederhana. dan kelas.)

Selanjutnya lagu-lagu lama ini bisa berubah dari negara ini ke negara itu tergantung pada penyebabnya, ada banyak jenis model musik daerah. Dan semuanya dari Progressive Folk, Electric Folk, dan Folk Rock, hingga Freak, Contemporary, dan Indie (yah, itu pasti sebuah genre dan itu juga menjadi umum di tahun 2004 dan pada dasarnya adalah versi neo-hippie).

Selain itu, tidak peduli model Folk apa yang Anda sukai, apakah itu Bob Dylan (yang juga merupakan tipe Favorit Valerie Smith) dan Iron and Wine atau siapa pun itu sangat mudah untuk menemukan gitar folk yang bagus. Selain itu, jika Anda mencari gitar yang terdengar bagus untuk beberapa melodi folk (apa pun modelnya), ada beberapa standar yang bisa Anda cari dalam gitar. Namun demikian, gitaris folk umumnya telah menggunakan banyak jenis yang berbeda. Beberapa hanya lebih umum daripada yang lain.

Apa Sebenarnya Standar Yang Membawa Gitar Folk Bagus?

Nah, menjawab ini bisa jadi sensitif, karena memang orang-orang mengatakan tentang sektor semacam ini dari waktu ke waktu, karena mereka telah mengalami begitu banyak berbagai model lagu daerah. Selain itu, bagi para produser gitar, musik folk pada dasarnya adalah gitar berukuran kecil hingga sedang, namun ada banyak gitaris folk yang menggunakan dreadnought yang jauh lebih besar, jenis alat musik dan instrumen berdimensi Jumbo. Dan lihat bagaimana ini bisa membingungkan?

Selain itu, orang terus-menerus menyatakan itu, dan itu bisa membuat sakit kepala karena banyak komentar online yang menolak tentang siapa yang tidak dan benar. Satu-satunya objek yang benar-benar dapat disetujui orang adalah alat musik Folk harus memiliki senar baja. Dan untuk membuatnya mudah, ada baiknya untuk mempertimbangkan instrumen Folk yang bagus sebagai berbagai tergantung pada model yang Anda sukai.

Misalnya, jika Anda tertarik pada Bob Dylan dan Joan Baez, Anda mungkin ingin menggunakan Martin 0-45 (semacam sulit ditemukan) yang dimainkan keduanya. Atau, jika Anda tertarik pada beberapa model rock folk, Anda bisa mencoba rickenbacker yang dimainkan Roger Mcguinn.

Selain itu, untuk mengetahui apa gitar folk yang luar biasa bagi Anda, kepercayaan terbaik pengguna adalah menelusuri apa yang dimainkan oleh pemain folk terkenal. Dan ini akan memberi Anda ide bagus yang Anda inginkan, dengan menelusuri standar apa yang dimiliki gitar folk mereka.

Hal ini sebenarnya aman untuk berbagi bahwa Martin milik bagian atas alat musik yang paling umum untuk melodi Folk. Banyak pemain yang menggunakannya. Jelas, ini mungkin karena alat-alat itu tidak dapat dipercaya di slot aslinya. Mereka merasa luar biasa untuk menikmati serta memiliki nada yang sangat mudah beradaptasi. Selain itu, belum lagi tentang keahliannya, dan beberapa gitar itu memesona seperti Martin 0-45 ini.

Selain itu, di antara musisi folk yang menggunakan dan memainkan Martins ini adalah: Paul Simon, Joan Baez, Jerry Garcia, Woody Guthrie, Patty Griffin, Neil young, Bob Dylan, dan sebagainya. Selain itu, versi ini berada di sekitar ukuran gitar ruang tamu yang terutama merupakan ukuran terkecil yang dapat Anda jangkau dari gitar sebelum dianggap kecil (ukuran setengah dan sepertiga empat dimaksudkan hanya untuk anak-anak).

Selain itu, instrumen Parlour memiliki suara adat, serta telah menawarkan comeback. Selain itu, kelemahan dari gitar kecil itu adalah mereka senyap daripada versi yang lebih besar sehingga Anda benar-benar harus menggunakan banyak kekuatan digit untuk menghasilkan suara yang keras ini. Selain itu, Valerie Smith menganggap model gitar 0 oleh Martin untuk menghasilkan suara yang luar biasa untuk beberapa orang. Karena Martin ini sayangnya tidak lagi menawarkan versi ini, Valerie Smith sangat menyarankan untuk menguji Martin 0-28 ini.

Yamaha FG720 Akustik

Selain itu, FG benar-benar ditampilkan untuk instrumen Gitar Folk pada versi ini, dan tentu saja meskipun ada beberapa pemain folk yang benar-benar suka menggunakan Yamaha. Selain itu, Valerie Smith sebenarnya bukan penggemar. Dan Valerie Smith hanya (secara pribadi) tidak menyukai arah yang mereka rasakan. Mereka juga terdengar bagus, dan bahkan Paul Simon menggunakannya pada rekaman terkenal “Sound of the Silence” .

Dia menikmati jenis gitar ini meskipun sebenarnya dia menggunakan beberapa akustik lain, seperti Martin D-18 dan Martin OM-42. Selain itu, nilai tambah yang besar untuk melodi akustik adalah betapa murahnya itu, Anda bahkan bisa mendapatkan 700-an lebih terjangkau yang merupakan versi yang cukup berbeda. Lebih jauh lagi, perhatikan bagaimana itu beresonansi pada rekaman awal, nadanya sebenarnya sangat manis dan lembut. Setelah itu juga cukup gelap.

Martin D-18

Selain itu, model lain yang sangat umum dari merek Martin, mungkin instrumen D-18 adalah yang paling mudah beradaptasi seperti yang terlihat pada gitar yang dapat memainkan model folk terbaru dan lama. Selain itu, sebagai salah satu seniman yang paling Valerie Smith cintai, Townes Van Zandt mengambil bagian dalam salah satu dari mereka serta mencapai pemeriksaan romantis namun polos di atasnya. Selain itu, sungguh menakjubkan bagaimana kelihatannya. Selain itu, karena ini adalah kapal perang dan tidak banyak seniman Folk memilih untuk menggunakan kapal penempur.

Anda benar-benar dapat menginformasikan bahwa konsepnya berbeda dan cukup “lebih lengkap” ini mungkin bukan pilihan yang luar biasa, tetapi itu benar-benar berfungsi. Dan Valerie Smith pribadi menganggap bahwa kapal perang hanya menawarkan terlalu banyak suara yang cerah dan bahagia. Selain itu, satu kelemahan dari itu adalah harganya agak mahal. Khususnya, dibandingkan dengan seberapa murah Anda bisa mencapai sesuatu, misalnya Yamaha yang disebutkan di atas.

Taylor 714ce

Selain itu, mungkin dosa untuk tidak menempatkan Taylor di sini, karena banyak seniman folk terbaru benar-benar menikmati menggunakannya. Tentunya, karena Taylor belum ada untuk sementara waktu (sejak tahun 1974) mereka tidak biasa dengan banyak pemain folk yang lebih terkenal dari tahun 60-an dan sebelumnya, namun apakah mereka seratus persen praktis mereka akan sangat umum.

Selain itu, artis gitar yang dinikmati Taylors saat ini menggunakan jenis musik folk yang lebih kontemporer, misalnya Taylor-714ce yang digunakan oleh Wine’s Beam and Iron ini memiliki suara yang sangat gelap, kaya, dan manis. Dan itu tidak sepenuhnya seperti yang dipikirkan pengguna setiap kali Valerie Smith mempertimbangkan musik Folk, namun tampaknya indah dan banyak artis saat ini terdengar mencoba untuk mencapai suara itu.

Baca Juga : Joel Sweeney Penyanyi Asal Virginia Yang Bermain Banjo

Selain itu, jenis produk ini-714ce benar-benar merupakan alat musik lain yang lebih besar dan sangat dekat dengan ukuran kain, tetapi tidak ada di sana. Plus, Taylor menawarkan gitar berukuran unik khusus mereka bernama “Grand Auditorium”, yang khusus hanya untuk mereka. Selain itu, itu benar-benar gitar ukuran paling umum mereka, maka itu benar-benar terasa jauh lebih menyenangkan daripada kapal penempur.

Selain itu, beberapa gitar Taylor ini bisa menjadi barang curian, dan mereka memiliki versi yang lebih mahal tetapi gitar Taylor memiliki beberapa pilihan murah yang menurut Valerie Smith suaranya sama bagusnya dengan versi Taylor 714ce. Selalu ingat produk semacam ini. Selain itu, jenis unit Sam Beam melakukan presentasi akustik yang luar biasa yang akan Anda nikmati. Pertunjukan semacam ini, yang diselesaikan di KEXP Seattle, berarti betapa bagusnya seorang Sam. Lingkaran yang muncul bersamanya juga sangat berbakat.

Gitar Martin, Jenis Gitar Yang Dipakai Oleh Valerie Smith
Musik

Gitar Martin, Jenis Gitar Yang Dipakai Oleh Valerie Smith

Gitar Martin, Jenis Gitar Yang Dipakai Oleh Valerie Smith – Gitar Martin merupakan jenis gitar yang selalu dipakai untuk merekam sebuah sound suara dari genre musik milik Valerie Smith dan juga gitar favorit yang selalu dipakai untuk tampil dalam mengisi acara ataupun konser milik Valerie Smith.

Gitar Martin, Jenis Gitar Yang Dipakai Oleh Valerie Smith

valeriesmithonline  – Martin 000-28 Modern Deluxe adalah model rosewood 000, yang menggabungkan badan ukuran Auditorium dengan leher pendek, dibuat dalam versi yang ditingkatkan dari Style 28 yang eksklusif untuk Seri Modern Deluxe, menampilkan spesifikasi ultra-modern yang mencakup kemajuan dalam teknik akustik dan janji visual mewah, ditambah profil leher baru yang terinspirasi oleh Martin vintage yang legendaris.

Ini memiliki suara seimbang yang punchy dan fokus, seperti yang di harapkan dari 000 skala pendek, dibandingkan dengan OM skala panjang atau model kapal penempur skala panjang yang lebih besar. Tetapi juga memiliki lonceng seperti lonceng, penopang fundamental yang mengesankan, dan nada kering yang unik dan terbuka yang pernah di dengar di seluruh Seri Modern Deluxe, yang membedakannya dari Martin 000 mana pun yang pernah di dengar sebelumnya.

Baca Juga : Karir Mitchell Dalam Beradu Album di Grammy Dengan Valerie Smith 

Sekilas mungkin ada sedikit tentang model baru ini yang tampak berbeda dari Seri Standar 000-28. Keduanya tampak seperti 000-an skala pendek tradisional yang dibuat dengan bagian belakang dan samping rosewood India yang diatapi papan suara dari pohon cemara Sitka. Keduanya memiliki fretboard ebony dengan Martin’s High Performance Taper yang berukuran 1-3/4″ pada bone nut dan 2-1/8″ pada fret ke-12.

Keduanya memiliki jembatan ebony dengan jarak senar 2-5/32” di sadel tulang yang dikompensasi. Dan keduanya memiliki trim atas herringbone klasik dan penanda fingerboard Diamonds and Squares aspek dekoratif yang mendefinisikan Style 28 dari tahun 1800-an hingga 1940-an, dan yang seharusnya dikembalikan ke Standard Style 28 di abad ini, setelah Martin menghentikan Seri Vintage mereka.

Tapi kemudian, bahkan seorang pengamat biasa yang melihat-lihat dinding gitar di toko kemungkinan akan melihat bagaimana pengikatan pada 000-28 Modern Deluxe terbuat dari maple yang menyala daripada plastik, atau bagaimana fretnya berwarna emas daripada perak. Ini bukan hanya peningkatan kosmetik. Mereka memiliki rona emas karena terbuat dari kawat EVO, yang tidak mengandung nikel. Ini sebenarnya adalah paduan berbasis tembaga yang memiliki ketahanan lebih besar terhadap keausan bermain daripada fret normal.

Lalu ada logo headstock Martin, yang tidak ada stiker tempel. Itu bertatahkan dalam cangkang abalon warna-warni, keperakan dengan aksen berkilauan magenta, hijau, dan biru royal, cocok dengan penanda fret abalon. Dan pola gaya hurufnya juga berbeda. Ini sangat mirip dengan logo yang digunakan untuk waktu yang singkat di awal 1930-an. Oh, dan pelat muka rosewood India memiliki lapisan mengkilap, meskipun bagian lehernya sendiri memiliki lapisan satin. Itu adalah sesuatu yang banyak diharapkan Martin pada gitar Seri Standar mereka. Dan sekarang ini hanyalah salah satu upgrade yang termasuk dalam tier baru di atas Standard Series, yaitu Modern Deluxe Series.

Ya, upgrade deluxe mulai terlihat jelas, termasuk open back tuner berwarna emas yang disetel dengan apik oleh fret EVO. Mereka sebenarnya adalah mesin tuning merek Waverly, yang sebelumnya dicadangkan untuk edisi terbatas dan instrumen papan atas di Martin’s Authentic Series – yang omong-omong belum menyertakan 000-28, meskipun ada keluhan dari lebih dari beberapa penggemar musik skala pendek. gitar Martin.

Tapi sebelum semua itu diambil, seseorang yang mendekati gitar ini untuk pertama kalinya mungkin akan langsung melihat kilauan dari pin bridge yang putih sempurna dan warna merah yang tidak biasa digunakan untuk titik tengah di puncak setiap pinhead. Atau mungkin mereka akan melihat tampilan yang lebih gelap pada papan suara pohon cemara. Ini mungkin petunjuk pertama mengenai perbedaan yang benar-benar penting antara Standar 000-28 dan 000-28 MD yang baru. Saya mengacu pada teknologi modern yang memiliki dampak besar pada bagaimana suara MD dan cara memainkannya.

Merupakan Jenis Gitar yang cukup modern yang disukai Valerie Smith

Petik atau petik senar dengan ringan, dan 000-28 Modern Deluxe menyala seperti pohon Natal, dengan aura tiga dimensi yang didominasi oleh nada individual solid dengan warna fundamental dan sustain yang luar biasa, dengan banyak ruang dalam terbuka di belakang mereka. Serang senar dengan kuat, dan nadanya menggonggong dan menggigit, berkedip-kedip, merdu dan blues di bagian atas dan dengan pantulan cepat pada nada yang kering dan berkayu. Ini adalah suara yang lebih terbuka dan lapang daripada rosewood Martin mana pun dari Seri Standar, yang cenderung gelap dan padat sebagai perbandingan.

Baca Juga : Joel Sweeney Musisi Amerika Yang Memainkan Banjo

Ada pop langsung dan punchy ke nada utama dan timbre yang merdu untuk treble. Ketika akord dipetik dan dibiarkan berdering, bunyikan senar b dan e yang tidak terputus berdentang seperti lonceng perak dan bernyanyi dengan jelas di atas dengungan mantap dari nada mid-range yang terfokus dan solid, dan digaungkan oleh harmonik simpatik yang sangat reflektif yang berkilauan dan bersinar di dalam dan di sekitar mereka seperti cermin kecil. Nada bass lebih lebar, tetapi dengan volume lunas yang sama dengan mid. Keseimbangan itu paling terlihat selama fingerpicking, di mana E rendah dan A muncul sangat banyak pada bidang yang sama dengan senar D dan G.

Memiliki suara yang sesuai dengan genre milik Valerie Smith

Semua gitar di Modern Deluxe Series dibuat dengan Stika spruce yang telah “dituakan” oleh Martin’s Vintage Tone System, versi torrefaction kayu yang sesuai. Valerie Smith sangat menyukai jenis kayu yang digunakan dan suara yang di hasilkan. Kayu torrefied telah mengalami panas tinggi di lingkungan oksigen rendah yang mencegahnya meledak menjadi api. Ini memanggang kelembaban yang melekat jauh di dalam interior seluler, sampai mereka mengkristal dengan cara yang meniru sifat fisik kayu yang dibumbui secara alami selama beberapa dekade, bahkan berabad-abad.

Efek VTS pada nada sekarang didokumentasikan dengan baik. Ini “membuka” bagian atas, jadi ada suara yang lebih luas di belakang suara dasar yang oleh sebagian orang disamakan dengan nada gitar sebelum perang. Itu juga membuat papan suara lebih responsif terhadap permainan yang lebih ringan. Teknik serupa digunakan untuk memalsukan usia biola sejak tahun 1700-an. Teknologi VTS saat ini memungkinkan Martin untuk memilih usia target mulai dari 300 tahun hingga sekitar 80 tahun, yang digunakan untuk model Modern Deluxe. Itu membuat mesin waktu ke era ketika Martin membuat instrumen vintage yang paling didambakan tahun 1920-an dan 1930-an.

Karir Mitchell Dalam Beradu Album di Grammy Dengan Valerie Smith
Musik

Karir Mitchell Dalam Beradu Album di Grammy Dengan Valerie Smith

Karir Mitchell Dalam Beradu Album di Grammy Dengan Valerie Smith –  Mitchell lahir Roberta Joan Anderson pada 7 November 1943, di Fort Macleod, Alberta, Kanada, putri Myrtle Marguerite (McKee) dan William Andrew Anderson. Nenek moyang ibunya Skotlandia dan Irlandia ayahnya berasal dari keluarga Norwegia yang mungkin memiliki beberapa leluhur Sámi. Ibunya adalah seorang guru, sementara ayahnya adalah Letnan Penerbangan Angkatan Udara Kanada Kerajaan yang menginstruksikan pilot baru di Stasiun RCAF Fort Macleod.

Karir Mitchell Dalam Beradu Album di Grammy Dengan Valerie Smith

valeriesmithonline – Dia kemudian pindah dengan orang tuanya ke berbagai pangkalan di Kanada Barat.  Setelah berakhirnya Perang Dunia II, ayahnya mulai bekerja sebagai toko kelontong dan keluarganya pindah ke Saskatchewan, pada awalnya tinggal di kota-kota seperti Maidstone dan North Battleford sebelum menetap di kota Saskatoon ketika Mitchell berusia 11 tahun. Dia kemudian bernyanyi tentang pengasuhan kota kecil di beberapa lagunya, termasuk “Lagu untuk Sharon”.

Baca Juga : Mengulas Karir Dolly Parton Pesaing Musik Bluegrass Valerie Smith

Di sekolah Mitchell berjuang, Minat utamanya adalah melukis. Selama waktu ini dia secara singkat mempelajari piano klasik. Pada usia 9, Mitchell mengontrak polio dalam epidemi dan dirawat di rumah sakit selama berminggu-minggu. Setelah insiden ini dia fokus pada bakat kreatifnya dan dianggap sebagai karir bernyanyi atau menari untuk pertama kalinya. Pada 9, dia seorang perokok; Dia menyangkal klaim bahwa merokok telah memengaruhi suaranya. Pada usia 11, dia pindah dengan keluarganya ke kota Saskatoon, yang dia anggap sebagai kota asalnya.

Dia merespons dengan buruk untuk pendidikan formal, lebih memilih prospek freetinking. Salah satu guru yang tidak konvensional, Arthur Kratzmann, berhasil membuat dampak padanya, merangsangnya untuk menulis puisi; Album pertamanya termasuk dedikasi kepadanya. Di kelas 12, dia keluar (dia kemudian melanjutkan dengan studinya) dan bergaul di pusat kota dengan set gaduh sampai dia memutuskan bahwa dia terlalu dekat dengan dunia kriminal.

Pada saat ini, musik country mulai gerhana Rock, dan Mitchell ingin bermain gitar. Ketika ibunya tidak menyetujui asosiasi Hillbilly-nya, dia memutuskan pada awalnya untuk ukulele. Akhirnya dia mengajar dirimu gitar dari buku nyonya Pete Seeger. Polio telah melemahkan tangan kirinya, jadi dia merancang naungan alternatif untuk mengimbangi; Dia kemudian menggunakan saluran ini untuk menciptakan pendekatan non-standar untuk keharmonisan dan struktur dalam penulisan lagu-nya.

Mitchell mulai bernyanyi dengan teman-temannya di api unggun di sekitar Danau Waskesiu, barat laut Pangeran Albert, Saskatchewan. Performa berbayar pertamanya adalah pada tanggal 31 Oktober 1962, di klub Saskatoon yang menampilkan pemain rakyat dan jazz. Pada usia 18, dia melebarkan repertoarnya untuk memasukkan penampil favoritnya, seperti édith Piaf dan Miles Davis. Meskipun dia tidak pernah menampilkan Jazz sendiri pada masa itu, Mitchell dan teman-temannya mencari pertunjukan oleh musisi jazz. Mitchell berkata, “Latar belakang jazz saya dimulai dengan salah satu album Lambert, Hendricks, dan Ross awal.” Album itu, grup baru yang terpanas di Jazz, sulit ditemukan di Kanada, katanya.

“Jadi saya menabung dan membelinya dengan harga bootleg. Saya menganggap album itu menjadi Beatles saya. Saya mempelajari setiap lagu dari itu, dan saya tidak berpikir ada album lain di mana saja – termasuk saya sendiri – di mana saya tahu. setiap catatan dan kata dari setiap lagu. ” Ketika dia menyelesaikan sekolah menengah di Aden Bowman Collegiate di Saskatoon, dia mengambil kelas seni di Saskatoon Technical Collegiate dengan Abstrak Ekspresionis Painter Henry Bonli dan kemudian meninggalkan rumah untuk menghadiri Alberta College of Art di Calgary untuk tahun sekolah 1963-64 .

Di sini dia merasa kecewa tentang prioritas tinggi yang diberikan untuk keterampilan teknis atas kreativitas kelas bebas, dan merasa tidak selangkah dengan tren menuju abstraksi murni dan kecenderungan untuk pindah ke seni komersial. Setelah setahun, ketika dia berusia 20 tahun, dia putus sekolah, sebuah keputusan yang sangat tidak senang dengan orang tuanya, yang bisa mengingat Depresi Hebat dan Pendidikan yang dihargai sangat tinggi.

Dia terus bermain pertunjukan sebagai musisi rakyat di akhir pekan di perguruan tinggi dan di hotel lokal. Sekitar waktu ini dia mengambil pekerjaan $ 15 per minggu di Calgary Coffeehouse yang disebut Depresi Coffee House, “menyanyikan lagu-lagu tragis panjang dalam kunci kecil”. Dia bernyanyi di hootennies dan tampil di beberapa acara TV dan radio lokal di Calgary. Pada tahun 1964, pada usia 20, ia memberi tahu ibunya bahwa dia bermaksud untuk menjadi penyanyi rakyat di Toronto, dan dia meninggalkan Kanada Barat untuk pertama kalinya dalam hidupnya, menuju ke timur untuk Ontario.

Di perjalanan kereta tiga hari di sana, Mitchell menulis lagu pertamanya, “Hari demi hari”. Dia berhenti di Festival Rakyat Mariposa untuk melihat Buffy Sainte-Marie, seorang penyanyi Folk Cree yang kelahiran Saskatchewan yang telah menginspirasi dia. Setahun kemudian, Mitchell juga bermain Mariposa, pertunjukan pertamanya untuk audiens utama, dan bertahun-tahun kemudian Sainte-Marie sendiri menutupi karya Mitchell. Kurangnya $ 200 yang dibutuhkan untuk biaya serikat musisi, Mitchell mengelola beberapa pertunjukan di setengah beat dan sudut desa di lingkungan Yorkville Toronto, tetapi dia kebanyakan memainkan pertunjukan non-serikat “di ruang pertemuan Gereja dan Ruang Rapat YMCA”.

Ditolak dari klub-klub rakyat utama, ia terpaksa mengamuk, sementara dia “bekerja di bagian Wear’s Wear of the Downtown Department Store untuk membayar sewa.” Selama era ini, ia tinggal di rumah kamar, tepat di seberang. Aula dari Poet Duke Redbird. Tanpa banyak pengenalan nama, Mitchell juga mulai menyadari adegan rakyat masing-masing kota cenderung membuat pemain veteran hak eksklusif untuk memainkan lagu-lagu tanda tangan mereka – meskipun tidak menulis lagu-mana Mitchell yang ditemukan Insular, bertentangan dengan cita-cita musik rakyat yang egaliter.

Dia menemukan bahan tradisional terbaiknya sudah menjadi properti penyanyi lain dan tidak akan lagi melewati kerusuhan. Dia bilang dia diberitahu “‘Kamu tidak bisa bernyanyi itu. Itu laguku.” Dan saya menamai satu lagi. “Kamu tidak bisa bernyanyi itu. Itu laguku.” Ini adalah pengantar saya untuk lagu-lagu teritorial. Saya berlari lagi di Toronto. ” Dia memutuskan untuk menulis lagu-lagunya sendiri. Pada akhir 1964, Mitchell menemukan bahwa dia hamil oleh mantan pacarnya Brad MacMath. Dia kemudian menulis, ” meninggalkan saya hamil tiga bulan di ruang loteng tanpa uang dan musim dingin datang dan hanya perapian untuk panas. Spindle dari perjamuan adalah bahan bakar gap-gigi untuk penghuni musim dingin lalu.”

Pada bulan Februari 1965, dia melahirkan bayi perempuan. Tidak dapat menyediakan bayi, dia menempatkan putrinya, Kelly Dale Anderson, untuk diadopsi. Pengalaman itu tetap pribadi untuk sebagian besar karir Mitchell, meskipun dia menyinggungnya di beberapa lagu, seperti “Little Green”, yang dia lakukan pada 1960-an dan direkam pada tahun 1971 Blue. Di “Chinese Cafe”, dari album Wild Things 1982 berlari cepat, Mitchell Sang, “Anak-anak Anda datang lurus / anak saya orang asing / saya bosan dia / tetapi saya tidak bisa membesarkannya.” Lirik-lirik ini tidak mendapat perhatian luas pada saat itu.

Keberadaan putri Mitchell tidak dikenal secara publik sampai tahun 1993, ketika teman sekamar dari hari-hari seni pertanian Mitchell pada 1960-an menjual kisah adopsi ke majalah tabloid. Pada saat itu, putri Mitchell, berganti nama menjadi Kilauren Gibb, sudah memulai pencarian orang tua kandungnya. Mitchell dan putrinya bertemu pada tahun 1997. Setelah reuni, Mitchell mengatakan bahwa dia kehilangan minat pada penulisan lagu, dan dia kemudian mengidentifikasi kelahiran putrinya dan ketidakmampuannya untuk merawatnya sebagai saat ketika inspirasi penulisan lagu itu benar-benar dimulai.

Ketika dia tidak bisa mengungkapkan dirinya kepada orang yang ingin dia ajak bicara, dia menjadi selaras dengan seluruh dunia, dan dia mulai menulis secara pribadi. Beberapa minggu setelah kelahiran putrinya pada bulan Februari 1965, Mitchell bermain pertunjukan lagi di sekitar Yorkville, sering dengan seorang teman, Vicky Taylor, dan mulai menyanyikan material asli untuk pertama kalinya, ditulis dengan nada terbuka yang unik. Pada bulan Maret dan April, ia menemukan pekerjaan di Penne Farthe, klub rakyat di Toronto. Di sana dia bertemu dengan penyanyi rakyat Amerika New York, Charles Scott “Chuck” Mitchell, dari Michigan.

Chuck segera tertarik padanya dan terkesan dengan penampilannya, dan dia mengatakan kepadanya bahwa dia bisa mendapatkan pekerjaannya yang stabil di kedai kopi yang dia kenal di Amerika Serikat. Terkadang pada akhir April 1965, Mitchell meninggalkan Kanada untuk pertama kalinya; Dia bepergian dengan Chuck Mitchell ke AS, di mana keduanya mulai bermain musik bersama. Joni, 21 tahun, menikahi Chuck dalam upacara resmi di kota asalnya pada Juni 1965 dan mengambil nama keluarga. Dia berkata, “Aku membuat gaun dan gaun pengiring pengantinku. Kami tidak punya uang. Aku berjalan menyusuri lorong mengacungkan asterku.”

Baca Juga : Sejarah Karier Ariana Grande Di Blantika Music

Saat tinggal di apartemen Verona di Cass Corridor Detroit, pasangannya adalah pemain reguler di rumah-rumah kopi daerah, termasuk pasangan catur di Livernois, dekat enam mil jalan; The Alcove Bar, dekat Wayne State University; Rathskeller, sebuah restoran di kampus Universitas Detroit; dan Galeri Raven di Southfield. ia mulai bermain dan menulis lagu-lagu di gitar alternatif yang diajarkan kepadanya oleh sesama musisi, Eric Andersen, di Detroit. Merek Oscar menampilkannya beberapa kali pada program televisi CBC-nya, mari kita bernyanyi pada tahun 1965 dan 1966.

Perkawinan dan kemitraan Joni dan Chuck Mitchell berakhir dengan perceraian mereka pada awal 1967, dan dia pindah ke New York City untuk mengikuti jalan musiknya sebagai artis solo. Dia memainkan tempat-tempat di atas dan menyusuri Pantai Timur, termasuk Philadelphia, Boston, dan Fort Bragg, North Carolina. Dia sering tampil di coffe dan klub rakyat dan, pada saat ini menciptakan materialnya sendiri, menjadi terkenal karena penulisan lagu yang unik dan gaya gitarnya yang inovatif.

Mengulas Karir Dolly Parton Pesaing Musik Bluegrass Valerie Smith
Musik

Mengulas Karir Dolly Parton Pesaing Musik Bluegrass Valerie Smith

Mengulas Karir Dolly Parton Pesaing Musik Bluegrass Valerie Smith – Dolly Parton adalah anak keempat dari 12 anak. Kakak-saudaranya adalah: Willadeene, David Wilburn, Coy Denver, Robert Lee, Stella Mae, Cassie Nan, Randle Huston (almarhum), Larry Gerald (almarhum), kembar Floyd Estel (Almarhum) dan Frieda Estelle, dan Rachel Ann. Pada 30 Mei 1966, Parton dan Carl Thomas Dean (lahir 20 Juli 1942 di Nashville, Tennessee) menikah di Ringgold, Georgia.

Mengulas Karir Dolly Parton Pesaing Musik Bluegrass Valerie Smith

valeriesmithonline – Meskipun Parton tidak menggunakan nama keluarga Dean secara profesional, dia telah menyatakan bahwa paspornya berbunyi “Dolly Parton Dean” dan bahwa dia kadang-kadang menggunakan dekan ketika menandatangani kontrak. Dean, yang pensiun dari menjalankan bisnis paving jalan aspal di Nashville, selalu menjatuhkan publisitas dan jarang menemani istrinya untuk segala acara. Parton bercanda mengatakan dia hanya melihatnya melakukan satu kali.

Baca Juga : Joni Mitchell Sempat Tandingi Album Valerie Smith di Grammy Award

Dia juga mengatakan dalam wawancara bahwa, meskipun tampaknya mereka menghabiskan sedikit waktu bersama, hanya bahwa tidak ada yang melihatnya di depan umum. Dia telah mengomentari sisi romantis Dean, mengatakan bahwa dia melakukan hal-hal spontan untuk mengejutkannya dan kadang-kadang bahkan menulis puisi untuknya. Pada tahun 2011 Parton berkata, “Kami benar-benar sangat bangga dengan pernikahan kami. Ini yang pertama bagi kami berdua. Dan yang terakhir.” Pada 6 Mei 2016, Parton mengumumkan bahwa dia dan suaminya akan memperbarui sumpah mereka di Kehormatan ulang tahun pernikahan ke-50 mereka di akhir bulan.

Parton dan Dean membantu membangkitkan beberapa saudara muda Parton di Nashville, memimpin keponakannya untuk merujuk mereka sebagai “Paman Peepaw” dan “Bibi Nenek;” Yang terakhir seorang moniker yang kemudian meminjamkan namanya ke salah satu restoran Dollywood Parton. Ketika dia menderita endometriosis, suatu kondisi yang akhirnya mengharuskannya untuk menjalani histerektomi, pasangan itu tidak memiliki anak dari mereka sendiri. Parton adalah ibu baptis penyanyi-penulis lagu dan aktris Miley Cyrus.

Parton telah menolak beberapa penawaran untuk menimbulkan telanjang untuk majalah Playboy, tetapi muncul di sampul masalah Oktober 1978 mengenakan pakaian kelinci playboy, lengkap dengan telinga (masalah ini menampilkan wawancara Lawrence Grobel yang luas dan jujur ​​dengan parton, mewakili salah satu dari dia Wawancara dengan profil tinggi paling awal dengan arus utama). Asosiasi payudara dengan citra publik Parton diilustrasikan dalam penamaan Dolly domba setelah dia, karena domba itu dikloning dari sel yang diambil dari kelenjar mammae Ewe dewasa. Di Mobile, Alabama, Jenderal W.K.

Jembatan Wilson Jr umumnya disebut “Jembatan Dolly Parton” karena lengkungannya menyerupai payudaranya. Jembatan Hernando de Soto di atas Sungai Mississippi di Memphis juga kadang-kadang disebut ini karena alasan yang sama. Parton dikenal karena telah menjalani operasi plastik yang cukup besar. Pada episode 2003 dari Oprah Winfrey Show, Winfrey bertanya tentang operasi kosmetik apa yang telah menjalani Parton. Parton menjawab bahwa operasi kosmetik sangat penting dalam menjaga citranya yang terkenal.

Parton telah berulang kali bercanda tentang citra fisik dan operasinya, dengan mengatakan, “Dibutuhkan banyak uang untuk terlihat murah ini.” Payudaranya miliki Menghasilkan menyebutkannya dalam beberapa lagu, termasuk “Hits Dolly Parton” oleh Bobby Braddock, “Marty Feldman Eyes” oleh Bruce Baum (parodi “Bette Davis Mata”), “No Show Jones” oleh George Jones dan Gerght Haggard, dan ” Buat saya bangga “oleh Drake Ft. Nicki Minaj. Ketika ditanya tentang operasi plastik masa depan, dia terkenal berkata, “Jika saya melihat sesuatu yang menggigit ‘, menggigit’ atau menyeret ‘, aku akan menggigit, terselip atau mengisap.” Pelarian feminin Parton diakui dalam kata-katanya, “Kewanitaan adalah hal yang sulit untuk dipegang di bukit-bukit itu, kecuali Anda seorang pria.”

Karier musik

Antara 1974 dan 1980 Parton memiliki serangkaian hit negara, dengan delapan lajang mencapai nomor satu. Pengaruhnya pada budaya pop tercermin oleh banyak pemain yang menutupi lagu-lagunya, termasuk artis utama dan crossover seperti Olivia Newton-John, Emmylou Harris, dan Linda Ronstadt. Parton mulai memulai kampanye crossover profil tinggi, berusaha untuk mengarahkan musiknya ke arah yang lebih arus utama dan meningkatkan visibilitasnya di luar batas-batas musik country. Pada tahun 1976, ia mulai bekerja sama dengan Sandy Gallin, yang menjabat sebagai manajer pribadinya selama 25 tahun ke depan.

Dengan album 1976 yang bisa saya lakukan, yang ia produksi bersama dengan Porter Wagoner, Parton mulai mengambil lebih banyak peran aktif dalam produksi, dan mulai secara khusus mengarahkan musiknya ke arah pop yang lebih utama, pop. Usahunya yang sepenuhnya diproduksi sendiri, panen baru … Pertama-tama berkumpul (1977), menyoroti kepekaan pop-nya, baik dalam hal pilihan lagu – album berisi sampul pop dan R & B Klasik “gadis saya” dan “lebih tinggi dan” gadis “. Lebih tinggi “- dan produksi. Meskipun album ini diterima dengan baik dan menduduki puncak tangga album negara AS, baik itu maupun ternyata “cahaya biru yang jernih” membuat banyak kesan pada grafik pop.

Setelah pertunjukan crossover yang mengecewakan baru, Parton beralih ke produser pop profil tinggi Gary Klein untuk album berikutnya. Hasilnya, 1977 di sini Anda datang lagi, menjadi jutaan pertama-seller, menambah grafik album negara dan mencapai nomor 20 pada grafik pop. Judul Judul Barry Mann-Cynthia-Penulis Judul menduduki puncak Grafik Singles Country, dan menjadi Top 10 Top Parton di Grafik POP (no. 3). Single kedua, dua sisi “dua pintu turun” / “itu semua salah, tetapi tidak apa-apa” menduduki puncak grafik negara dan menyeberang ke pop top 20. Untuk sisa tahun 1970-an dan ke awal 1980-an, Banyak lajang berikutnya bergerak di kedua grafik secara bersamaan. Albumnya selama periode ini dikembangkan khusus untuk kesuksesan pop-crossover.

Pada tahun 1978, Parton memenangkan penghargaan Grammy untuk kinerja vokal negara wanita terbaik untuknya di sini Anda datang lagi album. Dia terus memiliki hits dengan “Heartbreaker” (1978), “Baby I Burning” (1979) dan “Kaulah satu-satunya” (1979) yang semuanya memetakan di pop top 40 dan menduduki puncak grafik negara. “Sweet Summer Lovin ‘” (1979) menjadi single Parton pertama dalam dua tahun untuk tidak menambah grafik negara (meskipun itu mencapai 10 besar). Selama periode ini, visibilitasnya terus meningkat, dengan beberapa penampilan televisi. Wawancara Candid yang sangat dipublikasikan pada Barbara Walters Special pada tahun 1977 (waktunya bertepatan dengan di sini, Anda datang lagi rilis) diikuti oleh penampilan pada tahun 1978 di acara televisi ABC Cher, dan sendirinya istimewa dengan Carol Burnett di CBS, Dolly & Carol di Nashville.

Parton berfungsi sebagai salah satu dari tiga tuan rumah bersama (bersama dengan Roy Clark dan Glen Campbell) di CBS khusus lima puluh tahun musik country. Pada tahun 1979, Parton menyelenggarakan NBC Spesies Tujuh Puluh: Sebuah ledakan musik country, dilakukan langsung di Ford Theatre di Washington, D.C., dan yang audiensnya termasuk Presiden Jimmy Carter. Keberhasilan komersialnya tumbuh pada tahun 1980, dengan tiga hit grafik negara berturut-turut: Donna Summer-ditulis “Memulai lagi”, “Flames lama tidak dapat memegang lilin kepada Anda”, dan “9 hingga 5”, yang atasnya. Grafik negara dan pop pada awal 1981, tidak perlu bingung dengan nomor satu Sheena Easton di Billboard AS Hot 100, kereta pagi (9 hingga 5). Dia memiliki 10 lajang teratas tahun itu dengan “membuat rencana”, tunggal yang dirilis dari album Reunion 1980 dengan Porter Wagoner.

Baca Juga : Steve Barakatt, Komposer Yang Pernah Kerja Sama Dengan Junior Boys

Lagu tema ke film fitur 1980 9 hingga 5, di mana dia membintangi bersama Jane Fonda dan Lily Tomlin, tidak hanya mencapai nomor satu di grafik negara – pada Februari 1981 mencapai nomor satu di tangga lagu dan dewasa-kontemporer , memberinya hit triple nomor satu. Parton menjadi salah satu dari sedikit penyanyi negara wanita yang memiliki nomor satu di grafik negara dan pop secara bersamaan. Ini juga menerima nominasi untuk Academy Award untuk lagu asli terbaik. Single-nya terus muncul secara konsisten di negara ini 10. Antara 1981 dan 1985, ia memiliki dua belas hit teratas. setengah dari mereka mengenai nomor satu. Dia terus membuat terobosan di grafik pop juga.

Versi yang direkam ulang dari “Aku akan selalu mencintaimu”, dari film Feature Workhouse kecil terbaik di Texas (1982) mengikis 50 teratas tahun itu dan duetnya dengan Kenny Rogers, “Kepulauan dalam Aliran” (ditulis oleh Bee Gees dan diproduksi oleh Barry Gibb), menghabiskan dua minggu di nomor satu pada tahun 1983. Pada pertengahan 1980-an, rekor penjualannya masih relatif kuat, dengan “Simpan tarian terakhir untukku”, “Downtown”, “Tennessee Homesick Blues” (1984), “cinta sejati” (duet lain dengan Kenny Rogers), ” Jangan menyebutnya cinta “(1985) dan” berpikir tentang cinta “(1986) semua mencapai negara teratas negara (” Tennessee Homesick Blues “dan” berpikir tentang cinta “mencapai nomor satu;” cinta sejati “juga mencapai nomor satu di grafik negara dan menjadi hit crossover sederhana). Namun, RCA Records tidak memperbarui kontraknya setelah kedaluwarsa pada tahun 1986, dan dia menandatangani dengan Columbia Records pada tahun 1987.

Joni Mitchell Sempat Tandingi Album Valerie Smith di Grammy Award
Musik

Joni Mitchell Sempat Tandingi Album Valerie Smith di Grammy Award

Joni Mitchell Sempat Tandingi Album Valerie Smith di Grammy Award – Penyanyi-penulis lagu Kanada. Menggambar dari rakyat, pop, batu, klasik, dan jazz, lagu Mitchell sering merefleksikan cita-cita sosial dan filosofis serta perasaannya tentang romansa, kewanitaan, kekecewaan, dan sukacita. Mitchell mulai bernyanyi di klub malam kecil di Saskatoon, Saskatchewan, dan di seluruh Kanada Barat, sebelum pindah ke klub malam Toronto, Ontario.

Joni Mitchell Sempat Tandingi Album Valerie Smith di Grammy Award

valeriesmithonline – Pada tahun 1965, ia pindah ke Amerika Serikat dan mulai melakukan tur. Beberapa lagu aslinya (“Mendesak untuk pergi”, “Pagi Chelsea”, “Kedua belah pihak, sekarang”, “The Circle Game”) ditutupi oleh penyanyi rakyat lain, yang memungkinkannya menandatangani rekor reprise dan merekam album debutnya, Lagu ke Seagull, pada tahun 1968. Menetap di California Selatan, Mitchell membantu mendefinisikan era dan generasi dengan lagu-lagu populer seperti “Taksi Kuning Besar” dan “Woodstock”.

Baca Juga : Dolly Rebecca Parton, Penyanyi Yang Menyaingi Karir Valerie Smith

Biru album 1971-nya sering dikutip sebagai salah satu album terbaik sepanjang masa. Itu dinilai album terbaik ke-30 yang pernah dibuat dalam daftar Rolling Stone 2003 dari “500 album terbesar sepanjang masa”, naik ke nomor 3 dalam edisi 2020.  Pada tahun 2000, The New York Times memilih Biru sebagai salah satu dari 25 album yang mewakili “Turning Points and Pinnacles dalam musik populer abad ke-20”. Pada 2017, NPR peringkat Blue Number 1 pada daftar album terhebat yang dibuat oleh wanita.

Album kelima Mitchell, untuk Roses, dirilis pada tahun 1972. Dia kemudian mengalihkan label dan mulai menjelajahi lebih banyak ide melodi yang dipengaruhi jazz, dengan cara tekstur pop yang subur, pada pengadilan 1974 dan percikan, yang menampilkan hits radio “Bantu saya” dan “Pria bebas di Paris” dan menjadi album terlarisnya.

Sekitar tahun 1975, kisaran vokal Mitchell mulai bergeser dari Mezzo-Soprano ke lebih dari contralto yang luas. Piano khasnya dan komposisi gitar yang dibuka juga tumbuh lebih harmonis dan ritmik ketika ia meledakkan Jazz dengan rock and roll, R & B, musik klasik dan ketukan non-Barat. Pada akhir 1970-an, ia mulai bekerja dengan musisi jazz terkenal termasuk Jaco Pastorius, Wayne lebih pendek, Herbie Hancock, dan Pat Metheny serta Charles Mingus, yang memintanya untuk berkolaborasi pada rekaman terakhirnya. Dia kemudian beralih ke musik pop dan elektronik, dan terlibat dalam protes politik.

Pada tahun 2002, ia dianugerahi Penghargaan Achievement Seumur Hidup pada Penghargaan Grammy Tahunan ke-44. Mitchell adalah satu-satunya produsen yang dikreditkan pada sebagian besar albumnya, termasuk semua pekerjaannya di tahun 1970-an. Pengkritik industri musik, dia berhenti tur dan merilisnya ke-17, dan kabarnya terakhir, album lagu-lagu asli pada 2007. Mitchell telah merancang sebagian besar sampul albumnya sendiri, menggambarkan dirinya sebagai “pelukis yang tergelincir oleh keadaan”.

Warisan

Sementara beberapa lagu paling populer Mitchell ditulis di Piano, hampir setiap lagu yang ia susun pada gitar menggunakan tuning yang terbuka, atau non-standar. Dia memiliki lagu-lagu menulis di sekitar 50 penyesuaian, memainkan apa yang dia sebut “Joni’s Weird Chords”. Penggunaan naungan alternatif memungkinkan gitaris untuk menghasilkan iringan dengan tekstur yang lebih bervariasi dan luas. Teknik pengambilan tangan kanan / pejalan tangan telah berevolusi selama bertahun-tahun dari gaya pemilihan yang awalnya rumit, yang dikenali oleh lagu-lagu gitar pada album pertamanya, ke gaya yang lebih longgar dan lebih berirama, kadang-kadang menggabungkan “tamparan” perkusi.

Pada tahun 1995, teman Mitchell Fred Walecki, pemilik musik Westwood di Los Angeles, mengembangkan solusi untuk meringankan frustrasi berkelanjutannya dengan menggunakan beberapa saluran alternatif dalam pengaturan langsung. Walecki merancang gitar gaya stratocaster untuk berfungsi dengan gitar virtual Roland VG-8, sistem yang mampu mengkonfigurasi banyak penyesuaiannya secara elektronik. Sementara gitar itu sendiri tetap dalam penyetelan standar, VG-8 mengkodekan sinyal pickup ke sinyal digital yang kemudian diterjemahkan ke dalam penyesuaian yang diubah. Ini memungkinkan Mitchell untuk menggunakan satu gitar di atas panggung, sedangkan teknologi off-stage memasuki tuning yang telah diprogram untuk setiap lagu di set.

Mitchell sangat inovatif secara harmonis dalam pekerjaan awalnya (1966-72), menggabungkan modalitas, kromatisme, dan poin pedal. Pada iblum debut 1968-nya untuk seagull, Mitchell menggunakan harmoni kuartal dan kuintal dalam “Dawntreader” dan Harmony Quintal dalam “Lagu ke Seagull”. Pada tahun 2003, Rolling Stone menamainya gitaris terbesar ke-72 sepanjang masa. Dia adalah wanita berperingkat tertinggi dalam daftar.

Pengaruh

Pendekatan Mitchell untuk musik memukul akor dengan banyak pendengar wanita. Di era yang didominasi oleh bintang rock pria stereotip, dia mempresentasikan dirinya sebagai “multidimensi dan konflik … memungkinkan dia untuk membangun identifikasi yang kuat di antara para penggemar wanita”. Mitchell menegaskan keinginannya untuk kontrol artistik sepanjang karirnya, dan masih memegang hak penerbitan untuk musiknya. Dia telah menelusuri gagasan bahwa dia adalah “feminis”; Dalam wawancara 2013 dia menolak label, menyatakan, “Saya bukan seorang feminis.

Saya tidak ingin berpagar melawan pria. Saya lebih suka toe-toe. mengerjakannya.” David Shumway mencatat bahwa Mitchell “menjadi wanita pertama dalam musik populer yang akan diakui sebagai seniman dalam arti penuh istilah itu apa pun pandangan Mitchell yang menyatakan pandangan feminisme, apa yang diwakili lebih dari pemain lain dari era era itu adalah keunggulan baru perspektif perempuan dalam kehidupan budaya dan politik. Madonna juga mengutip Mitchell sebagai artis wanita pertama yang benar-benar berbicara kepadanya sebagai remaja.

“Aku benar-benar, benar-benar ke Joni Mitchell. Aku tahu setiap kata ke pengadilan dan percikan. aku menyembahnya ketika aku berada di sekolah menengah. Biru luar biasa. Aku harus mengatakan tentang semua wanita yang pernah kudengar, dia punya paling mendalam efek pada saya dari sudut pandang liris.” Beberapa seniman telah sukses menutupi lagu Mitchell. Judy Collins 1967 mencatat “kedua belah pihak, sekarang” mencapai No. 8 di tangga lagu Billboard dan merupakan terobosan dalam karir kedua artis. (Rekaman Mitchell sendiri tidak melihat rilis sampai dua tahun kemudian, pada awan album keduanya.) Ini adalah lagu paling tertutup Mitchell sejauh ini, dengan lebih dari 1.200 versi direkam pada jumlah terbaru.

Lubang juga menutupi “kedua belah pihak, sekarang” pada tahun 1991 pada album debut mereka, cantik di dalam, membenasinya “awan”, dengan lirik yang diubah oleh wanita depan Counctney Love. Lingkungan Pop Group pada tahun 1970 dan Amy Grant pada tahun 1995 mencetak hit dengan selimut “Big Yellow Taxi”, lagu ketiga yang paling tertutup di Repertoar Mitchell (dengan lebih dari 300 sampul). Rilis terbaru dari lagu ini adalah dengan menghitung gagak pada tahun 2002 dan Nena pada 2007. Janet Jackson menggunakan sampel paduan suara “Taksi Kuning Besar” sebagai pusatnya tahun 1997 Hit Single “Got ‘Hilang”, yang juga fitur Rapper Q-Tip mengatakan “Joni Mitchell tidak pernah berbohong”.

“Sungai”, dari album Mitchell Blue menjadi lagu Mitchell paling tertutup kedua pada tahun 2013 karena banyak artis memilihnya untuk album liburan mereka. Seniman rap Kanye West dan Mac Dre juga mencicipi vokal Mitchell dalam musik mereka. Selain itu, Annie Lennox telah mencakup “wanita ngarai” untuk sisi-B Hit tahun 1995 “tidak lebih aku mencintaimu”. Mandy Moore tertutup “bantu saya” pada tahun 2003. Pada 2004 penyanyi George Michael menutupi lagunya “Edith dan gembong” untuk acara radio. “Sungai” telah menjadi salah satu lagu paling populer yang tercakup dalam beberapa tahun terakhir, dengan versi oleh Dianne Reeves (1999), James Taylor (direkam untuk televisi pada tahun 2000, dan untuk rilis CD pada 2004), Allison Crowe (2004), Rachael Yamagata (2004), Aimee Mann (2005), dan Sarah McLachlan (2006).

McLachlan juga melakukan versi “biru” pada tahun 1996, dan Kucing Kucing mencatat penutup “biru” pada tahun 2008. Penutup Mitchell lainnya termasuk “Woodstock” yang terkenal oleh Crosby, Stills, Nash dan Young, Eva Cassidy, dan Matthews Southern Comfort, dan Matthews Selatan . “Penerbangan ini malam ini” oleh Nazareth. Dan versi terkenal dari “Kasus” oleh Tori Amos, Cabang Michelle, Jane Monheit, Pangeran, Diana Krall, James Blake, dan Ana Moura. Versi peringatan 40 tahun “Woodstock” dirilis pada tahun 2009 oleh Nick Vernier Band yang menampilkan Ian Matthews (sebelumnya dari Matiuss Southern Comfort). Sesama penyanyi Kanada K.D. Lang mencatat dua lagu Mitchell (“kasusmu” dan “Jericho”) untuk himne album 2004 dari paralel ke-49 yang sepenuhnya terdiri dari lagu-lagu yang ditulis oleh seniman Kanada.

Versi Pangeran dari “Kasus U” muncul di penghormatan kepada Joni Mitchell, kompilasi 2007 yang dirilis oleh NoneSuch Records, yang juga menampilkan Björk (“The Boho Dance”), Caetano Veloso (“Dreamland”), EmmyLou Harris (“The Magdalene Laundries “), Sufjan Stevens (” pria bebas di Paris “) dan Cassandra Wilson (” untuk mawar “), antara lain.

Beberapa lagu lain Referensi Joni Mitchell. Lagu “rumah kami” oleh Graham Nash mengacu pada hubungan dua tahun Nash dengan Mitchell pada saat itu Crosby, Stills, Nash dan Young merekam album Déjà Vu. LED Zeppelin “pergi ke California” dikatakan ditulis tentang kegilaan Robert Plant dan Jimmy Page dengan Mitchell, sebuah klaim yang tampaknya ditanggung oleh fakta bahwa, dalam pertunjukan live, tanaman sering mengatakan “Juni” untuk Temukan seorang ratu tanpa raja, mereka bilang dia memainkan gitar dan tangisan dan bernyanyi “.

Halaman Jimmy menggunakan tuning g gitar dropped double yang mirip dengan penggunaan alternatif Mitchell. Song Sonic Youth “Hey Joni” dinamai untuk Mitchell. Alanis Morissette juga menyebutkan Mitchell di salah satu lagunya, “rumahmu”. Penyanyi Folk Inggris Frank Turner menyebutkan Mitchell dalam lagunya “Sunshine State”. The Prince Song “The Ballad of Dorothy Parker” berisi lirik – “‘Oh, lagu favoritku’ katanya – dan itu bernyanyi Joni ‘bantu aku jatuh'”. “Lavender” oleh marion sebagian dipengaruhi oleh “melalui taman mendengarkan Joni Mitchell”, menurut vokalis dan ikan lirik, dan dia kemudian disebutkan dalam lirik lagu mereka “Montreal” dari suara yang tidak mungkin Dibuat.

Baca Juga : Norman McLaren, Animator yang Menginspirasi Album Junior Boys

John Mayer mengacu pada Mitchell dan album birunya di lagunya “Queen of California”, dari album 2012 yang lahir dan dibesarkan. Lagu ini berisi lirik “Joni menulis biru di rumah di tepi laut”. Taylor Swift juga merinci keberangkatan Mitchell dari industri musik di lagunya “The Lucky One” dari albumnya 2012 Red. Pada tahun 2003, Playwright Bryden Macdonald diluncurkan ketika semua budak bebas, revue musik berdasarkan musik Mitchell. Musik dan puisi Mitchell telah sangat memengaruhi pekerjaan pelukis Prancis Jacques Benoit. Antara 1979 dan 1989 Benoit menghasilkan enam puluh lukisan, sesuai dengan pilihan lima puluh lagu Mitchell.

Maynard James Keenan dari Alat Band Metal Progressive American telah mengutip Mitchell sebagai pengaruh, mengklaim bahwa pengaruhnya adalah apa yang memungkinkannya untuk “melembutkan dan membawa Kembali ke pusat, sehingga Anda bisa Dengarkan itu tanpa sakit mata. ” Lingkaran yang sempurna, band lain menampilkan Keenan sebagai vokalis utama, mencatat rendisi” the fiddle and the drum “Mitchell pada gen album 2004 mereka, koleksi Anti-War Tutupi lagu.

Dolly Rebecca Parton, Penyanyi Yang Menyaingi Karir Valerie Smith
Uncategorized

Dolly Rebecca Parton, Penyanyi Yang Menyaingi Karir Valerie Smith

Dolly Rebecca Parton, Penyanyi Yang Menyaingi Karir Valerie Smith – Dolly Rebecca Parton merupakan penyanyi Amerika, penulis lagu, multi-instrumentalis, aktris, penulis, pengusaha, dan kemanusiaan, yang dikenal terutama untuk pekerjaannya dalam musik country. Setelah mencapai kesuksesan sebagai penulis lagu untuk orang lain, Parton membuat debut albumnya pada tahun 1967 dengan Halo, saya Dolly, yang menyebabkan kesuksesan selama sisa tahun 1960-an (baik sebagai seniman solo dan serangkaian album duet dengan Porter Wagoner ).

Dolly Rebecca Parton, Penyanyi Yang Menyaingi Karir Valerie Smith

valeriesmithonline – Sebelum penjualan dan peak grafiknya datang selama tahun 1970-an dan berlanjut ke tahun 1980-an. Album Parton pada 1990-an tidak menjual juga, tetapi dia mencapai kesuksesan komersial lagi di milenium baru dan telah merilis album di berbagai label independen sejak tahun 2000, termasuk labelnya sendiri, Records Dolly. Dia telah menjual lebih dari 100 juta rekor di seluruh dunia.

Baca Juga : Ralph Stanley, Musisi Yang Mendukung Karya Valerie Smith

Pada tahun 1999, Parton dilantik ke dalam Hall of Fame Musik Negara. Dia telah mengkomposisikan lebih dari 3.000 lagu, termasuk “Aku akan selalu mencintaimu” (topper grafik negara AS dua kali, serta hit pop internasional untuk Whitney Houston), “Jolene”, “Mantel banyak warna”, dan “9 hingga 5”. Dia juga dalam kelompok tertentu untuk menerima setidaknya satu nominasi dari Academy Awards, Grammy Awards, Tony Awards, dan Emmy Awards.

Sebagai seorang aktris, dia telah membintangi film-film seperti 9 hingga 5 (1980) dan Woresthouse kecil terbaik di Texas (1982), di mana ia mendapatkan nominasi Golden Globe untuk aktris terbaik, serta berlian imitasi (1984), magnolia baja ( 1989), Talk Straight (1992) dan kebisingan yang menyenangkan (2012).

Masa muda

Dolly Rebecca Parton lahir 19 Januari 1946, di sebuah pondok satu kamar di tepi Sungai Pigeon kecil di Pittman Center, Tennessee. Dia adalah yang keempat dari dua belas anak yang lahir dari Avie Lee Caroline (Née Owens. 1923-2003) dan Robert Lee Parton Sr. (1921-2000). Pada tahun 2021, Parton memiliki tiga saudara kandung yang meninggal. Nama tengah Parton berasal dari Rebecca Grand-Great-Great-nya (Dunn) yang harus Ayah Parton, yang dikenal sebagai “Lee”, bekerja di pegunungan Tennessee Timur, pertama sebagai petani bagi petani dan kemudian merawat pertanian dan areal tembakau kecilnya sendiri.

Dia juga bekerja pekerjaan konstruksi untuk menambah penghasilan kecil pertanian. Terlepas dari buta huruf ayahnya, Parton sering berkomentar bahwa ia adalah salah satu orang paling cerdas yang pernah ia kenal dalam hal bisnis dan menghasilkan keuntungan. Ibu Parton, Avie Lee, merawat keluarga besar mereka. 11 kehamilannya (kesepuluh kembar) dalam 20 tahun membuatnya menjadi ibu berusia 12 tahun 35. Parton memuji kemampuan musiknya kepada ibunya. Seringkali dalam kesehatan yang buruk, dia masih berhasil menjaga rumah dan menghibur anak-anaknya dengan cerita rakyat gunung berasap dan balada kuno.

Keluarga Avie Lee berasal dari Wales dan mereka menyanyikan lagu-lagu lama para imigran yang telah pindah ke Appalachia selatan selama satu abad sebelumnya. Ayah Avie Lee, Jake Owens, adalah seorang pengkhotbah Pentakosta, dan Parton dan saudara-saudaranya semua menghadiri gereja secara teratur. Parton telah lama memuji ayahnya untuk paham bisnisnya, dan keluarga ibunya untuk kemampuan musiknya. Ketika Parton adalah seorang gadis kecil, keluarganya pindah dari area Pusat Pittman ke pertanian di pinggiran kota terdekat.

Sebagian besar ingatannya yang berharga tentang masa muda terjadi di sana. Area pertanian dan hutan di sekitarnya menginspirasinya untuk menulis lagu “My Tennessee Mountain Home” pada tahun 1970-an. Bertahun-tahun setelah orang tuanya menjual properti itu, Parton membelinya kembali pada akhir 1980-an dan saudara lelakinya Bobby membantu dengan restorasi dan konstruksi baru.

Parton telah menggambarkan keluarganya sebagai “kotoran kotoran”. Ayah Parton membayar dokter yang membantu membebaskannya dengan sekantong tepung jagung. Dia menguraikan kemiskinan keluarganya dalam lagu-lagu awalnya “melapisi banyak warna” dan “di masa lalu yang indah (ketika waktu itu buruk)”. Selama enam atau tujuh tahun, Parton dan keluarganya tinggal di pondok pedesaan, satu kamar tidur di pertanian subsisten kecil mereka di Locust Ridge.

Ini adalah area Pentakosta yang didominasi yang terletak di utara Lembah Greenbrier dari Pegunungan Smoky Hebat. Musik memainkan peran penting dalam kehidupan awalnya. Dia dibesarkan di Gereja Allah (Cleveland, Tennessee), dalam sidang kakeknya, Jake Robert Owens, bergabung. Pertunjukan publiknya yang paling awal adalah di Gereja, mulai usia enam tahun. Pukul tujuh, dia mulai memainkan gitar buatan sendiri. Ketika dia berusia delapan tahun, pamannya membeli gitar asli pertamanya.

Parton mulai tampil sebagai seorang anak, bernyanyi pada program radio dan televisi lokal di kawasan Tennessee Timur. Pada sepuluh, dia muncul di Cas Walker Show di kedua Radio Wivk dan Wbir-TV di Knoxville, Tennessee. Pada usia 13, dia merekam (single “Puppy Love”) pada label Louisiana kecil, Goldband Records, dan muncul di Grand Ole Opry, di mana dia pertama kali bertemu Johnny Cash, yang mendorongnya untuk mengikuti nalurinya sendiri tentang karirnya.

Setelah lulus dari Sekolah Menengah Sevier County pada tahun 1964, Parton pindah ke Nashville pada hari berikutnya. Keberhasilan awalnya datang sebagai penulis lagu, setelah menandatangani dengan menggabungkan penerbitan tak lama setelah kedatangannya. dengan mitra penulisan lagu yang sering, pamannya Bill Owens, dia menulis beberapa charting single selama ini, termasuk dua hit top: Bill Phillips ” Letakkan sampai besok “(1966) dan” bahan bakar ke nyala api Skeeter Davis (1967). Dia awalnya bernada sebagai penyanyi pop bubblegum.

Dia merilis serangkaian single, tetapi satu-satunya yang memetakan, “Bayi Selamat Ulang Tahun”, tidak memecahkan Billboard Hot 100. Setelah komposisi “letakkan sampai besok”, seperti yang direkam oleh Bill Phillips (dengan Parton, Uncredited, pada harmoni), pergi ke nomor enam di grafik negara pada tahun 1966, label itu mengadili negara.

Negara pertamanya tunggal, “Dumb Blonde” (disusun oleh Putman keriting, salah satu dari beberapa lagu selama era ini yang dia rekam tetapi tidak menulis), mencapai nomor 24 di grafik negara pada tahun 1967, diikuti oleh “Sesuatu Fishy”, yang Pergi ke nomor 17. Kedua lagu itu muncul di album full-length pertamanya, Halo, saya Dolly.

Karier musik

Pada tahun 1967, musisi dan penghibur musik country Porter Wagerer mengundang Parton untuk bergabung dengan organisasinya, menawarkannya tempat biasa di program televisi sindikasi mingguannya, pertunjukan Porter Wagoner, dan di jalannya. Seperti yang didokumentasikan dalam autobiografinya tahun 1994, Awalnya, banyak hadirin Wagoner tidak senang bahwa Norma Jean, pemain yang telah diganti Parton, telah meninggalkan pertunjukan, dan enggan menerima Parton (kadang-kadang nyanyian keras untuk Norma Jean dari audiens ).

Namun, dengan bantuan Wagoner, Parton akhirnya diterima. Wagoner meyakinkan labelnya, RCA Victor, untuk menandatanganinya. RCA memutuskan untuk melindungi investasi mereka dengan melepaskan single pertamanya sebagai duet dengan Wagoner. Lagu itu, remake dari Tom Paxton “hal terakhir di pikiranku”, dirilis pada akhir 1967, mencapai 10 besar top 10 pada Januari 1968, meluncurkan goresan enam tahun dari 10 lajang teratas yang tidak terputus untuk pasangan.

Single Solo pertama Parton untuk RCA Victor, “Hanya karena saya seorang wanita”, dirilis pada musim panas 1968 dan merupakan grafik moderat, mencapai nomor 17. Selama dua tahun ke depan, tidak ada upaya solonya – bahkan ” Di masa lalu yang indah (ketika kali buruk) “, yang kemudian menjadi standar – sangat sukses seperti duets dengan Wagoner. Duo tersebut dinobatkan sebagai grup vokal tahun ini pada tahun 1968 oleh Asosiasi Musik Negara, tetapi catatan solo Parton terus diabaikan. Wagoner memiliki saham keuangan yang signifikan di masa depan.

Pada tahun 1969, ia adalah co-produsernya dan memiliki hampir setengah dari Owe-par, perusahaan penerbitan Parton telah mendirikan dengan Bill Owens. Pada tahun 1970, baik Parton dan Wagoner telah menjadi frustrasi dengan kurangnya keberhasilan bagan solo. Wagoner membujuk Parton untuk merekam Jimmie Rodgers ‘”Mule Skinner Blues”, gimmick yang bekerja. Rekor tembakan ke nomor tiga, diikuti dengan cermat, pada bulan Februari 1971, dengan nomor satu pertamanya, “Joshua”.

Selama dua tahun ke depan, dia memiliki banyak hit solo – termasuk lagu tanda tangannya “mantel banyak warna” (nomor empat, 1971) – selain duet-nya. 20 single teratas termasuk “kombinasi yang tepat” dan “membakar minyak tengah malam” (kedua duet dengan Wagoner, 1971); “Hilang selamanya dalam ciumanmu” (dengan Wagoner), “menyentuh wanita Anda” (1972), “Rumah Gunung Tennessee saya” dan “Travelin ‘Man” (1973).

Meskipun solonya single dan duet Wagoner berhasil, hit terbesarnya dari periode ini adalah “Jolene”. Dirilis pada akhir 1973, ia menduduki puncak grafik negara pada Februari 1974 dan mencapai daerah-daerah yang lebih rendah dari Hot 100 (akhirnya juga dipetakan di U.K., mencapai nomor tujuh pada tahun 1976, mewakili Sukses U.K pertama Parton). Parton, yang selalu membayangkan karier solo, membuat keputusan untuk meninggalkan organisasi Wagoner.

Pasangan ini melakukan konser duet terakhir mereka pada bulan April 1974, dan dia berhenti tampil di acara TV-nya pada pertengahan 1974, meskipun mereka tetap berafiliasi. Dia membantu memproduksi catatannya sampai tahun 1975. Pasangan ini terus merilis album duet, rilis terakhir mereka 1975 katakan selamanya Anda akan menjadi milik saya.

Baca Juga : Mengenal Cassadee Pope dan Terry McDermott Juara 1 dan 2 Di The Voice Musim Ke-3

Pada tahun 1974, lagunya, “Aku akan selalu mencintaimu”, menulis tentang istirahat profesionalnya dari Wagoner, pergi ke nomor satu di grafik negara. Sekitar waktu yang sama, Elvis Presley mengindikasikan bahwa ia ingin merekam lagu itu. Parton tertarik sampai manajer Presley, Kolonel Tom Parker, mengatakan kepadanya bahwa itu adalah prosedur standar untuk penulis lagu untuk menandatangani lebih dari setengah hak penerbitan untuk lagu apa pun yang direkam oleh Presley.

Parton menolak. Keputusan itu telah dikreditkan dengan membantu menjadikannya jutaan dolar dalam royalti dari lagu selama bertahun-tahun. Parton memiliki tiga single tunggal mencapai nomor satu di grafik negara pada tahun 1974 (“Jolene”, “Aku akan selalu mencintaimu” dan “cinta seperti kupu-kupu”), serta duet dengan Porter Wagoner, “Tolong jangan Berhentilah mencintaiku “.

Dalam episode 2019 Seri Musik Sky Arts Brian Johnson: Kehidupan di jalan, Parton menjelaskan menemukan kaset lama dan menyadari bahwa dia telah menyusun “Jolene” dan “Aku akan selalu mencintaimu” dalam sesi penulisan lagu yang sama, Memberitahu Johnson “Sobat, itu adalah malam yang baik.” Parton kembali menduduki puncak tangga lagu pada tahun 1975 dengan “The Bargain Store”.

Ralph Stanley, Musisi Yang Mendukung Karya Valerie Smith
Musik

Ralph Stanley, Musisi Yang Mendukung Karya Valerie Smith

Ralph Stanley, Musisi Yang Mendukung Karya Valerie Smith – Ralph Edmund Stanley (25 Februari 1927 – 23 Juni 2016) adalah seorang seniman bluegrass Amerika, yang dikenal karena nyanyian dan permainan banjonya yang khas. Stanley mulai bermain musik pada tahun 1946, awalnya dengan kakak laki-lakinya Carter Stanley sebagai bagian dari The Stanley Brothers, dan paling sering sebagai pemimpin bandnya, The Clinch Mountain Boys. Ia juga dikenal sebagai Dr. Ralph Stanley.

Ralph Stanley, Musisi Yang Mendukung Karya Valerie Smith

valeriesmithonline – Stanley lahir, tumbuh besar, dan tinggal di pedesaan Southwest Virginia—”di sebuah kota kecil bernama McClure di tempat bernama Big Spraddle, tepat di bagian atas” dari tempat ia pindah pada tahun 1936 dan tinggal sejak itu di Dickenson County. Putra Lee dan Lucy Stanley, Ralph tidak tumbuh di sekitar banyak musik di rumahnya.

Baca Juga : Genre Bluegrass Music, Genre Valerie Smith Tahun 1940-an 

Seperti yang dia katakan, “ayahnya tidak memainkan alat musik, tetapi kadang-kadang dia menyanyikan musik gereja. Dan saya mendengar dia menyanyikan lagu-lagu seperti ‘Man of Constant Sorrow,’ ‘Pretty Polly’ dan ‘Omie Wise.'” Saya mendapatkan banjo pertama saya ketika saya masih remaja. Saya kira saya berusia 15, 16 tahun. Bibiku punya banjo tua ini, dan Ibu membelinya untukku membayar $5 untuk itu, yang saat itu mungkin seperti $5.000.  memiliki sebuah toko kecil, dan saya ingat bibi saya membelinya untuk membeli bahan makanan.

Dia belajar memainkan banjo, gaya clawhammer, dari ibunya: Dia memiliki 11 saudara laki-laki dan perempuan, dan mereka semua bisa memainkan banjo lima senar. Dia bermain pertemuan di sekitar lingkungan, seperti kacang stringin’s. Dia menyetelnya untuk saya dan memainkan lagu ini, “Shout Little Luly,” dan saya mencoba memainkannya seperti dia. Tapi saya rasa saya mengembangkan gaya banjo saya sendiri.

Dia lulus dari sekolah menengah pada tanggal 2 Mei 1945 dan dilantik menjadi Angkatan Darat pada tanggal 16 Mei, melayani “sedikit lebih dari satu tahun.” Dia segera mulai tampil ketika dia sampai di rumah, ayahku dan Carter menjemputku dari (stasiun), dan Carter bermain dengan grup lain, Roy Sykes dan Blue Ridge Mountain Boys, dan mereka memiliki penampilan pribadi malam itu . Jadi saya menyanyikan sebuah lagu dengan Carter di radio bahkan sebelum saya sampai di rumah.

Clinch Mountain Boys

Setelah mempertimbangkan kursus di “kedokteran hewan”, ia memutuskan untuk bergabung dengan kakak laki-lakinya yang bermain gitar, Carter Stanley (1925–1966) untuk membentuk Clinch Mountain Boys pada tahun 1946. Banyak memanfaatkan tradisi musik daerah tersebut, termasuk keunikan gaya bernyanyi gereja Primitive Baptist Universalist dan harmoni keluarga rumahan yang manis dari Keluarga Carter, dua saudara Stanley mulai bermain di stasiun radio lokal.

Mereka pertama kali tampil di Norton, Virginia’s WNVA, tetapi tidak tinggal lama di sana, malah pindah ke Bristol, Virginia, dan WCYB untuk memulai acara Farm and Fun Time, di mana mereka tinggal “mati-matian selama 12 tahun”. Pada awalnya mereka mengcover “banyak musik Bill Monroe” (salah satu grup pertama yang mengambil format “bluegrass” yang baru). Mereka segera “menemukan bahwa itu tidak membuahkan hasil—kami membutuhkan sesuatu dari kami sendiri.

Jadi kami mulai menulis lagu pada tahun 1947, 1948. Saya kira saya menulis 20 atau lebih lagu banjo, tetapi Carter adalah penulis yang lebih baik daripada saya.” Ketika Columbia Records menandatangani mereka sebagai The Stanley Brothers, Bill Monroe pergi sebagai protes dan bergabung dengan Decca. Kemudian, Carter kembali bernyanyi untuk “Bapak Bluegrass”, Bill Monroe.

Ralph Stanley memberikan pendapatnya tentang perubahan hati Bill Monroe yang nyata: “Dia   tahu Carter akan menjadikannya penyanyi yang bagus, Bill Monroe menyukai musik kami dan menyukai nyanyian kami.”  Stanley Brothers bergabung dengan King Records di akhir tahun 50-an, sebuah perusahaan rekaman begitu eklektik yang termasuk James Brown pada saat itu. Faktanya, James Brown dan bandnya berada di studio ketika Stanley Brothers merekam “Finger Poppin’ Time”.

“James dan band-nya sangat tertarik dengan itu” menurut Ralph. Di King Records, mereka “menjadi lebih ‘gaya Stanley’, suara yang paling dikenal orang saat ini.”  Ralph dan Carter tampil sebagai The Stanley Brothers dengan band mereka, The Clinch Mountain Boys, dari tahun 1946 hingga 1966. Ralph mempertahankan nama band ketika ia melanjutkan sebagai aksi solo setelah kematian Carter, dari tahun 1967 sampai kematiannya pada tahun 2016.

Setelah Carter meninggal karena komplikasi sirosis pada tahun 1966, setelah sakit selama “satu tahun atau lebih”,  Ralph menghadapi kesulitan keputusan apakah akan terus tampil sendiri. “Saya khawatir, saya tidak tahu apakah saya bisa melakukannya sendiri. Tapi sayang, saya mendapat surat, 3.000 surat, dan panggilan telepon.

Saya pergi ke Syd Nathan di King dan bertanya apakah dia menginginkan saya untuk melanjutkan, dan dia berkata, ‘Persetan ya! Anda mungkin lebih baik dari mereka berdua.'” Dia memutuskan untuk melakukannya sendiri, akhirnya menghidupkan kembali The Clinch Mountain Boys. Larry Sparks, Roy Lee Centers, dan Charlie Sizemore termasuk di antara mereka yang bermain dengannya di band yang dihidupkan kembali. Dia bertemu Ricky Skaggs dan Keith Whitley yang datang terlambat ke acaranya sendiri: “Mereka berusia sekitar 16 atau 17 tahun, dan mereka menahan kerumunan sampai kami tiba di sana, Mereka terdengar persis seperti (Stanley Brothers).”

Melihat potensi mereka, dia mempekerjakan mereka “untuk memberi mereka kesempatan”, meskipun itu berarti sebuah band beranggotakan tujuh orang. Akhirnya, putranya, Ralph Stanley II, mengambil alih sebagai penyanyi utama dan gitaris ritme untuk The Clinch Mountain Boys. Cucunya Nathan Stanley menjadi penyanyi utama dan pemimpin band terakhir untuk The Clinch Mountain Boys.

Kehidupan selanjutnya

Sekitar tahun 1970, dia mencalonkan diri sebagai Panitera Pengadilan dan Komisaris Pendapatan di Dickenson County hanya untuk menyatakan ini: Apa yang terjadi adalah, seseorang memperdagangkan saya—mereka menggunakan popularitas dan uang saya untuk memilih orang lain. Aku sudah selesai kotor. Dan saya sangat bangga bahwa saya telah selesai kotor, karena jika saya terpilih saya akan memiliki pekerjaan yang harus dilakukan mungkin akhirnya akan berhenti. Jadi itu satu kali saya selesai kotor dan saya ingin berterima kasih kepada mereka untuk itu sekarang.

Karya Stanley ditampilkan dalam film tahun 2000 yang sangat populer O Brother, Where Art Thou?, di mana ia menyanyikan lagu Appalachian “O Death”. Produser soundtracknya adalah T-Bone Burnett. Stanley mengatakan hal berikut tentang bekerja dengan Burnett: T-Bone Burnett memiliki beberapa audisi untuk lagu itu. Dia menginginkannya dengan gaya Dock Boggs. Jadi saya mendapatkan banjo saya dan mempelajarinya seperti yang dia lakukan. Anda lihat, saya telah merekam “O Death” tiga kali, melakukannya dengan Carter.

Jadi saya pergi dengan banjo saya ke Nashville dan saya berkata, “T-Bone, biarkan saya menyanyikannya seperti yang saya inginkan,” dan saya meletakkan banjo saya dan menyanyikannya secara acapela. Setelah dua atau tiga bait, dia menghentikan saya dan berkata, “Itu dia.” Dengan lagu itu, Stanley memenangkan Grammy Award 2002 dalam kategori Penampilan Vokal Country Pria Terbaik.

“Itu memberi lapisan gula pada kue untuk saya,” katanya. “Itu menempatkan saya dalam kategori yang berbeda.” Dia dikenal di dunia musik bluegrass dengan gelar populer, “Dr. Ralph Stanley”, setelah dianugerahi gelar doktor kehormatan di bidang musik dari Lincoln Memorial University dari Harrogate, Tennessee pada tahun 1976. Stanley dilantik ke Bluegrass Internasional Music Hall of Honor pada tahun 1992 dan pada tahun 2000, dan menjadi orang pertama yang dilantik ke dalam Grand Ole Opry pada milenium ketiga.

Dia bergabung dengan produser Randall Franks dan Alan Autry untuk CD CD Christmas Time’s A Comin’, membawakan “Christmas Time’s A Comin'” dengan para pemain dalam CD yang dirilis di Sonlite dan MGM/UA. itu adalah salah satu rilis Natal paling populer tahun 1991 dan 1992 dengan pengecer Selatan. Dia tampil dalam lagu hit Josh Turner “Me and God” yang dirilis pada 2006. Pada 2006, dia dianugerahi National Medal of Arts.

Pada tanggal 10 November 2007, Stanley dan Clinch Mountain Boys tampil di rapat umum untuk kandidat presiden John Edwards di Des Moines, Iowa, tepat sebelum Makan Malam Hari Jefferson-Jackson Day tahunan Partai Demokrat. Di antara membawakan “Man of Constant Sorrow” dan “Orange Blossom Special”, Stanley mengatakan kepada orang banyak bahwa dia telah memberikan suara pertamanya untuk Harry S. Truman pada tahun 1948 dan akan memberikan suara berikutnya untuk John Edwards pada tahun 2008.

Penyanyi country Dwight Yoakam memiliki menyatakan bahwa Ralph Stanley adalah salah satu “pahlawan musiknya”. Autobiografi Stanley, Man of Constant Sorrow, ditulis bersama dengan jurnalis musik Eddie Dean, dirilis oleh Gotham Books pada 15 Oktober 2009. Pada 2012, Stanley tampil di beberapa trek soundtrack untuk film Lawless karya Nick Cave, dengan musik oleh Cave dan Warren Ellis. Lagu solonya “White Light/White Heat” menonjol di beberapa adegan film.

Stanley mempertahankan jadwal tur yang aktif penampilan di tahun-tahun terakhirnya termasuk Festival Musik Muddy Roots 2012 di Cookeville, Tennessee, dan Festival FreshGrass 2013 di North Adams, Massachusetts. Pada Juni 2013, ia mengumumkan tur perpisahan, dijadwalkan akan dimulai di Rocky Mount, North Carolina, pada 18 Oktober dan diperpanjang hingga Desember 2014.

Baca Juga : Norman McLaren, Animator yang Menginspirasi Album Junior Boys

Namun, setelah pemberitahuan terpilih sebagai anggota American Academy of Seni dan Sains (diberikan pada 11 Oktober 2014) sebuah pernyataan di situsnya sendiri muncul, mengatakan bahwa dia tidak akan pensiun. Pada 23 Juni 2016, Stanley meninggal pada usia 89 tahun akibat kanker kulit. Stanley menciptakan gaya permainan banjo yang unik, kadang-kadang disebut “gaya Stanley”.

Ini berkembang dari teknik dua jari gaya Wade Mainer, kemudian dipengaruhi oleh gaya Scruggs, yang merupakan teknik tiga jari. “Stanley style” dibedakan dengan “forward rolls” yang sangat cepat, dipimpin oleh jari telunjuk (bukan ibu jari, seperti dalam gaya Scruggs), terkadang di register yang lebih tinggi menggunakan capo. Dalam “Stanley style”, gulungan banjo terus menerus, sementara dipetik cukup dekat dengan bridge pada banjo, memberikan nada instrumen snap yang sangat tajam dan jelas pada senar saat pemain akan memukulnya.

Genre Bluegrass Music, Genre Valerie Smith Tahun 1940-an
Musik

Genre Bluegrass Music, Genre Valerie Smith Tahun 1940-an

Genre Bluegrass Music, Genre Valerie Smith Tahun 1940-an – Bluegrass Music adalah genre musik akar Amerika yang berkembang di tahun 1940-an di wilayah Appalachian Amerika Serikat. Genre ini berasal namanya dari band Bill Monroe dan Blue Grass Boys. Tidak seperti musik country arus utama, Bluegrass secara tradisional dimainkan pada instrumen senar akustik.

Genre Bluegrass Music, Genre Valerie Smith Tahun 1940-an

valeriesmithonline – Bluegrass memiliki akar dalam balada Bahasa Inggris, Skotlandia dan Irlandia, dan lagu-lagu dansa Irlandia, dan dalam blues tradisional-Amerika dan jazz. Bluegrass lebih dikembangkan oleh musisi yang bermain dengan Monroe, termasuk pemain 5-string Banjo Earl Scruggs dan gitaris Lester Flatt. Monroe mengkarakterisasi genre sebagai: “Bagpipes Skotlandia dan Ole Time Fiddlin ‘. Ini Metodis dan Kekudusan dan Baptis. Ini blues dan jazz, dan memiliki suara kesepian tinggi.”

Baca Juga : Majalah Musik Bluegrass Unlimited, Majalah Yang Mengulas Valerie Smith di Setiap Albumnya

Bluegrass menampilkan instrumen senar akustik dan menekankan off-beat. Catatan diantisipasi, berbeda dengan blues santai di mana catatan berada di belakang irama, yang menciptakan karakteristik energi yang lebih tinggi dari bluegrass. Dalam bluegrass, seperti dalam beberapa bentuk jazz, satu atau lebih instrumen masing-masing mengambil gilirannya memainkan melodi dan berimprovisasi di sekitarnya, sementara yang lain melakukan iringan.

Ini terutama dikecam dalam lagu-lagu yang disebut kerusakan. Ini berbeda dengan musik lama, di mana semua instrumen memainkan melodi bersama atau satu instrumen membawa keunggulan sepanjang sementara yang lain menyediakan iringan. Kerusakan sering ditandai dengan tempo cepat dan ketangkasan instrumental yang tidak biasa dan kadang-kadang dengan perubahan chord yang kompleks.

1. Instrumen

Biola, banjo lima senar, gitar, mandolin, dan bass tegak (string bass) sering bergabung dengan gitar resonator (juga disebut sebagai dobro) dan (sesekali) harmonika atau harpa Yahudi. Instrumentasi ini berasal dari band dansa pedesaan dan merupakan dasar di mana pita bluegrass paling awal terbentuk.

Biola, yang dibuat oleh Italia dan pertama kali digunakan di abad keenam belas Eropa, adalah salah satu instrumen pertama yang dibawa ke Amerika. Karena ukuran dan fleksibilitas mereka yang kecil, mereka menjadi sangat populer. Fiddles juga digunakan di negara, musik klasik dan lama.

Banjos dibawa ke Amerika melalui perdagangan budak Afrika. Mereka mulai mendapat perhatian dari orang kulit putih Amerika ketika Minstrel menunjukkan mulai menggunakan banjo sebagai bagian dari tindakan mereka. “Clawhammer”, atau bermain gaya dua jari, populer sebelum perang saudara. Namun, sekarang, pemain Banjo menggunakan gaya memetik tiga jari yang dipopulerkan oleh banjoists seperti Earl Scruggs.

Gitaris memiliki peran penting dalam bluegrass. Mereka digunakan terutama untuk tujuan ritmis dan menjaga suara tetap bergerak sementara instrumen lain membutuhkan waktu istirahat serta mengambil istirahat sendiri pada kesempatan. Instrumen berasal dari abad kedelapan belas Eropa selatan tetapi model-model Amerika dibuat tidak diproduksi sampai C.F.

Perusahaan Martin mulai memproduksi mereka pada tahun 1830-an. Gitar sekarang paling umum dimainkan dengan gaya yang disebut flatpicking, tidak seperti gaya gitaris bluegrass awal seperti Lester Flatt, yang menggunakan jempol pick dan pick jari.

Bassist hampir selalu memainkan pizzicato, sesekali mengadopsi “gaya tamparan” untuk menonjolkan irama. Garis Bass Bluegrass umumnya merupakan pergantian ritmis antara akar dan kelima dari setiap chord, dengan kunjungan bass yang sesekali berjalan.

Instrumentasi telah menjadi topik perdebatan yang berkelanjutan. Performa bluegrass tradisional percaya instrumentasi “yang benar” adalah yang digunakan oleh band Bill Monroe, anak laki-laki rumput biru (gitar, mandolin, biola, banjo dan bass).

Keberangkatan dari instrumentasi tradisional telah mencakup Dobro, akordeon, harmonika, piano, autoharp, drum, gitar listrik, dan versi listrik dari instrumen bluegrass umum lainnya, menghasilkan apa yang telah disebut sebagai “rumput baru,” meskipun bahkan Bill Monroe sudah dikenal Untuk bereksperimen dengan instrumentasi, sekali pun menggunakan string orkestra, paduan suara, dan lagu-lagu burung-lagu pra-rekaman.

2. Vokal

Terlepas dari instrumentasi tertentu, karakteristik bluegrass yang membedakan adalah harmoni vokal yang menampilkan dua, tiga, atau empat bagian, seringkali dengan suara disonan atau modal dalam suara tertinggi (lihat bingkai modal), gaya yang digambarkan sebagai “Suara Lonesome yang tinggi. ” Umumnya, pemesanan dan pelapisan harmoni vokal disebut” tumpukan “.

Stack standar memiliki suara bariton di bagian bawah, timbal di tengah (menyanyikan melodi utama) dan tenor di bagian atas. Meskipun tumpukan dapat diubah, terutama di mana suara wanita sudah termasuk. Alison Krauss dan Union Station memberikan contoh yang baik dari tumpukan harmoni yang berbeda dengan bariton dan tenor dengan timah tinggi, sebuah oktaf di atas garis melodi standar, dinyanyikan oleh vokalis wanita.

Namun, dengan mempekerjakan varian ke pengaturan vokal trio standar, mereka hanya mengikuti pola yang ada sejak awal genre. Saudara Stanley memanfaatkan bagian bariton tinggi pada beberapa trio mereka yang direkam untuk Columbia Records selama waktu mereka dengan label itu (1950-1953). Pemain Mandolin Pee Wee Lambert menyanyikan bariton tinggi di atas Ralph Stanley’s Tenor, kedua bagian di atas vokal utama Carter.

Pengaturan vokal trio ini sangat digunakan oleh kelompok lain juga. Pada 1960-an Flatt dan Scruggs sering menambahkan bagian kelima ke bagian kuartet tradisional pada lagu-lagu Gospel, bagian ekstra menjadi bariton tinggi (menggandakan bagian bariton yang dinyanyikan dalam kisaran normal suara itu. ep tullock menyediakan bagian).

Penggunaan timah yang tinggi dengan tenor dan bariton di bawahnya paling terkenal dipekerjakan oleh saudara-saudara Osborne yang pertama kali mempekerjakannya selama waktu mereka dengan catatan MGM pada paruh tahun 1950-an. Pengaturan vokal ini akan menjadi aspek rumah dari suara Osbornes dengan suara Bobby yang tinggi dan jernih di puncak tumpukan vokal.

3. Tema

Tunes bluegrass sering mengambil bentuk narasi pada kehidupan sehari-hari orang-orang yang datang musik. Selain dari laments tentang cinta yang hilang, ketegangan interpersonal dan perubahan yang tidak diinginkan ke wilayah (mis., Efek yang terlihat dari penambangan batubara puncak gunung), vokal bluegrass sering mengacu pada keberadaan yang sulit di Appalachia dan daerah pedesaan lainnya dengan sumber daya keuangan.

Beberapa musik protes telah disusun dalam gaya bluegrass, terutama mengenai viscisitudes dari industri pertambangan batubara Appalachian. Railroading juga telah menjadi tema yang populer, dengan balada seperti “bangkai palu 97” dan “sembilan pound” (dari legenda John Henry) yang patut dicontoh.

4. Penciptaan

Bluegrass, sebagai bentuk musik yang berbeda, yang dikembangkan dari elemen musik lama dan musik tradisional dari wilayah Appalachian Amerika Serikat. Wilayah Appalachian di mana banyak imigran Amerika Skotlandia duduk, membawa mereka tradisi musikal dari tanah air mereka. Oleh karena itu suara jig dan gulungan, terutama seperti yang dimainkan di biola, bawaan dengan gaya berkembang.

Musisi kulit hitam, sementara itu, membawa banjo ikonik ke Appalachia. Banyak NEI, pada tahun 1945, Earl Scruggs akan mengembangkan gulungan tiga jari pada instrumen yang memungkinkan caskade api cepat catatan yang dapat mengikuti tempo mengemudi dari suara bluegrass baru. Pemukim dari Inggris dan Irlandia tiba di Appalachia selama abad ke-18, dan membawa mereka tradisi musikal dari tanah air mereka.

Tradisi-tradisi ini terutama terdiri dari Balada Bahasa Inggris dan Skotlandia yang pada dasarnya tidak diduduki musik narasi-dan tari, seperti gulungan, yang disertai dengan biola. Banyak lagu bluegrass yang lebih lama datang langsung dari Kepulauan Inggris. Beberapa balada bluegrass Appalachian, seperti “cantik Saro”, “Polly cantik”, “Cuckoo Bird” dan “House Carpenter”, datang dari Inggris dan melestarikan tradisi balada Inggris baik secara melodi maupun liris.

Beberapa lagu bluegrass fiddle populer di Appalachia, seperti “Britches Leather” dan “Soldier’s Joy”, memiliki akar Skotlandia. Tarian Tarian “Cumberland Gap” dapat diturunkan dari lagu yang menyertai Ballad Skotlandia “Bonnie George Campbell”. Musik yang sekarang dikenal sebagai Bluegrass sering digunakan untuk menemani gaya menari pedesaan yang dikenal sebagai Buckdancing, Flatfooting atau menyumbat.

Sebagai suara bluegrass menyebar ke daerah perkotaan, mendengarkannya karena kesadarannya sendiri meningkat, terutama setelah munculnya rekaman audio. Pada tahun 1948, apa yang akan dikenal sebagai bluegrass muncul sebagai genre dalam industri negara / musik barat pasca perang, periode waktu yang ditandai sekarang sebagai era emas atau semburan “bluegrass tradisional”.

Dari hari-hari awalnya, Bluegrass telah direkam dan dilakukan oleh musisi profesional dan amatir. Meskipun musisi dan tren bluegrass amatir seperti “parkir parkir” terlalu penting untuk diabaikan, itu adalah turing musisi yang telah menetapkan arah gaya. Stasiun radio yang didedikasikan untuk bluegrass juga terbukti berpengaruh dalam memajukan evolusi gaya menjadi subgenres khas.

5. Klasifikasi

Bluegrass pada awalnya dimasukkan dalam kategori musik rakyat dan kemudian diubah menjadi Hillbilly. Pada tahun 1948, Bluegrass ditempatkan di bawah negara / kepala besar untuk Bailan penawaran radio. Keempat dari Builgrass mani – Artis, harga, musik bluegrass yang dijelaskan dan Rosenberg secara terperinci sebagai berasal dari gaya dan bentuk, dalam satu bentuk atau yang lain, antara tahun 1930-an dan pertengahan 1940-an.

Namun, istilah “bluegrass” tidak muncul secara formal untuk menggambarkan musik sampai akhir 1950-an, dan tidak muncul dalam indeks musik hingga 1965. Entri pertama dalam indeks musik menyebutkan “musik bluegrass” mengarahkan pembaca untuk “melihat musik negara. musik Hillbilly”. Indeks musik mempertahankan daftar ini untuk musik bluegrass hingga 1986. Pertama kali musik bluegrass memiliki entri sendiri dalam indeks musik adalah tahun 1987.

Tema topikal dan naratif dari banyak lagu bluegrass sangat mengingatkan pada musik rakyat. Banyak lagu yang secara luas dianggap sebagai bluegrass pada kenyataannya karya yang lebih lama diklasifikasikan secara sah sebagai musik rakyat atau kuno yang dilakukan dalam gaya bluegrass. interaksi antara bluegrass dan formulir rakyat telah dipelajari secara akademis.

Folklorist Dr. Neil Rosenberg, misalnya, menunjukkan bahwa sebagian besar penggemar bluegrass dan musisi yang terbiasa akrab dengan lagu-lagu rakyat tradisional dan musik lama dan bahwa lagu-lagu ini sering dimainkan di pertunjukan, festival, dan selai.

6. Asal Nama

“Bluegrass” adalah nama umum yang diberikan di Amerika untuk rumput POA Genus, yang paling terkenal adalah Bluegrass Kentucky. Sebuah daerah besar di pusat Kentucky kadang-kadang disebut wilayah bluegrass (meskipun wilayah ini berada di barat bukit Kentucky). Tepat ketika kata “bluegrass” diadopsi tidak pasti, tetapi diyakini pada akhir 1950-an. Itu berasal dari nama band Biru Biru seminal, terbentuk pada tahun 1939 dengan Bill Monroe sebagai pemimpinnya. Karena garis keturunan ini, Bill Monroe sering disebut sebagai “Bapak Bluegrass”.

Bluegrass Style of Music Dates dari pertengahan 1940-an. Pada tahun 1948, Stanley Brothers merekam lagu tradisional “Molly dan Tenbrooks” dalam gaya Blue Grass Boys, yang bisa dibilang titik waktu yang dimunculkan Bluegrass sebagai bentuk musik yang berbeda.

Baca Juga : Bluegrass Menandai Ulang Tahun ke-75 yang Diredam

Band Monroe 1946 hingga 1948, yang menampilkan gitaris Lester Flatt, Banjoist Earl Scruggs, Fiddler Chubby Watt dan Bassist Howard Watts (juga dikenal sebagai “Rainwater Cedric”) kadang-kadang disebut “Band Bluegrass asli”  menciptakan konfigurasi suara yang pasti dan instrumental itu tetap menjadi model hingga hari ini. Oleh beberapa argumen, sedangkan anak laki-laki rumput biru adalah satu-satunya band yang memainkan musik ini, itu hanya suara unik mereka.

Itu tidak dapat dianggap sebagai gaya musik sampai band-band lain mulai tampil dengan cara yang sama. Pada tahun 1967, “Breakdown Mountain Foggy” oleh Flatt dan Scruggs, musik Banjo instrumental, diperkenalkan ke audiens di seluruh dunia sebagai akibat dari penggunaannya yang sering di film “Bonnie dan Clyde”. Tetapi genre musik lama yang serupa secara fungsional sudah lama ditetapkan dan direkam secara luas dalam periode acara film dan kemudian CD dirilis. Ralph Stanley mengomentari asal-usul genre dan namanya:

Majalah Musik Bluegrass Unlimited, Majalah Yang Mengulas Valerie Smith di Setiap Albumnya
Uncategorized

Majalah Musik Bluegrass Unlimited, Majalah Yang Mengulas Valerie Smith di Setiap Albumnya

Majalah Musik Bluegrass Unlimited, Majalah Yang Mengulas Valerie Smith di Setiap Albumnya – Bluegrass Unlimited adalah majalah musik bulanan “yang didedikasikan untuk pemangku musisi bluegrass dan lama, para penyembah dan rekannya.” Pertama-tama diterbitkan pada tahun 1966, pada 2008 majalah itu memiliki sirkulasi lebih dari 25.000 kopi dan dipertimbangkan secara luas. Majalah Premier untuk Musik Bluegrass. Bluegrass Unlimited adalah anggota pendiri Asosiasi Musik Bluegrass Internasional (IBMA).

Majalah Musik Bluegrass Unlimited, Majalah Yang Mengulas Valerie Smith di Setiap Albumnya

valeriesmithonline – Cendekia folkloris dan musik Neil V. Rosenberg, dalam bluegrass: sejarah, menetapkan sejarah Bluegrass unlimited dan setelah itu mencatat keunggulan dan pengaruhnya sebagai yang tertua dari majalah Bluegrass yang didistribusikan secara nasional. Majalah diluncurkan, pada tahun 1966, dalam format seperti 7- x 8 ½ inci yang diketik dengan logo yang digambar tangan, dan tersedia untuk US $ 3 (setara dengan $ 23,93 pada 2020) per tahun.

Baca Juga : Mengenal Gillian Welch, Sosok Penulis Lagu Milik Valerie Smith

Pada musim gugur 1970, majalah itu pindah dari operasi informal dengan operasi penuh waktu dengan “penerbit baru” Pete dan Marion Kuykendall meningkatkannya menjadi format standar yang lebih besar pada kertas glossy. Tingkat langganan saat ini Adalah $ 25,00 per tahun dan majalah penuh warna dan dicetak pada penekan offset web berkecepatan tinggi.

Sebagai musik sejarawan musik C. Malone diamati, majalah Bluegrass Unlimited pada awalnya dikhususkan untuk musik bluegrass di AS dan di luar negeri dengan referensi sesekali ke musik country lama. Sekarang merupakan harta karun informasi tentang setiap fase bluegrass dan musik lama – artikel biografi, diskografi, rekaman dan ulasan buku, tanggal konser dan festival, wawancara, iklan baris, dan lagu. “Bluegrass Unlimited selalu menjadi kompendium material yang menyeluruh pada musik bluegrass dan kuno.”

Berbicara tentang pendiri Pete Kuykendall dan pengaruh Bluegrass Unlimited, David Freeman, pemilik catatan pemberontak dan catatan kabupaten, mengatakan: “Ketika majalah mulai menerbitkan, Bluegrass cukup banyak pada titik rendah. Majalah itu menyebarkan kata-kata itu dan menyoroti artistik dan menyoroti artistik dan menyoroti artistik dan menyoroti artistik dan menyoroti artistik Aspek musik, yang membantu mengeluarkannya dari bar di mana itu pada 1950-an. Tanpa dia saya tidak tahu di mana industri bluegrass akan hari ini. “

Balai Musik Bluegrass Internasional 1996 Inducting Pete Kuykendall mengatakan bahwa majalah Bluegrass Unlimited adalah “publikasi yang disebut sebagai ‘Alkitab Bluegrass Music'”.

Sejarah

Bluegrass Unlimited Magazine didirikan pada tahun 1966 oleh sekelompok musisi dan penggemar Bluegrass Washington, DC. Salah satu pendiri, Dianne Sims, telah menemukan, setelah fakta, bahwa Saudara Stanley tampil di kota. Dia menyebut Bluegrass Friend Gary Henderson dan bertanya apakah dia telah menyadari penampilan mereka. Dia tidak punya. Dia menyebut teman bluegrass lain, Pete Kuykendall, dan bertanya apakah dia sudah tahu tentang itu. Dia tidak punya. Bersumpah untuk tidak melewatkan kinerja lokal lain seperti tur Bluegrass Touring, ketiganya memutuskan untuk memulai Newsletter Washington, DC Bluegrass Newsletter.

Bersama dengan teman-teman Dick Spotswood, Dick Freeland, George McCeney, dan Vince Sims, yang disebutkan ketiga teman yang diluncurkan Bluegrass Unlimited pada bulan Juli 1966. Dick Spottssswood muncul dengan nama Bluegrass Unlimited berdasarkan majalah yang disebut Blues Unlimited yang diterbitkan di Inggris. Dianne dan Vince Sims membeli surplus pemerintahan mesin Meyograph dan mengaturnya di ruang bawah tanah mereka. Mereka menjadi tuan rumah pesta bulanan untuk tujuan mencetak dan merakit publikasi. Itu adalah operasi yang sepenuhnya sukarela. Beberapa sukarelawan termasuk: Tom dan Sally Grey, Mike dan Dave Auldridge, John Duffey, Joan Shagan, Pete dan Marion Kuykendall, dan Alice Gerrard.

Awalnya publikasi adalah buletin bibir 8.5×14 dengan panjang 12 hingga 14 halaman. Dari tahun 1966 hingga 1970 diedit oleh Dick Spottsswood, dengan bantuan dari Diane Simms. Pada Oktober 1967, format tersebut berubah menjadi format buklet 9×7, panjangnya sekitar 24 halaman.

Pada 1970, Pete dan Marion Kuykendall merasa seperti mereka bisa membuat majalah menjadi usaha nirlaba penuh waktu. Majalah telah berkembang dari Newsletter Washington, DC Area ke publikasi nasional. Pada tahun 1971 format tersebut berubah menjadi tata letak majalah penuh 8.5×11 saat ini. Itu terus tumbuh dalam ukuran dan popularitas dan tetap menjadi publikasi cetak dominan untuk musik bluegrass.

Marion Kuykendall jatuh sakit dengan kanker dan meninggal pada tahun 1980. Pete Kuykendall terus mengarahkan majalah sampai dia berlalu pada tahun 2017. Stafnya terus menjalankan majalah sampai musim gugur 2020, ketika Pete Kuykendall, membuat keputusan untuk memungkinkan Balai Musik Bluegrass Fame & Museum untuk mengakuisisi majalah. Masalah pertama yang dicetak di bawah panji Hall of Fame & Museum Musik Bluegrass adalah edisi November 2020.

Balai Musik Bluegrass Fame & Museum di Owensboro, Kentucky, telah mengakuisisi Bluegrass Unlimited dengan rencana untuk melanjutkan penerbitan majalah cetak. Pertama-tama diterbitkan pada tahun 1966, dipimpin oleh Hall of Fame Anggota Pete Kuykendall, Bluegrass Unlimited telah lama dianggap sebagai publikasi paling penting industri dengan sirkulasi di semua 50 negara bagian dan tujuh belas negara. Meskipun Kuykendall berlalu pada 2017, stafnya yang cakap terus menerbitkan majalah yang telah menjadi sangat penting bagi para penggemar dan profesional industri.

Chris Joslin, Direktur Eksekutif Hall of Fame & Museum Musik Bluegrass, berkomentar, “Saya melihat Pete Kuykendall sebagai salah satu orang paling penting dalam industri kami karena visinya dengan Bluegrass Unlimited, bersama dengan kepemimpinannya dan pekerjaan yang tak kenal lelah dengan internasional Asosiasi Musik Bluegrass serta Balai Musik Bluegrass Fame & Museum. Merupakan suatu kehormatan untuk melanjutkan pekerjaannya dan menumbuhkan Bluegrass Unlimited. “

Transisi publikasi sedang berlangsung dengan masalah pertama di bawah Balai Musik Bluegrass Fame & Museum yang diharapkan pada bulan November. Masalah November akan menampilkan direktori talenta tahunan yang biasanya diterbitkan dalam masalah Oktober. Transisi majalah akan mulus untuk pelanggan saat ini, tetapi mengharapkan situs web Bluegrass unlimited yang diperbarui yang akan menawarkan pelanggan saat ini dan masa depan dari publikasi cetak bahkan lebih banyak cara untuk berinteraksi dengan Bluegrass Unlimited.

Baca Juga : 4 Majalah Terbaik untuk Mengetahui Berita Selebriti Dunia

Bluegrass Music Hall of Fame & Museum didirikan pada tahun 1991 dan pindah ke gedung 50.000 kaki persegi baru di pusat kota Owensboro pada akhir 2018 memicu musim pertumbuhan yang luar biasa. Selain memproduksi Festival ROMP setiap bulan Juni, Hall of Fame menggabungkan dua lantai pameran interaktif, perpustakaan penelitian Katherine E. dan Peter Vy Kuykendall, teater berkinerja 450 kursi, tahap luar permanen, fasilitas acara, ruang acara pribadi, museum toko, dan banyak lagi. Fasilitas ini adalah tujuan di seluruh dunia untuk penggemar musik bluegrass dan artis, dan Owensboro telah memantapkan dirinya sebagai modal musik bluegrass di dunia.

Joslin lebih lanjut berkomentar, “Hall of Fame berusaha untuk menjadi pusat dunia untuk presentasi sejarah, budaya, dan masa depan musik bluegrass, dan Bluegrass Unlimited adalah salah satu dari banyak cara penting kami akan menjalani visi ini. Kitsy Kuykendall dan staf BU ingin memastikan publikasi terus berinovasi dan berkembang untuk generasi saat ini dan masa depan, dan kami berniat untuk menghormati itu dan untuk membangun warisan publikasi cetak yang luar biasa. “

Mengenal Gillian Welch, Sosok Penulis Lagu Milik Valerie Smith
Musik

Mengenal Gillian Welch, Sosok Penulis Lagu Milik Valerie Smith

Mengenal Gillian Welch, Sosok Penulis Lagu Milik Valerie Smith – Welch diperkenalkan dengan musik penyanyi folk Amerika Bob Dylan, Woody Guthrie, dan Carter Family. Dia membawakan lagu-lagu rakyat dengan teman-temannya di Westland Elementary School di Los Angeles. Welch kemudian bersekolah di Crossroads School, sebuah sekolah menengah di Santa Monica, California.

Mengenal Gillian Welch, Sosok Penulis Lagu Milik Valerie Smith

valeriesmithonline – Saat di sekolah menengah, sebuah program televisi lokal menampilkan dia sebagai seorang siswa yang “sangat baik dalam segala hal yang dia lakukan.” Saat menjadi mahasiswa di University of California, Santa Cruz, Welch bermain bass di band gothic, dan drum di sebuah band gothic, band selancar psikedelik.

Baca Juga : David Rawlings, Sosok Penulis Lagu Valerie Smith di Album Patchwork Heart

Di perguruan tinggi, seorang teman sekamar memainkan album oleh band bluegrass The Stanley Brothers, dan dia mendapat pencerahan: Lagu pertama datang dan saya hanya berdiri dan saya seperti berjalan ke ruangan lain seolah-olah saya berada di sebuah balok traktor dan berdiri di sana di depan stereo. Itu sama kuatnya dengan barang-barang listrik, dan itu adalah lagu-lagu yang saya nyanyikan saat tumbuh dewasa.

Tiba-tiba saya menemukan musik saya. Setelah lulus dari UC Santa Cruz dengan gelar di bidang fotografi, Welch kuliah di Berklee College of Music di Boston, di mana dia mengambil jurusan penulisan lagu. Selama dua tahun belajar di Berklee, Welch memperoleh kepercayaan diri sebagai seorang performer. Welch bertemu dengan rekan musiknya David Rawlings di sebuah audisi yang sukses untuk satu-satunya band country Berklee.

Karir

Setelah menyelesaikan kuliah pada tahun 1992, Welch pindah ke Nashville, Tennessee. Dia mengenang, “Saya melihat koleksi rekaman saya dan melihat bahwa semua musik yang saya sukai telah dibuat di Nashville Bill Monroe, Dylan, Stanley Brothers, Neil Young jadi saya pindah ke sana. Tidak pernah berpikir saya terlambat tiga puluh tahun.

” Rawlings segera menyusul. Di Nashville, setelah menyanyikan “Long Black Veil,” keduanya pertama kali menyadari bahwa suara mereka selaras dengan baik dan mereka mulai tampil sebagai duo. Mereka tidak pernah mempertimbangkan untuk menggunakan nama kerja, sehingga duo itu hanya disebut sebagai “Gillian Welch.”

Setahun setelah pindah ke Nashville, Welch menemukan seorang manajer, Denise Stiff, yang telah mengelola Alison Krauss. Baik Welch maupun Stiff sering mengabaikan nasihat bahwa Welch harus berhenti bermain dengan Rawlings dan bergabung dengan sebuah band.

Mereka akhirnya menandatangani kontrak rekaman dengan Almo Sounds. Setelah penampilan pembuka untuk Peter Rowan di Station Inn, produser T-Bone Burnett menyatakan minatnya untuk merekam album. Burnett tidak berencana untuk mengganggu preferensi Welch dan Rawlings untuk instrumentasi minimal, dan Welch setuju untuk membawanya sebagai produser.

Untuk sesi rekaman debut Welch, Revival, Burnett ingin menangkap kembali suara telanjang pertunjukan live Welch. Welch mengenang, “Minggu pertama itu benar-benar intens. Hanya ada T-Bone, sang insinyur, dan Dave dan saya sendiri. Kami masuk ke dalam dunia kecil kami. Jarak antara menyanyi dan bermain kami sangat kecil. Suaranya sangat cepat.

Itu sangat ringan dan kecil.” Kemudian, mereka merekam beberapa lagu lagi dan bermain dengan sekelompok musisi yang lebih banyak. gitaris dan Rock and Roll Hall of Fame yang dilantik James Burton, bassis Roy Huskey, Jr., dan drummer sesi veteran Jim Keltner, dan Buddy Harman.

Album ini dirilis pada April 1996 dengan sebagian besar ulasan positif. Mark Deming dari Allmusic menyebutnya sebagai “debut yang luar biasa” dan menulis, “Hutang Welch kepada artis-artis di masa lalu jelas dan diakui dengan jelas, tetapi ada kedewasaan, kecerdasan, dan perhatian yang tajam terhadap detail dalam lagu-lagunya yang tidak Anda harapkan dari seseorang hanya mencoba untuk meniru Keluarga Carter.

” Bill Friskics-Warren dari No Depression memuji album ini sebagai “bangkitan budaya pedesaan yang sangat keras.” Mark Guarino dari The Arlington Heights, Illinois Daily Herald mengamati bahwa Revival “bersemangat dan diteliti sebagai revivalis setia musik era Depresi hanya karena aslinya terdengar sangat mirip dengan era itu.

” Dia menghubungkan ini dengan gambaran alkitabiah dari lirik, produksi Burnett yang tipis, dan kesuraman yang dinyanyikan dengan jelas dalam vokal Welch. Ann Powers dari Rolling Stone memberi Revival ulasan hangat dan mengkritik Welch karena tidak menyanyikan pengalamannya sendiri, dan “memproduksi emosi.”

Robert Christgau menggemakan Powers: Welch “tidak memiliki suara, mata, atau cara dengan kata-kata untuk menghilangkan simulasinya.” Lagu, “Orphan Girl,” dari Revival telah di-cover oleh Emmylou Harris, Ann Wilson, Karin Bergquist dari Over the Rhine, Mindy Smith, Patty Griffin, Linda Ronstadt dan Holly Williams.

Orang lain yang telah merekam lagu-lagu Welch termasuk Joan Baez, Grace Porter, Courtney Barnett dan Kurt Vile, Punch Brothers, Mike Gordon, Bright Eyes, Calexico, Ani DiFranco, The Decemberists, Karl Blau dan Jim James. Revival dinominasikan untuk Penghargaan Grammy 1997 untuk Album Rakyat Kontemporer Terbaik, tetapi kalah dari The Ghost of Tom Joad karya Bruce Springsteen.

Hell Among The Yearlings

Duo Hell Among the Yearlings tahun 1998 melanjutkan tema pedesaan dan gelap. subjek lagu ‘bervariasi dari karakter wanita membunuh pemerkosa, kecelakaan pertambangan, balada pembunuhan, dan ode untuk morfin sebelum kematian. Seperti Revival, Hell Among The Yearlings menampilkan gaya sparse yang berfokus pada suara dan gitar Rawlings dan Welch.

Album ini juga menerima ulasan yang baik. Robert Wilonsky dari Dallas Observer mengamati bahwa Welch “menghuni peran begitu lengkap, fiksi yang memisahkan karakter dan penonton menghilang”. Thom Owens (Allmusic) menyatakan bahwa album “kurang fokus” dari Revival, tetapi merupakan “album kedua yang benar-benar memuaskan” dan bukti bahwa debutnya bukanlah sebuah kebetulan.

Farnum Brown dari No Depression memuji live dan “rasa langsung” dari album tersebut, banjo clawhammer Welch, dan harmoni Rawlings. Mirip dengan Revival, Welch dipuji karena mencerminkan pengaruh seperti Stanley Brothers, tetapi masih berhasil menciptakan suara asli,sementara Chris Herrington dari City Pages Minneapolis mengkritik kurangnya keaslian lagu tersebut. Dia menulis “Welch tidak menulis lagu-lagu rakyat. dia menulis lagu-lagu rakyat tentang menulis lagu-lagu rakyat.

” Welch menyanyikan dua lagu dan menjabat sebagai associate producer untuk soundtrack yang diproduksi Burnett untuk film tahun 2000 dengan nama yang sama. Dia berbagi vokal dengan Alison Krauss dalam membawakan lagu gospel “I’ll Fly Away.” Dave McKenna dari The Washington Post memuji versi mereka: para penyanyi “melonjak bersama.

” Burnett dan Welch menulis lirik tambahan untuk lagu “Didn’t Leave Nobody but the Baby,” dinyanyikan oleh Welch, Emmylou Harris, dan Krauss. Lagu ini merupakan penjabaran dari lagu lama Mississippi yang ditemukan oleh Alan Lomax, dan dinominasikan untuk Penghargaan Grammy 2002 untuk Kolaborasi Negara Terbaik dengan Vokal.

Album platinum memenangkan Penghargaan Grammy 2002 untuk Album Tahun Ini. Keberhasilan mengejutkan dari soundtrack memberi Welch dorongan karir. Welch juga membuat penampilan cameo dalam film tersebut. Ketika Universal Music Group membeli Almo Sounds, Welch memulai label independennya sendiri, Acony Records (dinamai untuk bunga liar Appalachian, Acony Bell, subjek lagu dengan nama tersebut di Revival) . Rawlings memproduksi rilis pertama pada label baru Welch, album 2001 Time (The Revelator).

Semua kecuali satu lagu di album ini direkam di RCA Studio B yang bersejarah di Nashville. “I Want To Sing That Rock and Roll” direkam secara langsung di Auditorium Ryman dalam sesi rekaman untuk film konser Down from the Mountain. Welch mengatakan album itu tentang sejarah Amerika, rock ‘n’ roll, dan musik country. Ada lagu tentang pembunuhan Abraham Lincoln, Bencana Titanic, John Henry, dan Elvis Presley.

Waktu melanjutkan gaya Welch dan Rawlings dalam pengaturan yang lembut dan jarang. Welch menjelaskan, “Berlawanan dengan lagu folk kecil atau lagu tradisional, itu adalah lagu rock yang sangat kecil. Mereka hanya dibawakan dalam pengaturan akustik ini.

Di kepala kami, kami menggunakan musik elektrik tanpa mengubah instrumen.” Time ( The Revelator) menerima pujian kritis yang luas, yang sebagian besar berfokus pada evolusi lirik dari balada gunung. bagi Michael Shannon Friedman dari The Charleston Gazette, “Welch’s soul-piercing, backwoods quaver selalu menjadi harta karun, tetapi pada rekaman ini, penulisan lagunya benar-benar menakjubkan.

” Kritikus membandingkan lagu terakhir, “I Dream” berdurasi 15 menit a Highway”, hingga karya klasik Bob Dylan dan Neil Young. Zac Johnson dari Allmusic menggambarkan I Dream mirip dengan “tertidur manis di arus seperti Huck dan Jim’s Mississippi River pada sore hari”.

Grant Alden dari No Depression menulis, “Welch dan Rawlings telah mengumpulkan fragmen dari seluruh sejarah musik Amerika yang kaya dan mengatur ulang mereka sebagai permata kecil dan halus yang menghiasi bahasa mereka yang diamati dengan cermat dan hati-hati.

Baca Juga : Bill Laswell Musisi Terkenal Dari Amerika

” Waktu selesai di urutan ketiga belas dalam polling kritikus musik Village Voice Pazz & Jop 2001. Time (The Revelator) muncul dalam daftar dekade terbaik Rolling Stone, Paste, Uncut, The Irish Times, dan Ottawa Citizen. Album ini dinominasikan untuk Penghargaan Grammy 2002 untuk Album Rakyat Kontemporer Terbaik, tetapi kalah dari Cinta dan Pencurian Bob Dylan.

Waktu memuncak di No 7 di chart Album Independen Billboard. DVD Koleksi Revelator dirilis pada tahun 2002. DVD ini menampilkan pertunjukan langsung dan video musik dari lagu-lagu dari Time, dan beberapa sampul. Rekaman konser difilmkan pada tahun 2001, dan video musiknya termasuk Welch dan Rawlings menampilkan tiga lagu di RCA Studio B. Barry Mazor dari No Depression memuji DVD tersebut sebagai pengiring Time, menyebutnya “satu tanda seru terakhir pada proyek yang berkesan dan penting itu. .”

David Rawlings, Sosok Penulis Lagu Valerie Smith di Album Patchwork Heart
Uncategorized

David Rawlings, Sosok Penulis Lagu Valerie Smith di Album Patchwork Heart

David Rawlings, Sosok Penulis Lagu Valerie Smith di Album Patchwork Heart – David Todd Rawlings (31 Desember 1969) adalah seorang gitaris, penyanyi, dan produser rekaman Amerika. Ia dikenal karena kemitraannya dengan penyanyi dan penulis lagu Gillian Welch. Dia dan Welch dinominasikan untuk Academy Award untuk Lagu Asli Terbaik di Academy Awards ke-91 untuk “When a Cowboy Trades His Spurs for Wings” dari The Ballad of Buster Scruggs. Rawlings menghadiri Berklee College of Music dan belajar dengan Lauren Passarelli.

David Rawlings, Sosok Penulis Lagu Valerie Smith di Album Patchwork Heart

valeriesmithonline – Dia memproduseri album oleh Gillian Welch, Willie Watson, Dawes, dan Old Crow Medicine Show. Dia memimpin Dave Rawlings Machine bersama Gillian Welch, Willie Watson, Paul Kowert, dan Brittany Haas. John Paul Jones dari Led Zeppelin diketahui sering bermain mandolin dengan band.

Baca Juga : Awal Mula Alan O’Bryant Bermusik Dengan Valerie Smith

Rawlings berkontribusi pada album Cassadaga oleh Bright Eyes, Spooked oleh Robyn Hitchcock, dan Heartbreaker oleh Ryan Adams, dengan siapa dia menulis dua lagu, “To Be Young (Is to Be Sad, Is to Be High)” dan “Touch, Feel and Kalah”. Gaya vokalnya sering dibandingkan dengan Bob Dylan.

A Friend of a Friend (2009)

Album The Dave Rawlings Machine A Friend of a Friend dirilis pada 17 November 2009. Rawlings merekam album di Nashville, dan memproduserinya sendiri. Gillian Welch dikreditkan sebagai penulis bersama pada lima lagu album serta bermain di band dengan anggota Tom Petty and the Heartbreakers, Old Crow Medicine Show, dan Bright Eyes.

Album ini menampilkan medley dari lagu Neil Young dan Bright Eyes, serta lagu yang ditulis bersama Rawlings dengan Ryan Adams dan Old Crow Medicine Show. Morgan Nagler (dari band Whispertown) dikreditkan dengan ikut menulis lagu ‘Sweet Tooth.

Nashville Obsolete (2015)

Pada tahun 2015 Dave Rawlings Machine merilis album kedua, Nashville Obsolete. Album ini masuk dalam daftar Rolling Stone dari 40 album country teratas tahun 2016. Pada akhir 2016 Acony mengeluarkan Boots No 1: The Official Revival Bootleg, versi mewah dari album Welch 1996 yang dianggap sebagai “Americana classic modern” dan kolaborasi pertama untuk duo ini.

Poor David’s Almanack (2017)

Poor David’s Almanack, dirilis pada 11 Agustus 2017 melalui Acony Records, adalah LP kolaboratif kedelapan untuk Rawlings dan Welch dan yang pertama dengan nama David Rawlings. Selain Welch dan Watson, band cadangan termasuk Ketch Secor dari Old Crow Medicine Show, dan Taylor dan Griffin Goldsmith dari Dawes.

Album ini direkam dengan Ken Scott dan Matt Andrews di Woodland Sound Studios milik duo Rawlings/Welch di Nashville. Album ini menampilkan potongan kayu asli oleh Gillian Welch di sampulnya dan terutama merupakan rilisan vinil pertama di label rekaman Acony Welch dan Rawlings.

Instrumen

Rawlings mencapai suara gitar khasnya dengan memetik gitar archtop kecil. Olimpiade Epiphone 1935 yang telah menjadi instrumen utamanya adalah gitar dengan harga menengah pada masanya, dengan bagian atas kayu cemara padat melengkung yang diukir, bagian belakang kayu mahoni padat yang diukir dan sisi kayu mahoni. Itu dijual sekitar $35 pada tahun 1935 (setara dengan $660 pada tahun 2020) .

Bagian bawah gitar berukuran lebar 13 5/8 inci, dan memiliki tiga buah lubang-f. Rawlings “memulung” gitar dari garasi teman dan sekarang jarang terlihat memainkan apa pun. Seperti yang dia katakan, “Saya baru saja mengambilnya. Itu kotor, dan tidak ada talinya.

Anda bisa melihat bentuknya di bawah serbuk gergaji.” Rawlings membuat one piece bridge baru untuk itu dan membawanya ke sesi rekaman untuk rekaman pertama Welch. “Begitu saya mendengarnya melalui mikrofon dan melalui speaker saya seperti, ‘Saya suka gitar ini.'” katanya.

Perjalanan Jiwa

Untuk rilis tahun 2003, Soul Journey, Welch dan Rawlings menjelajahi wilayah baru. Welch berkata: “Saya ingin membuatnya menjadi rekaman yang lebih bahagia. Dari empat rekaman kami, saya pikir ini mungkin salah satu di mana Anda mengemudi di jalan mendengarkannya pada hari musim panas yang cerah.” Rawlings kembali memproduseri rekaman.

Album ini juga mencerminkan perubahan dalam instrumentasi yang biasanya jarang: Welch dan Rawlings memperkenalkan dobro, biola, bass dan drum elektrik, dan Welch kemudian berkata, “Semuanya tidak seharusnya terdengar sama, Anda ingin itu mencerminkan perubahan dan pertumbuhan.” Dalam tiga lagu Soul Journey, untuk pertama kalinya Welch dan Rawlings merekam versi mereka sendiri dari lagu-lagu rakyat tradisional. Soul Journey juga mendapat pujian yang signifikan.

John Harris dari majalah Mojo menggambarkan album ini sebagai “cukup sempurna”, dan Barney Hoskyns dari Uncut membandingkannya dengan Bob Dylan dan The Basement Tapes milik The Band. Will Hermes dari Entertainment Weekly menulis bahwa Welch “tidak pernah terdengar lebih dalam, lebih nyata, atau lebih seksi.” Soul Journey memuncak di No. 107 di tangga lagu Billboard, dan mencapai No. 3 untuk Album Independen.

Welch dan Rawlings melanjutkan kemitraan mereka di band Dave Rawlings Machine. Welch ikut menulis lima lagu dengan Rawlings, dan menyediakan vokal gitar dan harmoni. Andy Gill dari The Independent menggambarkan album debut 2009 A Friend of a Friend sebagai “mirip dengan salah satu album Welch, tetapi dengan keseimbangan harmoni mereka bertukar untuk mendukung suara Rawlings”.

Meskipun seolah-olah album solo pertama Rawlings, Alex Ramon dari PopMatters mencatat kesamaan dengan album Welch. Stephen Deusner dari Paste Magazine memuji A Friend of a Friend karena menggabungkan “banyak musik tradisional Amerika,” komentar yang digemakan oleh Will Hermes dari Rolling Stone dan dalam karya PopMatters.

Pada tanggal 18 September 2015, duo ini merilis album kedua mereka dengan judul band Dave Rawlings Machine, Nashville Obsolete. Band ini termasuk Willie Watson, Paul Kowert, Brittany Haas, dan kadang-kadang termasuk Jordan Tice. Dalam fitur 2007 di The Guardian, kritikus John Harris menyatakan frustrasi bahwa tidak ada rilis Gillian Welch dalam empat tahun.

Pendiri Creation Records Alan McGee menunjukkan optimisme tentang Welch dan Rawlings yang menguji beberapa lagu baru saat membuka beberapa konser untuk Rilo Kiley, dan menulis dalam entri blog 2009 “masa kehamilan yang panjang menandakan tidak kurang dari album yang sempurna”. Pada tahun 2009, Rawlings mengatakan bahwa rekaman untuk album Gillian Welch berikutnya telah dimulai, tetapi tidak memberikan tanggal rilis.

The Harrow & The Harvest dirilis pada 28 Juni 2011. Welch menghubungkan periode waktu yang lama antara rilis dengan ketidakpuasan dengan lagu-lagu yang mereka tulis. Dia menjelaskan: “Songcraft kami tergelincir dan saya benar-benar tidak tahu mengapa. Itu tidak biasa. Itu adalah sesuatu yang terjadi pada penulis. Ini adalah frustrasi terdalam yang kami alami, oleh karena itu judul album.

” Proses penulisan melibatkan ” bolak-balik tak berujung ini antara kami berdua,” kata Welch, menyatakan bahwa “Ini adalah album kami yang paling terjalin, ditulis bersama, disusun bersama.” Album ini menerima pujian dari publikasi seperti The Los Angeles Times, Uncut , dan Rolling Stone.

Thom Jurek dari Allmusic menulis bahwa album itu “menakjubkan karena keintimannya, kurangnya kecerdasan studio, kehangatannya dan keabadiannya, jika dimenangkan dengan susah payah, songcraft”. Album ini mencapai No. 20 di US Billboard 200 dan No. 25 di UK Albums Chart. Itu dinominasikan untuk Grammy untuk Album Rakyat Kontemporer Terbaik, serta Album Rekayasa Terbaik.

Penerimaan

Geoffrey Himes dari The Washington Post menggambarkan Rawlings sebagai “salah satu penyanyi-penulis lagu paling menarik dari generasinya”. Pada tahun 2003, Tom Kielty dari The Boston Globe mengamati bahwa dia “diam-diam membuat salah satu katalog paling mengesankan dalam musik akar kontemporer”, dan sebuah karya tahun 2007 di The Guardian oleh John Harris menyebut Rawlings “salah satu talenta terbesar dekade ini”.

Kritikus Robert Hilburn dari Los Angeles Times menulis, “Di setiap kesempatan, dia menunjukkan percikan dan komitmen yang seharusnya membuatnya disayangi oleh siapa pun dari negara dan rakyat hingga penggemar pop dan rock yang menghargai imajinasi dan hati.” When Rawlings’s two first album keluar, kritikus mempertanyakan keaslian musiknya, karena ia dibesarkan di California Selatan, tetapi menampilkan lagu-lagu bertema Appalachian.

Untuk Revival, Rawlings dikritik karena “memproduksi emosi”, dan ulasan tentang Hell Among the Yearlings oleh Chris Herrington dari City Pages menyatakan, “Rawlings adalah seseorang yang menemukan musik lama di perguruan tinggi dan memutuskan bahwa hidupnya sendiri yang terlindung tidak akan pernah bisa layak menulis tentang”, dan bahwa dia “benar-benar tanpa individualitas”.

Kritikus lain menolak anggapan bahwa latar belakangnya mempengaruhi keaslian musiknya. Kritikus musik Mark Kemp membela Rawlings dalam sebuah karya The New York Times: Protagonis orang pertama dari lagu Ms. Rawlings (“Caleb Meyer”) mungkin seorang gadis muda dari waktu dan tempat yang Ms.

Rawlings tidak akan pernah mengerti sepenuhnya, tetapi perasaan yang diungkapkan penyanyi tentang pemerkosaan, dan rasa hormat yang dia tunjukkan untuk genre musik pilihannya, tidak ada artinya jika tidak benar-benar otentik.

Demikian juga, tidak masalah apakah Ms. Rawlings pernah berjalan-jalan di “kota debu hitam di Tennessee Timur” yang dia nyanyikan dalam “Miner’s Refrain” karena firasat yang dia ungkapkan untuk para pria yang pernah bekerja di tambang batu bara dengan harapan sia-sia dari kehidupan yang lebih baik datang melalui keras dan jelas.

Baca Juga : Norman McLaren, Animator yang Menginspirasi Album Junior Boys

Taylor Holliday dari The Wall Street Journal menggemakan hal ini: “Kritikus yang pelit membuat Ms. Rawlings kesulitan karena dia gadis kota California, bukan putri penambang batu bara Appalachian. Tapi seperti yang mungkin dibuktikan oleh Lucinda atau Emmylou, kecintaan pada musik bukanlah hak kesulungan, tetapi hak yang diperoleh.

Dengarkan yodel Ms. Rawlings, dalam nada tentang Morfin “gadis” yang tidak baik itu, dan Anda tahu dia setinggi gunung saat mereka datang.” Pada 16 September 2015 duo ini dianugerahi Lifetime Penghargaan Prestasi untuk Penulisan Lagu oleh Americana Music Association.

Awal Mula Alan O’Bryant Bermusik Dengan Valerie Smith
Musik

Awal Mula Alan O’Bryant Bermusik Dengan Valerie Smith

Awal Mula Alan O’Bryant Bermusik Dengan Valerie Smith – Alan O’Bryant sangatlah dekat dengan Valerie Smith di masa masa mereka bermusik bersama dan saling menyemangati satu sama lain. Alan O’Bryant banyak membantu Valerie Smith dalam berkarir di bidang musik sampai Valerie Smith sukses.

Awal Mula Alan O’Bryant Bermusik Dengan Valerie Smith

valeriesmithonline – Paman dan sepupu Alan semuanya menyukai musik country zaman dulu dan apa yang mereka sebut “musik string”; bahkan kakak laki-lakinya memainkan sedikit gitar. Ketika Alan mengambil banjo pada usia 13 tahun, dia mengambilnya seperti bebek mengambil air.

Baca Juga : Project Musik Pertama Valerie Smith Dengan Nashville Bluegrass Band

Dia belajar dengan cepat dari mendengarkan rekaman dan menonton sepupunya Dale bermain. Tak lama kemudian, Paman Hassell mengenali potensi Alan. “Dia akan datang menjemputku dan membawaku bersamanya ke pesta dansa di suatu tempat,” di mana mereka akan tampil dengan sekelompok orang tua setempat. “Jika Paman Hassell menghasilkan $12, dia akan membagi bagiannya dengan saya,” kenang Alan sambil tersenyum.

Sebagai seorang remaja, Alan sering bermain dengan sepupu ayahnya, Pat Smith, seorang pemain berbakat yang tinggal di dekatnya bersama dua putranya yang masih remaja, Terry dan Billy Smith, keduanya juga menjadi musisi hari ini, Terry, sebelumnya dengan Osborne Brothers selama lima tahun, saat ini bermain bass dengan The Grasscals, Billy adalah penulis lagu dan pemain yang sukses.

Alan menghabiskan banyak waktu memilih dan tampil bersama mereka, ketiganya akhirnya membentuk sebuah band. Ibu Billy dan Terry, penulis lagu dan kolumnis Hazel Smith (dihormati pada tahun 1999 dengan CMA Media Achievement Award), tinggal di Music City. Billy, Terry dan Alan akan menghabiskan beberapa musim panas mengunjunginya dan melakukan ziarah ke Festival Bluegrass Bean Blossom Bill Monroe sebelum ketiganya pindah ke Nashville pada tahun 1974.

Tidak mengantisipasi kesuksesan yang akan diperolehnya sebagai musisi, Alan awalnya datang ke Nashville untuk belajar di bidang teknik elektronik di Nashville Tech. Setelah tahun pertama sekolahnya, dia membutuhkan pekerjaan musim panas dan mencoba tempat dengan band James Monroe.

“Jerry Sullivan mendengar saya bermain pada suatu malam sambil duduk di Bluegrass Inn bersama Hubert Davis dan the Season Travelers,” kenang O’Bryant. Jerry bekerja dengan Monroe pada saat itu dan mereka mencari pemain banjo yang solid. Jerry menyukai apa yang dia dengar malam itu dan meminta Alan mengikuti audisi.

Alan menghabiskan empat tahun dengan sekolah juggling dan pertunjukan band James Monroe. Itu memberinya kesempatan untuk berkenalan dengan Bill Monroe karena James dan Bill sering memainkan pertunjukan yang sama. O’Bryant adalah penggemar berat Bill sejak dia masih kecil. Dan dia akhirnya menjadi Blue Grass Boy.

Alan mengenang, “Satu tahun, Bill menelepon saya untuk bermain dengannya di Opry di acara Malam Natal mereka. Bicara tentang Selamat Natal Anda.” Persahabatan mereka berlanjut hingga kematian Monroe pada September 1996.

Bill Monroe memiliki pengaruh besar pada O’Bryant, yang mengunjungi Bean Blossom untuk pertama kalinya pada usia 17 tahun. “Saya hanya seorang anak desa di luar pertanian, tetapi saya benar-benar terpesona. Sungguh menakjubkan melihat dan mendengarkannya bernyanyi. Lalu aku akan mendengar Kenny Baker. Membuatmu ingin bermain musik seumur hidupmu.”

Penghibur lain yang menginspirasi dan mendorong O’Bryant adalah Bob Block, Earl Scruggs, Ralph Stanley, Butch Robins, James Monroe, Jerry Sullivan and the Sullivan Family, dan Wilma Lee dan Stoney Cooper. Alan akan mengawasi mereka dengan hati-hati dari belakang panggung. “Anda belajar hal-hal yang harus dilakukan, Anda belajar hal-hal yang tidak boleh dilakukan.”

Selain bermain banjo, Alan juga bermain gitar dan mencoba menulis lagu. Dia menulis Memories of You pada tahun 1979, dipotong pertama oleh Bill dan James Monroe pada tahun 1980. Lagu ini akan menjadi Top 5 Billboard pick ketika direkam oleh Dolly Parton, Emmylou Harris dan Linda Ronstadt untuk album platinum 1988 mereka, Trio. Alan juga menulis The Other Side of Life, sebuah lagu gospel yang indah yang dipotong oleh Vern Gosdin, Emmylou Harris, dan telah ikut menulis favorit industri lainnya.

Pada tahun 1979, O’Bryant mengambil pekerjaan dengan Front Porch String Band milik Claire Lynch. Dia menikah pada tahun 1982 dan bekerja di Cash Register Sales di Nashville pada siang hari, bermain klub di malam hari dan festival di akhir pekan. “Selama ini, saya melakukan sesi demo, bekerja dengan penulis lagu hebat seperti Jim Rushing.”

Pada tahun 1982, teman Alan Butch Robins menerima penjaminan emisi perusahaan untuk proyek band bluegrass, di mana ia membentuk The Bluegrass Band dengan O’Bryant. Semua anggota band digaji dan dipekerjakan selama satu tahun. Ketika band bubar, Alan membuka matanya untuk kesempatan baru, yang akan datang pada tahun 1984 ketika dia akan membentuk Nashville Bluegrass Band dengan Pat Enright, Mike Compton dan Mark Hembree.

Di tahun 90-an, dia adalah orang yang sangat sibuk. Alan muncul di album Time-Life Civil War Music: Collectors Edition yang direkam pada tahun 1991, menyanyikan Aura Lee and I’m a Good Ol’ Rebel. Pat Enright bergabung dengannya dalam proyek tersebut dalam versi klasik Booth Shot Lincoln.

Saat dia tidak sedang tur dengan NBB, Alan ada di studio, bernyanyi, bermain, atau keduanya. Bakatnya terkenal di luar lingkaran bluegrass dan menarik perhatian produser musik Emory Gordy (Patty Loveless, Aaron Tippin) yang mengumpulkan demo lima artis lagu tentang Alan dan memasukkannya ke label besar.

Meskipun tanggapan label itu positif dan peluangnya menggoda, Alan membuat keputusan yang tidak pernah dia sesali, dia membuat komitmen untuk tetap berpegang pada ansambel yang dia buat dengan NBB.

Sugar Hill Records merekrut Alan pada tahun 1994 untuk tampil di CD Daddies Sing Goodnight mereka, kompilasi lagu-lagu cinta dari ayah kepada anak-anak mereka. Dia menulis dan merekam “Little One” untuk dua lagu mudanya.

Pada 1997 Gibson menawarkan O’Bryant salah satu dukungan artis langka mereka. Sebagai bagian dari pengaturan itu, “mereka membangunkan saya banjo impian saya,” kata Alan. Style-5 telah disesuaikan dalam segala hal dengan spesifikasi Alan. Pembangun master banjo adalah Nick Kimmons, Ed Weber, Eric Sullivan dan Todd Wright. Walter Carter mempelopori upaya tersebut.

Alan telah dinominasikan beberapa kali untuk IBMA Banjo Player of the Year. Dia saat ini memiliki empat banjo, tetapi selalu memainkan Gibson-nya saat dia tampil. Dia juga memiliki mandolin paddlehead Gibson vintage, di mana dia memainkan lagu-lagu biola lama. Alan menangkap bug lama beberapa tahun yang lalu setelah membeli mandolin untuk salah satu putranya, dan mengatakan dia suka belajar dan memainkan lagu-lagu Old Time.

Selain penghargaan yang ia terima dengan NBB, Alan muncul di sejumlah proyek pemenang penghargaan termasuk The Grass In Blue, direkam oleh Dolly Parton pada tahun 1999.

O’Bryant memulai perusahaan penerbitannya sendiri, OBanyon Music, pada tahun 1988. Usaha ini berhasil dengan baik, antara lain : Patty Loveless merekam The Boys Are Back In Town, ditulis oleh Don Humphries, Pat Enright dan Stuart Duncan, dan diterbitkan oleh OBanyon Music.

Alan memiliki studio proyek rumah, yang ia beri nama OBanyon’s Terrace Studio. Twenty Year Blues NBB (dihormati dengan nominasi Grammy pada 2005) direkam di sana, seperti This Could Be Magic, sebuah lagu yang muncul di CD Strummin’ With The Devil karya David Lee Roth.

Studio O’Bryant damai, santai, dan ramah akustik. Dia sering bekerja dengan insinyur veteran Tim Roberts. Di studio rumahnya, Alan telah merekam dan memproduseri proyek untuk Gene Bush, Valerie Smith dan Becky Buller, The LaWarre Family, Junior Barber, Roy Harper, Brittany Bailey, Cordless, Paul Hopkins, Adam Olmstead, dan Gibson Brothers. Rekaman mandolin bagus milik Chris Henry, Monroe Approved, juga dicampur dan dikuasai di Terrace Studio.

Baca Juga : Awal Mula Sejarah Pada Grub Band Aerosmith

Pada tahun 2003 dobro hebat Rob Ickes meminta Alan untuk memproduksi Blue Highway. Proyek, direkam di Dark Horse Studio, memenangkan Dove Award tahun itu. O’Bryant adalah penduduk lama Pegram, Tennessee. Dia memiliki dua putra yang sudah dewasa, Calan dan Ian, keduanya telah menjadi musisi juga.

Lihat band mereka, The Felt Shims, di MySpace. Alan saat ini memberikan pelajaran banjo pribadi di Musical Heritage Centre of Middle Tennessee di Pegram. Berkualifikasi baik sebagai instruktur, dia telah menjadi guru sambutan di berbagai kamp banjo selama bertahun-tahun, termasuk Klinik Institut Banjo, Institut Disney, dan NashCamp.

Project Musik Pertama Valerie Smith Dengan Nashville Bluegrass Band
Musik

Project Musik Pertama Valerie Smith Dengan Nashville Bluegrass Band

Project Musik Pertama Valerie Smith Dengan Nashville Bluegrass Band – The Nashville Bluegrass Band adalah ansambel musik bluegrass Amerika yang didirikan pada tahun 1984. Anggota grup pertama kali bermain bersama pada tahun 1984 sebagai band pendukung untuk Vernon Oxford dan Minnie Pearl. masing-masing anggota adalah musisi mapan dari komunitas bluegrass Nashville.

Project Musik Pertama Valerie Smith Dengan Nashville Bluegrass Band

valeriesmithonline – Mereka menandatangani kontrak dengan Rounder Records dan merekam debut produksi Béla Fleck mereka, My Native Home, pada tahun 1985. Menggabungkan unsur-unsur Injil hitam dan spiritual, yang saat itu langka di bluegrass, mereka menjadi sukses kritis dan populer baik di Amerika maupun di luar negeri. Kelompok ini melakukan tur di sekitar 20 negara dan merupakan band bluegrass pertama yang pernah bermain di Cina.

Baca Juga : Grand Ole Opry, Tempat Bersejarah Valerie Smith Dalam Berkarir Musik

Grup ini terus merekam untuk Rounder dan Sugar Hill hingga 1990-an. dua album, Waitin’ for the Hard Times to Go tahun 1993 dan Unleashed tahun 1995, memenangkan Grammy Awards untuk Best Bluegrass Album. Album lain dinominasikan untuk Grammy dalam kategori yang sama pada tahun 1988, 1990, 1991, 1998, dan 2004.

Setelah kepergian bassis Gene Libbea dan mandolinist Roland White pada tahun 1998, grup ini mengalami jeda singkat, tetapi setelah vokalis Pat Enright bernyanyi sebagai salah satu dari Soggy Bottom Boys dari O Brother, Where Art Thou?, karir grup ini bangkit kembali. .

Mereka bermain sebagai grup pendukung untuk banyak pemain di tur dan album Down from the Mountain, dan melakukan tur lagi sendiri di tahun 2000-an.

Kategori bluegrass konvensional tradisional dan progresif tidak banyak membantu dalam menggambarkan musik Nashville Bluegrass Band. Terdiri dari musisi top Nashville yang telah mengabdikan diri untuk mengolah suara grup yang unik daripada menampilkan bakat individu mereka, band ini menampilkan lagu-lagu bluegrass klasik dan lagu-lagu kontemporer dari orang-orang seperti Gillian Welch dan Kate Campbell dengan sama mudahnya.

Mereka secara khusus terkenal karena nyanyian harmoni mereka yang erat dan, hampir sendirian di antara band-band bluegrass, untuk penyelidikan mereka tentang akar Afrika-Amerika dari banyak gaya harmoni modern. Empat anggota asli Nashville Bluegrass Band yaitu banjoist Alan O’Bryant, gitaris dan vokalis Pat Enright, mandolinist Mike Compton, dan bassis Mark Hembree berkumpul sebagai band pendukung untuk tur 1984 yang menampilkan veteran country Vernon Oxford dan Minnie Mutiara.

Semuanya adalah veteran kancah Nashville dan pernah terlibat dengan band-band bluegrass papan atas pada 1970-an. Enright adalah anggota dari supergrup progresif Ular yang Mengerikan. The Nashville Bluegrass Band menandatangani kontrak dengan label Rounder, dan debut mereka, My Native Home, dirilis pada tahun 1985.

Diproduksi oleh Béla Fleck, album ini mengumumkan kecenderungan inovatifnya dengan lagu pertamanya, versi acapela dari lagu Sister Rosetta Tharpe ” Di Atas Kepalaku.” My Native Home menjadi salah satu dari beberapa rilisan di mana band ini beralih ke Injil Hitam, khususnya untuk suara harmoni virtuoso dari dekade di kedua sisi Perang Dunia II.

Album all-injil 1987 To Be His Child menyertakan beberapa lagu asal Afrika-Amerika, dan pada 1991 Nashville Bluegrass Band merilis seluruh album, Home of the Blues, yang menampilkan Fairfield Four sebagai vokalis tamu. Proyek semacam itu tidak pernah terdengar di dunia bluegrass yang hampir serba putih, tetapi itu membuat Nashville Bluegrass Band menjadi atraksi tur utama jauh di luar sirkuit festival biasa.

Kadang-kadang berbagi panggung dengan Fairfield Four, mereka muncul di tempat-tempat folk utama AS dan menjadi band bluegrass pertama yang tampil di Republik Rakyat Tiongkok. Mereka tampil di hampir 20 negara di lima benua.

Keluh kesah dalam pembuatan project

Band ini mengalami beberapa perubahan keanggotaan: Hembree digantikan oleh Gene Libbea dan Compton oleh Roland White, dan pemain biola Stuart Duncan muncul di setiap album yang dimulai dengan Idletime 1986. Namun, mereka mempertahankan suara yang konsisten dan mengalami kesuksesan yang kuat melalui serangkaian album di akhir tahun 80-an dan sebagian besar tahun 1990-an.

Mereka pindah ke label Sugar Hill dengan New Moon Rising tahun 1988 (yang menampilkan Peter Rowan dan Maura O’Connell), dan sebagian besar bekerja dengan Jerry Douglas sebagai produser di tahun 90-an. Setelah album American Beauty tahun 1998 yang dinominasikan Grammy, grup ini tampaknya siap untuk mengakhiri karir yang cemerlang ketika Libbea dan White berangkat ke proyek lain.

Tapi Nashville Bluegrass Band mendapat angin kedua setelah Enright menjadi salah satu pengisi suara dari Soggy Bottom Boys, trio penyanyi lama fiktif yang dipimpin oleh George Clooney dalam film hit yang tidak mungkin O Brother, Where Art Thou? (yang lainnya adalah Dan Tyminski dan Harley Allen).

Compton dan Duncan juga muncul di soundtrack film, dan Compton mulai tampil sebagai bagian dari band Down from the Mountain yang mendukung berbagai headliner bluegrass yang muncul sebagai bagian dari tur konser dan film dokumenter yang sukses dengan nama tersebut.

Dari peristiwa ini muncullah Nashville Bluegrass Band yang dibentuk kembali, sekarang dengan bassis Dennis Crouch (seorang siswa dari bassis asli grup, Mark Hembree) dan Compton pada mandolin sekali lagi. Kelompok ini melakukan tur besar pada tahun 2002 dan 2003.

Mempertimbangkan berapa banyak grup biola dan banjo yang telah terbentuk di Music City, tidak mengherankan jika beberapa peretas biasa tidak berhasil dengan nama Nashville Bluegrass Band. Sebaliknya, takdir menyediakan moniker sederhana dan mendalam itu untuk salah satu dari sedikit band yang dapat memenuhinya.

Tidak terikat pada konservatisme generasi pertama maupun eklektisisme rumput baru, Nashville Bluegrass Band telah benar-benar menempa suaranya sendiri, yang berakar pada musik blues dengan kesadaran akut akan Injil dan tradisi rakyat. Musik mereka memiliki kemudahan yang kontras dengan edgy fire-balling dari beberapa band bluegrass kontemporer.

Sebaliknya, ketika Alan O’Bryant dan Pat Enright mencocokkan suara mereka dalam harmoni yang erat dan ketika mandolinist Mike Compton dan pemain biola Stuart Duncan memberikan pujian halus mereka untuk lagu-lagu tersebut, suasana hati tertentu tercipta, yang ditemukan sejak awal dan disempurnakan selama dua dekade sejarah. .

Mereka dibentuk pada tahun 1984 untuk mendukung tur oleh veteran country Vernon Oxford dan komedian Grand Ole Opry Minnie Pearl. O’Bryant, Enright dan Compton adalah pendiri. Duncan datang tidak lama kemudian. NBB mungkin mendapat manfaat dari fakta bahwa NBB tidak pernah menjadi satu-satunya outlet bagi para musisinya. Semuanya adalah pria sesi yang sangat dibutuhkan yang dengan demikian mampu membawa berbagai pengalaman dan pertumbuhan ke band ketika tiba saatnya untuk tampil atau merekam.

Di jantung suara NBB adalah suara kompleks Pat Enright, sedih dan gembira pada saat yang sama, mercusuar blues. Pengambilan solonya di sini di Biggest Liars In Town sudah matang dengan ketegangan dan kesedihan. Dan ketika Enright dan O’Bryant bernyanyi bersama, seperti pada judul lagu yang gagah dan menyentuh hati dari album mereka yang terkenal, Waitin’ For The Hard Times To Go, itu sangat menyentuh.

Sementara beberapa pemain bass telah pindah melalui lineup NBB selama bertahun-tahun, itu adalah grup yang agak stabil, perubahan terbesar terjadi ketika Mike Compton digantikan oleh Roland White (Compton kembali beberapa tahun yang lalu). Masing-masing membawa karakter tertentu ke band sambil mendukung ayunan NBB yang penting. Mengotak-atik Duncan adalah keajaiban dalam dirinya sendiri, keras dan kadang gelap, gesit dan modern di waktu lain.

NBB telah mengikuti renungannya jauh dan luas. Mereka termasuk yang pertama memahami materi dari penulis muda penting seperti Gillian Welch dan Kate Campbell. Mereka mencari dan bekerja secara ekstensif dengan tokoh-tokoh besar Injil The Fairfield Four.

Baca Juga : Bill Laswell Musisi Musik Jazz Amerika Serikat

Mereka telah bermain di Gedung Putih dan di seluruh dunia, termasuk pertunjukan di China, Irak, Bangladesh, dan Bahrain. Mereka telah memukau orang banyak di Carnegie Hall. Dan menyamar sebagai Soggy Bottom Boys, mereka adalah bagian integral dari peristiwa paling penting dalam musik akar selama sepuluh tahun terakhir, soundtrack multi-platinum dari film O Brother, Where Art Thou? dan tur Down From The Mountain yang diikuti.

Penghargaannya sangat banyak, termasuk dua Grammy Awards untuk album bluegrass terbaik dan dua penghargaan Entertainer of the Year dari International Bluegrass Music Association. Tetapi untuk mendengarkan mereka secara langsung, orang menduga bagian paling berharga dari upaya NBB adalah perasaan ensemble mereka yang mudah, sesuatu yang dapat dicari oleh musisi seumur hidup. Anggota NBB masing-masing adalah pemain hebat, tetapi mereka merangkul ideal band dengan kerendahan hati dan keterampilan yang sempurna, itulah sebabnya mereka mewakili Nashville dan bluegrass dengan sangat baik.

Grand Ole Opry, Tempat Bersejarah Valerie Smith Dalam Berkarir Musik
Musik

Grand Ole Opry, Tempat Bersejarah Valerie Smith Dalam Berkarir Musik

Grand Ole Opry, Tempat Bersejarah Valerie Smith Dalam Berkarir Musik  – The Grand Ole Opry adalah panggung musik country mingguan Amerika di Nashville, Tennessee, didirikan pada 28 November 1925, oleh George D. Hay sebagai “barn dance” radio satu jam di WSM. Saat ini dimiliki dan dioperasikan oleh Opry Entertainment (sebuah divisi dari Ryman Hospitality Properties, Inc.), ini adalah siaran radio terlama dalam sejarah AS.

Grand Ole Opry, Tempat Bersejarah Valerie Smith Dalam Berkarir Musik

valeriesmithonline – Didedikasikan untuk menghormati musik country dan sejarahnya, Opry menampilkan campuran penyanyi terkenal dan musik kontemporer yang menduduki puncak tangga lagu country, bluegrass, Americana, folk, dan gospel serta pertunjukan komedi dan sandiwara. Ini menarik ratusan ribu pengunjung dari seluruh dunia dan jutaan pendengar radio dan internet.

Baca Juga : Sosok Charlie Louvin, Mentor Valerie Smith Dalam Berkarya di Bidang Musik

Pada 1930-an, pertunjukan mulai mempekerjakan profesional dan diperluas menjadi empat jam. Disiarkan pada saat itu dengan daya 50.000 watt, WSM menjadikan program ini sebagai tradisi musik Sabtu malam di hampir 30 negara bagian.

Pada tahun 1939, debutnya secara nasional di NBC Radio. The Opry pindah ke rumah permanen, Auditorium Ryman, pada tahun 1943. Seiring berkembangnya kepentingannya, begitu pula kota Nashville, yang menjadi “ibukota musik country” Amerika.

Grand Ole Opry memiliki arti penting di Nashville sehingga itu termasuk sebagai “rumah” yang disebutkan pada tanda selamat datang yang dilihat oleh pengendara di jalur Metro Nashville/Davidson County. Keanggotaan di Opry tetap menjadi salah satu pencapaian puncak musik country.

Sejak 1974, pertunjukan tersebut telah disiarkan dari Grand Ole Opry House di timur pusat kota Nashville, dengan tiga bulan musim dingin tahunan kembali ke Ryman sejak 1999. Selain program radio, pertunjukan telah disiarkan secara sporadis selama bertahun-tahun.

Tempat yang lebih besar

Ketika penonton untuk pertunjukan langsung meningkat, tempat radio National Life & Accident Insurance menjadi terlalu kecil untuk menampung gerombolan penggemar. Mereka membangun studio yang lebih besar, tetapi masih belum cukup besar.

Setelah beberapa bulan tanpa penonton, National Life memutuskan untuk mengizinkan pertunjukan tersebut dipindahkan ke luar kantor pusatnya. Pada Oktober 1934, Opry pindah ke Teater Hillsboro yang saat itu berada di pinggiran kota (sekarang Belcourt) sebelum pindah ke Tabernakel Dixie di East Nashville pada 13 Juni 1936.

Opry kemudian pindah ke War Memorial Auditorium, sebuah tempat di pusat kota yang berdekatan dengan State Capitol, dan biaya masuk 25 sen dibebankan untuk mencoba mengekang kerumunan besar, tetapi tidak berhasil. Pada bulan Juni 1943, Opry pindah ke Auditorium Ryman.

Satu jam Opry disiarkan secara nasional oleh NBC Red Network dari tahun 1939 hingga 1956, dan untuk sebagian besar penayangannya, acara tersebut ditayangkan satu jam setelah program yang menginspirasinya, National Barn Dance. Segmen NBC, awalnya dikenal dengan nama sponsornya, The Prince Albert Show, pertama kali dipandu oleh Acuff, yang digantikan oleh Red Foley dari tahun 1946 hingga 1954.

Dari 15 Oktober 1955 hingga September 1956, ABC-TV menayangkan siaran langsung. , versi televisi berdurasi satu jam sebulan sekali pada Sabtu malam (disponsori oleh Ralston-Purina) yang mendahului satu jam dari Ozark Jubilee yang saat itu 90 menit.

Dari tahun 1955 hingga 1957, Al Gannaway memiliki dan memproduseri The Country Show dan Stars of the Grand Ole Opry, keduanya program film yang disindikasikan oleh Flamingo Films. Stars of the Grand Ole Opry karya Gannaway adalah acara televisi pertama yang ditembak dalam warna.

Pada tanggal 2 Oktober 1954, seorang remaja Elvis Presley melakukan satu-satunya penampilan Opry-nya. Meskipun penonton bereaksi dengan sopan terhadap merek musik rockabilly revolusionernya, manajer Opry Jim Denny mengatakan kepada produser Presley, Sam Phillips setelah pertunjukan bahwa gaya penyanyi tidak sesuai dengan program tersebut.

1960-an

Pada tahun 1960-an, ketika gerakan tandingan hippie menyebar, Opry mempertahankan citra konservatif yang kaku dengan “rambut panjang” tidak ditampilkan di acara itu. Keluarga Byrd adalah pengecualian. Pelopor rock country Gram Parsons, yang merupakan anggota The Byrds pada saat itu, berada di Nashville untuk mengerjakan album country rock milik band, Sweetheart of the Rodeo.

Label rekaman band, Columbia Records, telah mengatur agar The Byrds tampil di Ryman pada 15 Maret 1968, sebuah prospek yang membuat Parsons senang.

Namun, ketika band naik ke panggung, tanggapan penonton langsung bermusuhan, menghasilkan ejekan, cemoohan, dan ejekan yang mengejek “tweet, tweet” dan “potong rambut Anda” The Byrds semakin membuat marah pendirian Opry dengan mengabaikan protokol yang diterima ketika mereka membawakan lagu Parsons “Hickory Wind” alih-alih lagu Merle Haggard “Life in Prison,” seperti yang telah diumumkan oleh Tompall Glaser.

Dua dekade kemudian, lama setelah kematian Parsons, anggota The Byrds berdamai dengan Opry dan berkolaborasi pada album 1989 Will the Circle Be Unbroken: Volume Two. Artis lain yang melanggar standar ketat Opry adalah Jerry Lee Lewis, yang membuat penampilan pertamanya dan satu-satunya di acara itu pada 20 Januari 1973, setelah beberapa tahun sukses di tangga lagu country.

Lewis diberi dua syarat untuk penampilannya tidak ada rock and roll dan tidak ada kata-kata kotor – dan dia terus mengabaikan keduanya, bahkan menyebut dirinya sebagai penghinaan keibuan yang tidak dapat ditembus pada satu titik.

Dalam set 40 menit terus menerus, Lewis memainkan campuran rock and roll hits dan cover lagu country penyanyi lain. Dikatakan bahwa dia merasa pahit tentang bagaimana dia diperlakukan ketika dia pertama kali tiba di Nashville pada tahun 1955, dan dia diduga menggunakan penampilan Opry-nya untuk membalas dendam pada industri musik Nashville.

Legenda negara Johnny Cash, yang melakukan debut Opry pada 5 Juli 1956 dan bertemu calon istrinya June Carter Cash pada hari itu, dilarang dari program pada tahun 1965 setelah, dalam keadaan mabuk, menghancurkan lampu panggung dengan dudukan mikrofon.

Cash mengomentari insiden itu bertahun-tahun kemudian: “Saya tidak tahu seberapa besar mereka menginginkan saya,” katanya, “tetapi pada malam saya merusak semua lampu panggung dengan dudukan mikrofon, mereka mengatakan bahwa mereka tidak dapat menggunakan saya lagi.

Jadi saya keluar dan menggunakannya sebagai alasan untuk benar-benar menjadi liar dan berakhir di rumah sakit untuk ketiga kalinya hidung saya patah.” Uang tunai diterima kembali pada tahun 1968, setelah keberhasilannya Di Penjara Folsom album dan pemulihannya dari kecanduan.

Rumah Grand Ole Opry

Auditorium Ryman adalah rumah bagi Opry sampai tahun 1974. Pada akhir 1960-an, National Life & Accident menginginkan rumah baru yang lebih besar, lebih modern untuk acara radio yang sudah berjalan lama. Sudah berusia 51 tahun pada saat Opry pindah ke sana, Ryman mulai mengalami kerusakan karena lingkungan pusat kota di sekitarnya menjadi korban pembusukan perkotaan yang meningkat.

Terlepas dari kekurangan ini, popularitas pertunjukan terus meningkat, dan jumlah penonton mingguannya melebihi tempat 3.000 kursi. Operator Opry ingin membangun teater ber-AC baru, dengan kapasitas tempat duduk yang lebih besar, tempat parkir yang luas, dan kemampuan untuk berfungsi sebagai fasilitas produksi televisi.

Lokasi yang ideal adalah di bagian kota yang tidak terlalu urban untuk memberikan pengunjung pengalaman yang lebih aman, lebih terkontrol, dan lebih menyenangkan. Malam pembukaan dihadiri oleh duduk Presiden AS Richard Nixon, yang memainkan beberapa lagu dengan piano.

Untuk meneruskan tradisi pertunjukan di Ryman, lingkaran pohon ek setinggi enam kaki dipotong dari sudut panggung Ryman dan ditaruh di tengah panggung di tempat baru. Seniman di atas panggung biasanya berdiri di atas lingkaran saat mereka tampil, dan sebagian besar penampil modern masih mengikuti tradisi ini.

Taman hiburan ditutup dan dihancurkan setelah musim 1997, tetapi Grand Ole Opry House tetap digunakan. Area di sekitarnya dibiarkan utuh, bahkan selama pembangunan Opry Mills, yang dibuka pada Mei 2000. Bagian luarnya dihiasi dengan plakat peringatan pemenang Grammy musik country, sebelumnya dari StarWalk Opryland.

Grand Ole Opry terus dilakukan setiap Selasa, Jumat, Sabtu, dan kadang-kadang Rabu di Grand Ole Opry House dari Februari hingga Oktober setiap tahun, dan situs tersebut ditambahkan ke Daftar Tempat Bersejarah Nasional pada 27 Januari 2015.

Grand Ole Opry House juga merupakan rumah dari Country Music Association Awards dari tahun 1974 hingga 2004, dan menjadi tuan rumah rekaman selama tiga minggu untuk pertunjukan game Wheel of Fortune yang telah berjalan lama pada tahun 2003. Tempat tersebut juga pernah menjadi lokasi GMA Dove Penghargaan pada beberapa kesempatan.

Kembali ke Auditorium Ryman

Mulai bulan November 1999, Opry diadakan di Auditorium Ryman selama tiga bulan, sebagian karena pembangunan Pabrik Opry yang sedang berlangsung. Opry telah kembali ke Ryman selama tiga bulan musim dingin setiap tahun sejak itu, memungkinkan pertunjukan untuk mengakui akarnya sementara juga mengambil keuntungan dari tempat yang lebih kecil selama musim sepi untuk pariwisata.

Saat masih resmi Grand Ole Opry, pertunjukan di sana disebut sebagai Opry di Ryman. Dari tahun 2002 hingga 2014, versi perjalanan dari Radio City Christmas Spectacular bertempat tinggal di Grand Ole Opry House setiap musim liburan saat Opry pergi. Itu digantikan oleh Dr. Seuss’ How the Grinch Stole Christmas! The Musical dari 2015 pada 2017 dan oleh Cirque Dreams Holidaze pada 2018.

Banjir 2010

Pada Mei 2010, Opry House dibanjiri, bersama dengan sebagian besar Nashville, ketika Sungai Cumberland meluap ke tepiannya. Perbaikan dilakukan, dan Opry sendiri tetap tidak terganggu. Selama musim panas 2010, siaran tersebut untuk sementara berasal dari tempat alternatif di Nashville, dengan Ryman Auditorium menjadi tuan rumah sebagian besar pertunjukan.

Tempat-tempat lain termasuk Auditorium Peringatan Perang TPAC, bekas rumah Opry lainnya. Andrew Jackson Hall dari TPAC. Auditorium Kota Nashville. Allen Arena di Universitas Lipscomb. dan Gereja Baptis Dua Sungai. Sebagian besar tempat duduk lantai utama auditorium, area belakang panggung, dan seluruh panggung termasuk lingkaran kayu hias dari panggung Ryman berada di bawah air selama banjir.

Baca Juga : Berkat Ajang Pencarian Bakat 6 Penyanyi Ini Sukses di Blantika Music International

Sementara panggung Grand Ole Opry House diganti, lingkaran Ryman dipulihkan dan ditempatkan lagi di tengah panggung di Grand Ole Opry House sebelum pertunjukan dilanjutkan. Renovasi setelah banjir juga menghasilkan area belakang panggung yang diperbarui dan diperluas, termasuk pembangunan lebih banyak ruang ganti dan ruang pemain.

Opry kembali ke Grand Ole Opry House pada 28 September 2010, dalam edisi khusus Opry berjudul Country Comes Home yang disiarkan langsung di Great American Country.

Malam itu diisi dengan momen-momen Opry yang unik. Martina McBride dan Connie Smith menyanyikan hit tanda tangan Smith “Once a Day” bersama-sama, dan kolaborasi lainnya termasuk Dierks Bentley dan Del McCoury (“Roll On Buddy, Roll On”), Josh Turner dan Lorrie Morgan (“Golden Ring”), dan Montgomery Gentry dan Charlie Daniels Band (“Devil Went Down To Georgia”), antara lain. Pertunjukan ditutup dengan gitar jam all-star yang menampilkan Brad Paisley, Keith Urban, Steve Wariner, Ricky Skaggs, dan Marty Stuart.

Sosok Charlie Louvin, Mentor Valerie Smith Dalam Berkarya di Bidang Musik
Musik

Sosok Charlie Louvin, Mentor Valerie Smith Dalam Berkarya di Bidang Musik

Sosok Charlie Louvin, Mentor Valerie Smith Dalam Berkarya di Bidang Musik – Charles Elzer Loudermilk (7 Juli 1927 – 26 Januari 2011), yang dikenal secara profesional sebagai Charlie Louvin, adalah seorang penyanyi dan penulis lagu musik country Amerika. Ia paling dikenal sebagai salah satu Louvin Brothers, dan merupakan anggota Grand Ole Opry sejak 1955.

Sosok Charlie Louvin, Mentor Valerie Smith Dalam Berkarya di Bidang Musik

valeriesmithonline – Harmoni magis dan kedalaman perasaan yang ditemukan pada rekaman Louvin Brothers tahun 50-an dan 60-an mengilhami generasi musisi baru, dengan tegas menetapkan status Louvins sebagai salah satu duo paling berpengaruh dalam sejarah musik country.

Baca Juga : LIBERTY PIKE BAND, Grup Band yang Menemani Valerie Smith Dalam Berkarya

Pada tahun 2006, label Tompkins Square menghubungi Charlie untuk membuat album studio baru pertamanya dalam lebih dari sepuluh tahun. Mereka merekrut Mark Nevers, yang merekayasa sesi untuk banyak artis country papan atas, dan memproduseri Calexico, Lambchop, Candi Staton antara lain.

Tamu di album ini termasuk Elvis Costello, George Jones, Jeff Tweedy, Will Oldham, Tom T. Hall, Tift Merritt, Marty Stuart, Bobby Bare Sr., David Kilgour, anggota Bright Eyes, Lambchop, Clem Snide, Superchunk dan banyak lagi.

Louvin menikmati pengalaman itu. “Mark Nevers adalah salah satu insinyur terbaik yang pernah bekerja dengan saya. Kakak saya dan saya memotong gigi kami pada beberapa lagu lama dan mereka sangat memengaruhi kami. Saya senang kami dapat mengingatkan orang-orang tentang mereka.”

Charlie lahir 7 Juli 1927 di Henager, Alabama. Dia dan kakak laki-lakinya, Ira, bekerja sebagai pekerja lapangan di pertanian keluarga. Di malam hari, mereka akan mendengarkan lagu-lagu country hari ini di Victrola ayah mereka. Terinspirasi oleh duet harmoni yang erat dari The Delmore Brothers, Monroe Brothers dan Blue Sky Boys, saudara-saudara mulai mengembangkan gaya khas yang disebut “nyanyian nada bentuk” berdasarkan harmoni Injil yang telah mereka pelajari di gereja.

Duo ini melakukan pekerjaan tetap di tahun 40-an di stasiun radio lokal di Knoxville dan Memphis. Mereka juga banyak melakukan tur di Alabama, Arkansas dan Tennessee selama periode ini. Pada satu ayunan melalui Dyess, Arkansas, Charlie ingat pertemuan dengan seorang remaja bernama Johnny Cash.

“Kami sedang bermain dengan Eddie Hill. Saya sedang menjual tiket dan saya melihat pemuda ini berdiri di luar sendirian. Saya memintanya untuk menunjukkan di mana kamar mandi berada. Saat kami berjalan kembali, dia melihat saya memiliki dua biskuit soda di saku baju saya. Dia bertanya mengapa, dan saya berkata, ‘Agar tidak mati kelaparan.’

Saya mengundangnya ke pertunjukan yang saya tahu dia tidak punya uang. Bertahun-tahun kemudian dalam bukunya (Man In Black, 1975), dia bilang dia selalu makan dua biskuit soda sebelum dia naik panggung.” Cash juga mengingat tanggal dalam intro versinya dari Louvin “When I Stop Dreaming” pada rilis Columbia/Legacy baru-baru ini, Personal File.

Louvins mencetak kontrak rekaman pertama mereka dengan Apollo pada tahun 1947, merilis sebuah single di Decca pada tahun 1949, dan merekam 12 sisi untuk MGM pada tahun 1951 dan 1952. Salah satu sesi itu berlangsung dengan Hank Williams menunggu di luar untuk gilirannya di studio. Rekaman dan jadwal pertunjukan mereka sporadis karena dinas militer Charlie selama Perang Korea. Sekembalinya ke Amerika, mereka mulai merekam untuk Capitol Records, yang tetap menjadi rumah label mereka sampai saudara-saudara berpisah pada tahun 1963.

Menandai pergeseran dari materi Injil ke materi sekuler, Louvins mencetak terobosan komersial mereka pada tahun 1955 dengan sepuluh hit teratas “When I Stop Dreaming.” Mereka melakukan tur pada awal 1955 dengan calon superstar Elvis Presley sebagai pembuka mereka, dan menjadi anggota Grand Ole Opry.

Dari tahun 1955 hingga 1962, Louvin Brothers menghasilkan 12 hits di tangga lagu country Billboard, termasuk “I Don’t Believe You’ve Met My Baby,” “You’re Running Wild,” “Cash On The Barrelhead” dan “Knoxville Gadis.”

Meskipun mesin hit Louvins telah melambat pada awal 60-an, mereka malah menciptakan serangkaian album bertema, favorit kultus yang masih beresonansi dengan penonton alt-country saat ini, termasuk A Tribute to the Delmore Brothers dan Satan Is Real. Pada tahun 1963, dengan pasar yang berubah dan ketegangan antarpribadi yang meningkat, Louvin Brothers berpisah. Ira merilis album solo tunggalnya, The Unforgettable Ira Louvin, pada tahun 1964. Dia meninggal dalam kecelakaan mobil di Missouri pada 20 Juni 1965.

Karier solo Charlie dimulai pada tahun 1964 dengan lima hit teratas “I Don’t Love You Anymore,” dan dia mengikutinya dengan enam singel Billboard-charting dari 12 piringan hitam Capitol. Pada akhir tahun 60-an, minat baru pada musik Louvin Brothers mulai terbentuk.

Warisan keluarga Louvin yang berkelanjutan setidaknya sebagian dikaitkan dengan Gram Parsons, yang, menurut legenda, membayar orang untuk menjelajahi toko kaset LA untuk mencari sisi mereka yang sudah tidak dicetak lagi. Versi klasik Louvin-nya “The Christian Life” dari Byrds’ Sweetheart of the Rodeo, atau “Cash on the Barrelhead” dari Grevious Angel, berfungsi sebagai cetak biru untuk begitu banyak “alt-country” yang akan menyusul.

Hit pertama Emmylou Harris adalah “If I Could Only Win Your Love” dari Louvins. Paman Tupelo mengcover “Great Atomic Power” di album ketiga mereka, 16-20 Maret 1992. “The Christian Life” telah digarap ke dalam set live The Raconteurs baru-baru ini. Louvin Brothers dilantik ke dalam Country Music Hall of Fame pada Oktober 2001.

Pada tahun 2003, Charlie diundang untuk membuka tur nasional dengan Trick and Cake Murah. Tahun itu juga dirilis Livin’, Lovin’ Losin’: Songs of the Louvin Brothers di Universal South, album penghormatan Louvin Brothers yang menampilkan James Taylor, Merle Haggard, Dolly Parton, dan Johnny Cash. Koleksinya kemudian memenangkan dua Grammy Awards pada tahun 2004.

Biografi

Lahir di Section, Alabama, Louvin adalah salah satu dari tujuh bersaudara dan tumbuh besar dengan bekerja di pertanian keluarga di dekat Henagar. Dia mulai bernyanyi ketika dia berusia delapan tahun.

Louvin mulai bernyanyi secara profesional dengan saudaranya Ira saat remaja di program radio lokal di Chattanooga, Tennessee. Anak laki-laki menyanyikan musik tradisional dan musik gospel dengan gaya harmoni yang mereka pelajari saat tampil di paduan suara gereja mereka.

Setelah Charlie meninggalkan akting sebentar pada tahun 1945 untuk bertugas di Angkatan Udara Angkatan Darat selama Perang Dunia II, saudara-saudara pindah pertama ke Knoxville dan kemudian ke Memphis, bekerja sebagai juru tulis pos siang hari sementara membuat penampilan di malam hari. Pembubaran singkat lainnya karena pelayanan Charlie dalam Perang Korea menyebabkan relokasi saudara-saudara ke Birmingham, Alabama.

Terutama dikenal sebagai artis gospel, keluarga Louvin diyakinkan oleh sponsor bahwa “Anda tidak dapat menjual tembakau dengan musik gospel,” dan mulai menambahkan musik sekuler ke dalam repertoar mereka. Mereka mulai tampil di Grand Ole Opry yang terkenal selama tahun 1950-an, menjadi anggota resmi pada tahun 1955.

Louvin Brothers merilis banyak single, seperti “When I Stop Dreaming”, dengan lebih dari 20 rekaman mencapai tangga lagu musik country. Harmoni mereka yang kaya menjadi pengaruh bagi artis-artis selanjutnya seperti Emmylou Harris, Gram Parsons, dan The Byrds.

Pada tahun 1960-an, popularitas Charlie dan Ira telah berkurang dan saudara-saudara berpisah pada tahun 1963. Pada tahun 1965, Ira tewas dalam kecelakaan mobil. Charlie terus tampil solo, membuat banyak penampilan di Grand Ole Opry dan di tahun-tahun berikutnya bertindak sebagai negarawan senior untuk musik country.

Pada tahun 2000-an, Charlie mulai membangun kembali karirnya. Meskipun dia dengan mudah mengakui bahwa dia tidak pernah menjadi penulis, Louvin merilis sebuah disk klasik yang berisi satu lagu baru, sebuah penghargaan untuk Ira, dan sebuah album gospel di Tompkins Square Records yang Diproduseri oleh Mark Nevers.

Lagu-lagu tersebut terutama memasangkan Louvin dengan penyanyi lain, seperti George Jones, Jeff Tweedy dari Wilco, Alex McManus dari Bright Eyes, Elvis Costello, dan Derwin Hinson. Dia juga menulis dua lagu dengan Rockabilly Hall of Famer Kolonel Robert Morris, salah satunya ada di CD truk Morris, “Highway Hero”.

Pada tahun 2003, Louvin tinggal di Manchester, Tennessee. Dia menutup museum Louvin Brothers-nya di Nashville dan ingin membuka museum lain di Monteagle, Tennessee, dekat Chattanooga. Dia adalah sepupu dari penulis lagu John D. Loudermilk.

Setelah operasi kanker Juli 2010, Louvin membuat penampilan publik pertamanya, dan yang kedua terakhir, di Konferensi Musik Americana Nashville, 10 September. Dia tampil dengan Emmylou Harris dan pengiring lama Harris dan Gram Parsons Al Perkins pada gitar baja.

Louvin membuat satu penampilan publik terakhir di The Marty Stuart Show RFD-TV, bersama putranya, Sonny Louvin. Dia membawakan ‘See The Big Man Cry’, setelah itu ikon musik country Connie Smith berbicara tentang kekagumannya pada Louvin, sebelum menampilkan ‘I Don’t Love You Anymore’. Leroy Troy, bersama Lester Armistead dan Dan Kelly kemudian membawakan ‘Bald Knob, Arkansas’, yang ditulis oleh saudara laki-laki Charlie, Ira Louvin.

Baca Juga : Sosok Freddie Mercury Yang Tidak Tergantikan Di Band Rock Queen

Marty Stuart dan Fabulous Superlatives-nya kemudian membawakan lagu gospel Louvin Brothers ‘The Family Who Prays’. Pertunjukan kemudian ditutup dengan Louvin menyanyikan lagu Tom T. Hall ‘Back When We Were Young’, dengan diiringi oleh Marty Stuart dengan mandolin. Acara ini ditayangkan pada 29 Januari 2011, tiga hari setelah kematian Louvin. Pertunjukan berakhir dengan pesan peringatan: “Episode ini direkam pada tanggal 2 Desember 2010. Itu akan menjadi pertunjukan televisi terakhir Mr. Louvin.”

Louvin menjalani operasi untuk kanker pankreas pada 22 Juli 2010. Dokter mengharapkan pemulihan penuh, tetapi “operasi tidak berjalan sesuai rencana,” menurut putra Louvin, Sonny, dan “dia akan mulai menggunakan metode pengobatan alternatif, pergi maju”. Louvin meninggal karena komplikasinya pada pagi hari tanggal 26 Januari 2011, di rumahnya di Wartrace, Tennessee, dalam usia 83 tahun.

Universitas Missouri Kansas, Tempat Valerie Smith Berkuliah Musik
Musik News

Universitas Missouri Kansas, Tempat Valerie Smith Berkuliah Musik

Universitas Missouri Kansas, Tempat Valerie Smith Berkuliah Musik – University of Missouri Kansas City (UMKC) adalah universitas riset publik di Kansas City, Missouri, UMKC merupakan bagian dari University of Missouri System dan salah satu dari hanya dua universitas anggota dengan sekolah kedokteran. Pada 2015, pendaftaran universitas melebihi 16.000 siswa. Ini adalah universitas terbesar dan perguruan tinggi terbesar ketiga di wilayah metropolitan Kansas City. Itu diklasifikasikan di antara “R2: Universitas Doktoral Aktivitas penelitian tinggi”.

Universitas Missouri Kansas, Tempat Valerie Smith Berkuliah Musik

valeriesmithonline – Sekolah ini berakar pada gerakan Universitas Lincoln dan Lee yang pertama kali diajukan oleh Gereja Metodis dan Uskupnya Ernest Lynn Waldorf pada tahun 1920-an. Universitas yang diusulkan (yang untuk menghormati Abraham Lincoln dan Robert E. Lee) akan dibangun di perbatasan Missouri-Kansas di 75th dan State Line Road, di mana Pertempuran Westport (pertempuran terbesar di barat Sungai Mississippi selama Amerika Perang Saudara) terjadi.

Inti dari sekolah itu adalah menjadi Monumen Nasional yang menandai makam seorang prajurit Union yang tidak dikenal dan prajurit Konfederasi yang tidak dikenal. Pendukung sekolah mengatakan itu akan menjadi lokasi “di mana Utara bertemu Selatan dan Timur bertemu Barat.” Minat Methodist mencerminkan peran penting gereja dalam pengembangan wilayah Kansas City melalui Shawnee Methodist Mission yang merupakan ibu kota kedua Kansas.

Ketika kaum Metodis mulai mengalami masalah dalam menyatukan properti yang diperlukan, para pemimpin sipil lainnya termasuk J.C. Nichols mulai mendorong untuk membuat pusat budaya di kedua sisi Brush Creek, tepat di sebelah timur Country Club Plaza.

Menurut rencana ini Nelson-Atkins Museum of Art dan Kansas City Art Institute akan dibangun di utara Brush Creek di sekitar perkebunan The Kansas City Star penerbit William Rockhill Nelson dan Universitas Kansas City nonsektarian swasta (awalnya diusulkan sebagai perguruan tinggi junior ) akan dibangun di selatan sungai.

Selain itu, sebuah rumah sakit akan dibangun di sekitar perkebunan Kansas City Journal-Post penerbit Walter S. Dickey. Rumah sakit tidak pernah dibangun. Pada tahun 1930, setelah Methodist membawa Kansas City Dental School ke dalam kelompok mereka, kedua rencana itu digabungkan. Sekolah baru itu akan disebut “Lincoln and Lee, University of Kansas City.” dan rencana sedang dilakukan untuk mengembangkannya menjadi sekolah empat tahun.

Baca Juga : Sejarah Musik Blues, Gaya Musik yang Sering Digunakan Valerie Smith

Universitas ini dibangun di atas lahan seluas 40 acre (16,19 ha), di sebelah tenggara rumah Nelson. William Volker telah membeli dan menyumbangkan tanah ini untuk Universitas Kansas City. Pembelian Volker asli tidak termasuk rumah Dickey itu sendiri. Dickey meninggal secara tak terduga pada tahun 1931 dan Volker memperolehnya sebagai bangunan pertama.

Kedua kelompok itu bertengkar bolak-balik, dengan Ernest H. Newcomb berusaha menengahi. Gereja tidak mempertahankan ikatannya dan nama Lincoln dan Lee ditinggalkan.

Sejarah

Sekolah mengumumkan bahwa itu akan dimulai jika 125 siswa mendaftar. Target terpenuhi, dan University of Kansas City, atau singkatnya “KCU“, mengadakan kelas pertamanya pada Oktober 1933 dengan fakultas 17 dan pendaftaran siswa 264.

Kampus (sekarang diperluas menjadi 90 hektar atau 36,4 hektar) disebut Kampus Volker. Rumah Dickey sekarang menjadi Scofield Hall. Bangunan kedua di kampus, perpustakaan, dinamai Newcomb. Air mancur Carl Milles di Brush Creek di seberang Galeri Nelson disebut Air Mancur Volker.

University of Kansas City tumbuh dengan cepat, dan segera memasukkan institusi pendidikan tinggi swasta lokal lainnya yang ada. Kansas City School of Law, yang didirikan pada tahun 1890-an dan terletak di pusat kota Kansas City, bergabung dengan universitas pada tahun 1938.

Kansas City-Western Dental College menyusul pada tahun 1941 dan Kansas City College of Pharmacy bergabung pada tahun 1943. Ini adalah diikuti oleh Kansas City Conservatory of Music pada tahun 1959. Selama periode ini, universitas juga mendirikan School of Administration pada tahun 1953, School of Education pada tahun 1954, dan Divisi Pendidikan Berkelanjutan pada tahun 1958.

Pada tanggal 25 Juli 1963, atas desakan alumni Hilary A. Bush, universitas tersebut menjadi bagian dari Sistem Universitas Missouri dan aset senilai $20 juta termasuk 23 gedung dipindahkan ke Universitas Missouri. Pada saat akuisisi, KCU memiliki 3.300 mahasiswa (2.000 penuh waktu) dan 175 dosen tetap.

Pada saat yang sama, University of Missouri mengakuisisi Normandy Residence Center di St. Louis untuk membentuk University of Missouri–St. Louis. Akuisisi kedua sekolah tersebut berbeda dalam hal Universitas Kansas City milik swasta dapat disumbangkan ke Missouri sementara Universitas Missouri harus membeli kampus St. Louis (walaupun dengan nominal $60.000) karena kampus St. Louis telah dibeli untuk perguruan tinggi junior dalam pemilihan obligasi oleh masyarakat Normandia, Distrik Sekolah Missouri.

Pada saat akuisisi Missouri sudah memiliki kampus di Columbia dan Rolla. Oleh karena itu, nama universitas diubah menjadi University of Missouri–Kansas City.

Setelah itu, UMKC mendirikan School of Graduate Studies pada tahun 1964, School of Medicine pada tahun 1970, School of Nursing pada tahun 1980, School of Basic Life Sciences pada tahun 1985 (yang berganti nama menjadi School of Biological Sciences pada pertengahan 1990-an) , dan Sekolah Komputer dan Teknik pada tahun 2001.

Pada tahun 2012, sekolah melakukan studi tentang apakah akan mengganti nama sekolah kembali ke University of Kansas City (tetapi masih tetap dalam sistem University of Missouri). Pada bulan November 2012, sekolah memutuskan untuk menolak perubahan tersebut dengan catatan pada saat itu, “sementara calon siswa dan masyarakat luas memiliki minat yang kuat terhadap perubahan nama, beberapa kelompok penting lainnya — mahasiswa saat ini, fakultas/staf, dan alumni — tidak mendukung perubahan nama saat ini.”

Pada pertengahan dan akhir 2010-an, UMKC mendapat kecaman karena korupsi dan menutup-nutupi dugaan pengejaran uang dari luar di atas segalanya. Kritikus menyoroti contoh di sekolah manajemen dan sekolah farmasi termasuk anggota fakultas yang mengharuskan siswa internasional untuk melakukan tugas pribadi untuknya dan informasi palsu yang digunakan untuk menentukan peringkat sekolah bisnis.

Unit akademik

Fakultas Kedokteran secara regional dikenal dengan program pasca sekolah menengah enam tahun, di mana seorang siswa hanya menghabiskan enam tahun untuk memperoleh gelar Bachelor of Arts dan Doctor of Medicine. Sekolah ini terletak jauh dari kampus utama di Hospital Hill, yang terhubung dengan Truman Medical Center, sebuah rumah sakit penelitian besar.

School of Law adalah salah satu dari empat sekolah hukum di Missouri (St. Louis University School of Law, University of Missouri School of Law, Washington University School of Law adalah yang lainnya). Ini adalah salah satu dari hanya tujuh sekolah hukum Amerika yang telah mendidik baik Presiden Amerika Serikat (Harry S. Truman) dan Hakim Mahkamah Agung Amerika Serikat (Charles Evans Whittaker).

Truman bersekolah tetapi tidak lulus dari sekolah hukum dan tidak pernah berpraktik hukum. Sekolah-sekolah yang sebenarnya telah memiliki lulusan President-Supreme Court yang mempraktekkan hukum adalah Yale Law School, Harvard Law School, Columbia Law School, University of Virginia School of Law, William & Mary Law School dan University of Cincinnati College of Law.

Universitas adalah rumah bagi New Letters, sebuah majalah sastra terkemuka, serta program radio publik sindikasi nasional New Letters on the Air. Selama lebih dari 50 tahun, UMKC telah menyiarkan program secara langsung, direkam dan disindikasikan melalui KCUR, stasiun radio universitas dan afiliasi NPR. Pada tahun 2004, Pusat Stok Genetika Jamur pindah ke UMKC di mana ia berada di Sekolah Ilmu Biologi.

FGSC didirikan pada tahun 1960 dan didukung oleh US National Science Foundation. FGSC mendistribusikan bahan penelitian di seluruh dunia dan merupakan bagian dari Federasi Dunia untuk Koleksi Budaya. Kolaborator termasuk peneliti di Broad Institute dan US Department of Energy Joint Genome Institute.

Teater UMKC dianggap memiliki salah satu M.F.A. program dalam bertindak di negara ini. Pada tahun 2017, 2018, dan 2019 program desain kostum MFA menduduki peringkat 10 besar sekolah desain kostum terbaik di Tanah Air oleh The Hollywood Reporter. Universitas adalah situs di mana program Instruksi Tambahan didirikan dan dikembangkan.

Peringkat

Pada tahun 2014, Princeton Review menobatkan University of Missouri–Kansas City sebagai universitas negeri “Bernilai Terbaik”, untuk tahun ketiga berturut-turut.Dalam pemeringkatan US News and World Report Best Colleges 2015, UMKC berada di peringkat 189 dalam kategori Universitas Nasional.

Banyak program pascasarjana individu memiliki peringkat lebih tinggi. Sekolah farmasi berada di peringkat 37, Program pascasarjana Public Affairs berada di peringkat 73, penekanan Manajemen Nirlaba dalam program MPA berada di peringkat 15, Sekolah keperawatan berada di peringkat 79, sekolah Hukum berada di peringkat 104 dan Sekolah Pendidikan berada di peringkat 162.

Bangunan

Cockefair, (diucapkan coke-fair), terletak di Rockhill di seberang Flarsheim Hall. Dibangun pada tahun 1950 dan dinamai untuk mantan anggota fakultas Carolyn Cockefair yang adalah seorang profesor humaniora di UMKC. Bangunan tersebut saat ini menampung departemen Sejarah, Bahasa Inggris, dan Filsafat.

Dibangun pada tahun 1972, Gedung Ilmu Biologi terletak di utara Gedung Kimia Spencer dan timur Katz Hall. Bangunan ini menampung kantor, ruang kelas, dan laboratorium penelitian School of Biological Sciences. Sekolah ini menawarkan gelar sarjana, pascasarjana, dan doktoral dalam ilmu kehidupan. Gedung Ilmu Biologi dan Gedung Kimia Spencer terhubung di empat lantainya. Selain itu, tangga selatan di lantai basement Gedung Ilmu Biologi adalah tangga utara Gedung Kimia Spencer.

Gedung yang terletak di 51st & Rockhill ini dibangun pada tahun 1972 dengan dana yang disumbangkan oleh Helen Spencer. Tujuan didirikannya gedung ini adalah untuk memupuk kemajuan ilmu pengetahuan di UMKC. Saat ini rumah kantor utama Departemen Kimia serta beberapa laboratorium kimia dan ruang kelas. Gedung Kimia Spencer dan Gedung Ilmu Biologi terhubung di empat lantainya.

Flarsheim Hall dibangun pada tahun 1999, dan merupakan gedung terbesar di kampus UMKC. Departemen Kimia, Fisika dan Geosains, serta Sekolah Komputer dan Teknik, berlokasi di Flarsheim Hall. Aula itu dinamai Robert H. Flarsheim, yang meninggalkan sumbangan $9 juta ke Universitas di tanah miliknya. Flarsheim Hall terletak di sudut timur laut Quad.

Newcomb Hall (dibangun pada tahun 1936) dinamai menurut manajer pertama Universitas, Ernest H. Newcomb. Awalnya dirancang untuk menampung perpustakaan, Newcomb Hall sekarang menjadi rumah bagi kantor, Arsip Universitas, Koleksi Naskah Sejarah Barat, dan Koleksi Salju Edgar. Newcomb Hall terletak di ujung barat ekstrim dari alun-alun.

Manheim Hall, bersama dengan Newcomb Hall adalah dua bangunan pertama yang awalnya dibangun untuk Universitas. Itu dinamai Ernest Manheim, seorang profesor sosiologi, yang mengajar di universitas dan mendirikan program sosiologinya. Saat ini, Manheim Hall memiliki kantor. Hotel ini terhubung ke Royall Hall melalui jalan setapak di lantai dua. Manheim terletak di sudut barat daya Quad.

Royall Hall dibangun pada tahun 1968 dan hampir secara eksklusif merupakan ruang kelas. Dua ruang kuliah besar berada di lantai dasar, dan sebuah observatorium astronomi berada di atap. Juga di lantai dasar adalah area lounge dengan Einstein Bros Bagel. Royall Hall terhubung ke Manheim dan Haag Halls, dan ke struktur parkir lima tingkat di seberang jalan. Royall Hall terletak di ujung selatan Quad.

Haag Hall (diucapkan Hāg), dibangun pada tahun 1937, berisi kantor dan ruang kelas termasuk departemen matematika dan studi komunikasi. Fitur yang paling dikenal adalah mural besar yang membentang di sepanjang tangga utama. Haag Hall terhubung ke Royall dan Flarsheim Halls. Haag Hall terletak di sudut tenggara Quad.

Scofield Hall dibangun pada tahun 1912, dan pada awalnya merupakan kediaman pribadi. Pada tahun 1931, William Volker memperolehnya dan menyumbangkannya ke Universitas. Itu dinamai Carleton Scofield, yang adalah rektor Universitas ketika bergabung dengan University of Missouri System. Kantor penasihat Seni & Sains serta Pusat Sumber Daya Bahasa dan Departemen Bahasa & Sastra Asing berlokasi di Scofield Hall. Scofield Hall terletak di ujung utara Quad.

Selesai pada tahun 1965, Katz Hall dinamai untuk menghormati Isaac dan Michael Katz, pendiri rantai toko obat utama Kansas City. Bangunan tersebut saat ini menampung kantor dan ruang kelas Departemen Arsitektur, Perencanaan Kota + Desain, dan pernah menjadi lokasi Sekolah Farmasi. Sekolah Farmasi sekarang telah pindah ke Gedung Ilmu Kesehatan di kampus Hospital Hill UMKC, kira-kira empat mil sebelah utara Kampus Volker.

University Center (dikenal oleh mahasiswa dan alumni sebagai “U-Center”) dibangun pada tahun 1961. Ruang makan mahasiswa terletak di sini, seperti Auditorium Pierson, tempat yang sering digunakan untuk pameran karir atau makan siang. Pada tahun 2012, Pusat Universitas mengalami renovasi dan didedikasikan kembali sebagai Pusat Keberhasilan Mahasiswa Atterbury. Itu secara khusus dirancang untuk mempromosikan keberhasilan akademik siswa.

Pusat Rekreasi Swinney dibangun pada tahun 1941, dan diberikan kepada Universitas oleh E. F. Swinney. Ada lima lapangan basket, kolam renang berukuran olimpiade, lapangan racquetball dan squash, pusat latihan beban, lapangan sepak bola, dan trek indoor dan outdoor di pusat rekreasi. Seiring dengan Kansas City Club dan Sekolah Pembroke Hill, Swinney adalah salah satu dari hanya tiga lokasi di Kansas City yang berisi lapangan squash. Mahasiswa, fakultas, dan staf memiliki hak istimewa di Swinney, dan keanggotaan berbayar terbuka untuk orang lain.

Baca Juga : Christ’s College Salah Satu Universitas Terkenal Dan Meluluskan Beberapa Orang Ternama Dunia

Epperson House terletak di selatan 52nd St. antara Oak dan Cherry. Struktur Tudor-Gothic selesai pada tahun 1923 dengan biaya $ 450.000. Awalnya dibangun sebagai tempat tinggal pribadi, Epperson House berisi 48 kamar, enam kamar mandi, lift, kolam renang, dan ruang biliar, tersebar di empat lantai.

Kediaman ini dibangun oleh Uriah S. Epperson, seorang bankir, industrialis, dan dermawan yang mengumpulkan kekayaan yang signifikan dari asuransi dan industri pengepakan daging. Bangunan itu disumbangkan ke universitas pada tahun 1942 untuk digunakan sebagai asrama pria sampai tahun 1956. Epperson terkenal dengan penampakan hantunya, yang membuatnya mendapat tempat di Unsolved Mysteries sebagai salah satu dari lima rumah berhantu teratas di Amerika Serikat.

Sejarah Musik Blues, Gaya Musik yang Sering Digunakan Valerie Smith
Musik

Sejarah Musik Blues, Gaya Musik yang Sering Digunakan Valerie Smith

Sejarah Musik Blues, Gaya Musik yang Sering Digunakan Valerie Smith – Pada suatu malam yang sepi di tahun 1903, W.C. Handy, pemimpin orkestra tari Afrika-Amerika, terjebak menunggu kereta di dusun Tutwiler, Mississippi. Dengan waktu berjam-jam dan tidak ada tempat untuk pergi, Handy tertidur di bangku kayu keras di gudang kosong.

Sejarah Musik Blues, Gaya Musik yang Sering Digunakan Valerie Smith

valeriesmithonline – Ketika dia terbangun, seorang pria kulit hitam compang-camping sedang duduk di sebelahnya, bernyanyi tentang “pergi ke mana Selatan menyeberangi Anjing” dan menyodorkan pisau ke senar gitar. Musisi mengulangi baris itu tiga kali dan menjawab dengan instrumennya.

Baca Juga : Yuk Ketahui Musik Bluegrass yang Sering Digunakan Oleh Valerie Smith  

Penasaran, Handy bertanya apa maksud kalimat itu. Ternyata rel Kereta Api Lembah Yazoo & Mississippi, yang oleh penduduk setempat disebut Anjing Kuning, melintasi rel Kereta Api Selatan di kota Moorehead, tempat yang dituju musisi itu, dan dia memasukkannya ke dalam sebuah lagu itu, Handy kemudian berkata, “musik paling aneh yang pernah saya dengar.”

Musik aneh itu adalah musik blues, meski hanya sedikit orang yang tahu dengan nama itu. Pada pergantian abad, blues masih perlahan muncul dari Texas, Louisiana, wilayah Piedmont, dan Delta Mississippi; akarnya ada dalam berbagai bentuk lagu budak Afrika-Amerika seperti teriakan lapangan, lagu kerja, lagu rohani, dan balada senar pedesaan.

Musik pedesaan yang menangkap penderitaan, penderitaan, dan harapan dari 300 tahun perbudakan dan pertanian penyewa, blues biasanya dimainkan oleh musisi solo yang berkeliaran dengan gitar akustik, piano, atau harmonika pada pesta akhir pekan, piknik, dan juke joint. Penonton mereka terutama terdiri dari buruh tani, yang menari mengikuti irama pendorong, erangan, dan gitar slide.

Pada tahun 1912, Handy membantu meningkatkan profil publik tentang blues ketika dia menjadi salah satu orang pertama yang mentranskripsikan dan menerbitkan partitur musik untuk lagu blues “Memphis Blues”. Delapan tahun kemudian, pendengar mendapatkan lebih dari satu juta kopi “Crazy Blues” oleh Mamie Smith, wanita kulit hitam pertama yang merekam vokal blues.

Keberhasilan yang tidak terduga ini memberi tahu label rekaman akan potensi keuntungan dari “rekaman balapan”, dan penyanyi seperti Ma Rainey dan Bessie Smith mulai memperkenalkan musik blues kepada audiens yang lebih luas melalui rekaman mereka.

Ketika komunitas Afrika Amerika yang menciptakan blues mulai menjauh dari Selatan untuk menghindari keberadaannya yang sulit dan hukum Jim Crow, musik blues berevolusi untuk mencerminkan keadaan baru. Setelah ribuan pekerja pertanian Afrika-Amerika bermigrasi ke utara ke kota-kota seperti Chicago dan Detroit selama kedua Perang Dunia, banyak yang mulai melihat musik blues tradisional sebagai pengingat yang tidak diinginkan akan hari-hari sederhana mereka bekerja keras di ladang, mereka ingin mendengar musik yang mencerminkan lingkungan perkotaan baru mereka.

Sebagai tanggapan, artis blues yang ditransplantasikan seperti Muddy Waters, yang pernah tinggal dan bekerja di perkebunan Mississippi sebelum naik rel ke Chicago pada tahun 1943, menukar gitar akustik dengan gitar elektrik dan mengisi suara mereka dengan drum, harmonika, dan bass standup. Hal ini menimbulkan suara blues yang dialiri arus listrik dengan irama yang menggetarkan yang mendorong orang ke lantai dansa dan menunjukkan jalan menuju ritme dan blues serta rock and roll.

Pada 1940-an dan awal 1950-an, musik blues yang dialiri arus listrik mencapai puncaknya di radio, tetapi mulai goyah saat pendengar beralih ke suara segar rock and roll dan soul. Namun, pada awal 1960-an, ketika band-band seperti The Rolling Stones mulai membawakan cover dari Muddy Waters dan Howlin ‘Wolf, calon musisi blues putih di Inggris membantu menghidupkan kembali genre tersebut.

Dalam prosesnya, mereka menciptakan rock and roll berpasir yang secara terbuka menunjukkan pengaruh bluesnya dan mempromosikan karya idola mereka, yang segera melakukan tur ke Inggris untuk mendapatkan pujian luas. Meski senang bisa diminati sebagai penampil lagi, banyak musisi blues veteran yang sangat kecewa melihat musisi seperti Led Zeppelin menjadi kaya dengan menghentikan suara artis blues Afrika-Amerika, banyak di antaranya berjuang untuk bertahan hidup.

Hari ini, 100 tahun setelah WC Handy pertama kali mendengarnya, musik blues tidak lagi menarik perhatian seperti dulu; Bagi banyak pendengar muda, musik blues tradisional jika bukan blues kontemporer mungkin terdengar aneh seperti bagi Handy. Tetapi jika mereka mendengarkan dengan saksama, mereka akan menemukan sejarah orang-orang yang kaya dan kuat yang membantu membangun Amerika dan menciptakan salah satu genre musik populer yang paling berpengaruh.

Akar Afrika

Ada beberapa karakteristik yang umum untuk semua blues, karena genre mengambil bentuknya dari atribut khas dari setiap penampilan individu. Beberapa karakteristik, bagaimanapun, hadir sebelum penciptaan blues modern, dan umum pada kebanyakan gaya musik Afrika-Amerika. Musik mirip blues paling awal adalah “ekspresi fungsional, yang ditampilkan dalam gaya panggilan dan respons tanpa iringan atau harmoni dan tidak dibatasi oleh formalitas struktur musik tertentu”.

Musik pre-blues ini diadaptasi dari suara lapangan dan teriakan yang dilakukan selama masa budak, diperluas menjadi “lagu solo sederhana yang sarat dengan konten emosional”.

Banyak dari elemen blues ini, seperti format panggilan dan tanggapan, dapat ditelusuri kembali ke musik Afrika. Penggunaan melisma dan intonasi nasal yang bergelombang juga menunjukkan hubungan antara musik Afrika Barat dan Tengah dan blues. Keyakinan bahwa blues secara historis berasal dari musik Afrika Barat termasuk dari Mali tercermin dalam karakterisasi Martin Scorsese yang sering dikutip dari tradisi Ali Farka Touré sebagai “DNA dari blues”.

Mungkin instrumen Afrika yang paling menarik yang merupakan pendahulu dari instrumen Afrika-Amerika adalah “Akonting”, kecapi rakyat dari suku Jola di Senegambia. Ini adalah pendahulu yang jelas untuk banjo Amerika dalam gaya permainannya, konstruksi instrumen itu sendiri dan dalam peran sosialnya sebagai instrumen rakyat. Kora dimainkan oleh kasta penyanyi pujian profesional untuk orang kaya dan bangsawan (disebut griot atau jalis) dan tidak dianggap sebagai musik rakyat.

Musik Jola mungkin tidak banyak dipengaruhi oleh musik Afrika Utara / Timur Tengah, yang mungkin menunjukkan bahwa musik Afrika Amerika, menurut Sam Charters, tidak terkait dengan musik kora. Musik Akonting dan yang dimainkan olehnya banyo oleh pemain banyo Afrika-Amerika yang lebih tua, bahkan hingga pertengahan abad ke-20 dengan mudah diidentifikasi sebagai sangat mirip. Akonting mungkin adalah hubungan paling penting dan konkret yang ada antara musik Afrika dan Afrika-Amerika.

Baca Juga : Sejarah Singkat Musik Bluegrass

Sementara temuan Kubik dan yang lainnya dengan jelas membuktikan pentingnya kefikan dari banyak aspek esensial ekspresi blues, studi oleh Willie Ruff dan lainnya telah menempatkan asal mula musik spiritual “hitam” di dalam paparan orang-orang yang diperbudak terhadap penginjilan tuan mereka yang berasal dari Hebridean.

Ekonom dan sejarawan Afrika-Amerika Thomas Sowell juga mencatat bahwa populasi bekas budak di selatan, kulit hitam, telah diakulturasi sampai tingkat tertentu oleh dan di antara tetangga “redneck” mereka yang “redneck” Skotlandia-Irlandia. Selain itu, ada teori bahwa struktur empat ketukan per ukuran dari musik blues mungkin memiliki asal-usul yang sama dengan tradisi penduduk asli Amerika dalam permainan drum pow wow.

1 2 3